Учебник МХК 10 класс Рапацкая часть 1

Л.А. Рапацкая Мировая художественная культура ^10 класс Учебник В 2-х частях Часть 1 Допущено Министерством образования и науки Российской Федерации к использованию в образовательном процессе в образоват^ельных учреждениях, реализующих образовательные программы общего образования и имеющих государственную аккредитацию Москва ГУМАНИТАРНЫЙ I ИЗДАТЕЛЬСКИЙ / ЦЕНТР I ^ВПАПОС 2012 УДК 373.167.1:7.0 ББК 74.268.5+85я721.1 Р23 В первый раздел учебника вошли тексты памятников художественной культуры, которые цитируются по следующим изданиям: История эстетической мысли / Под ред. М.Ф. Овсянникова и др. М., 1985. Древнекитайская философия: Собр. текстов: В 2 т. М., 1972—1973. Махабхарата. Рамаяна. М., 1974 (серия: Библиотека всемирной литературы). Древний мир глазами современников и историков / Под ред. А.В. Голубева. М., 1994. Ч. 1. Древний Восток. Поэзия и проза Древнего Востока. М., 1973 (серия: Библиотека всемирной литературы). Липинская Я., Марциняк М. Мифология Древнего Египта. М., 1977. Литература Древнего Востока: Тексты. М., 1984. Матье М.Э. Искусство Древнего Египта. М., 1961. Рапацкая Л.А. Р23 Мировая художественная культура. 10 класс. В 2-х частях. Ч. 1 : [учебник] / Л.А. Рапацкая. — М. : Гуманитар. изд. центр ВЛАДОС, 2012. — 375 с. : ил. ISBN 978-5-691-01661-5. ISBN 978-5-691-01662-2 (Ч.1). Агентство CIP РГБ. Цель курса — сформировать у учащихся целостные представления об исторических традициях и ценностях художественной культуры народов мира. Автор отобрал из произведений зарубежного искусства и культурных фактов то, что наиболее близко соприкасалось с русской культурой, питало ее, взаимодействовало с ней, то, что является актуальным художественным наследием современности. В учебник для 10 класса вошли тем^г истории культур Древнего и средневекового Востока, становления европейской культурной традиции, основ русской национальной культуры. УДК 373.167.1:7.0 ББК 74.268.5+85я721.1 ISBN 978-5-691-01661-5 ISBN 978-5-691-01662-2 (Ч. 1) © Рапацкая Л.А., 2003 © ООО «Гуманитарный издательский центр ВЛАДОС», 2003 © Оформление. ООО «Гуманитарный издательский центр ВЛАДоС», 2003 Содержание Введение .................................. 5 РИЗДШГ! I, Ж¥ДОЖ1СЖМИИАЯ ЮГЛЫ¥РА ДРИШИГО Ш СРттЮИШВОГО lOCfOiCA . .....................10 Тёма I. X}3oa^cT^eiftija^ г ► г&йггш; ойи1(^еаг8орен1^вечности......11 «Лудожествеина51 культура Древней и средневековой Индии: верность традиции................................. ‘о1 Тема 3- Художесгвеиная культура Древнет’о и средневекового Китая: нас.тедие м)дрости ушедших поколений ..........47 Тема 4. Художествеингш культура Японии: постижение гармонии с природой.......67 Тёма 5. Х\дожественная культура мусульман- cKoi'o Востока: логака. абстрактной красоты .......................... 79 Ризд«г| II* Ж¥ДОЖ1€1 ВЕИНАЯ 1€¥ЛЫГ¥РА ЕВРОПЫ: CfAHOiUlEiilli Ж¥Ш€ШШШШШ .94 Тема. 6- Античность: ко.лыбе.ль европейской художественной кч''льтуры ...95 Тёма 7. От мудрости Востока к европейской христианской кулы уре: Библия ......... ..121 Тема 8. Х)до.жествениая .тультура еврог1ейског<> Средневековья: освоение христианской образности .. 135 Содержание "Гема 9. Художественная щстьтура i-rrarbaHCKoro .Возрож,деиия: трудный путь гуманизма...163 Тёма 10. Северное Возрождение; в поисках правды о человеке.......................195 Тема 11. Х\71,ожествениая щ^льтура Х\Т1 в.: многоголосие школ и стилей..............217 "Гема 12. Художественная культура европейского П,росвещени51: утверждение ку.тьта разума .. ................................ 257 ill, Д¥Ж011И0-11РЛ11С?ЙЕИИЫ! ОСИОВЫ Р¥ССКОИ Ж¥ДОЖЕСТВЕНИОМ KWMhTWWUz ¥ ИСТОКОВ ИАЦ1§ОНАЛ1ЬНОЙ ГРАДИЦИИ |Ж-Ж¥111 шш.}............................ 282 Тёма 13. Ху7л;ожествениа51 ку7шгура Киевской Руси; опыт, озаренный духовным светом христианства .................. 287 Тема 14. Новгородсюш Русь: )тверж,тение самобытной красоты ..................... 299 Тёма 15. От раздробленных княжеств к Москов-Рутрк уг|ерж,деш¥- общерусского 1Yl,«.Г.М........313 Тёма 16. Художественная культураXVII в.: смена духовных ориентиров...............333 Тема 17- Русслсая художественная культура в эпоху просвещения: формирование хумаиистических идеалов.............. 349 Литература........................................ 375 Введение С незапамятных времен человек стремился к открытию тайн окружающего мира. В его дерзаниях есть место технике и философии, математике и медицине, биологии и кибернетике... Все сферы познания различны, но все вместе они необходимы при возведении главного здания любой цивилизации — культуры. Культуру по традиции подразделяют на материальную и духовную. Материальная культура реализует стремление человечества адаптироваться к биологическим и социальным условиям жизни и включает предметные результаты деятельности людей в различных сферах. Духовная культура представляет явления, которые связаны с интеллектуальной, а также с эмоционально-психологической деятельностью человека. Неслучайно духовная культура определяется уровнем развития самого человека, его религиозным, нравственным, эстетическим обликом, его знаниями, способностью к самосовершенствованию и творчеству. Впрочем, данное разделение весьма условно: современная цивилизация доказывает, что материальное производство, оторванное от высоких духовных целей, наносит людям непоправимый ущерб, и примеров экологических катастроф в наши дни несть числа! Но есть в культуре и совершенно особая сфера, связанная с задачами интеллектуально-чувственного отображения бытия в художественных образах и теми аспектами, которые обеспечивают такую деятельность. Здесь изначально сплелось духовное начало с материальным его воплощением, а также проявилась интуитивная устремленность человека к творению красоты, выражению его мечты о гармонии с мирозданием и с самим собой. Эта сфера называется художественной культурой. Более научное представление о художественной культуре дает понятие «художественная деятельность» — процесс создания, сохранения, восприятия, оценки произведений искусства. «Зеркалом» этой деятельности являются произведения музыки и поэзии, зодчества и живописи, театра и скульптуры, испокон веков сопровождающие жизнь людей. В эпицентре же ее — сам творец, создатель произведений искусства. Писатель и скульптор, живописец и композитор — именно он 5 Введение сумел увидеть, услышать, запечатлеть на полотне, в нотной записи, в дереве, бронзе и камне все то, о чем думает человек, и то, как он радуется или страдает, рождается и умирает, каковы его заветные желания, в чем он видит смысл своей жизни (хотя авторство в искусстве о себе заявило не сразу). Именно он, Мастер с большой буквы, сумел воплотить в художественных образах представления о красоте и гармонии, которые порой неподвластны сухому научному анализу. Более того, эти образы никогда не устаревают! Недаром древние говорили: «Жизнь коротка, искусство долговечно». Сравним: наука все дальше и дальше идет по пути прогресса, оставляя позади или отбрасывая за ненадобностью старые теории. А искусство? Разве можно применять здесь понятие «прогресс»? Да и кто отважится утверждать, что, к примеру, классическая музыка или старинная икона хуже новых художественных произведений? Вместе с тем ясно и другое: из века в век художественная культура обогащается новыми образами, символами, формами и жанрами, различными техниками и художественными приемами. Рождаются и новые виды искусства: в XIX в. — дизайн, кинематограф, в ХХ в. — телевидение, эстрада, театр моды, искусство рекламы... Все это заставляет задуматься: какие же «художественные картины мира» нарисовали творцы прошедших эпох? Вопрос этот вовсе не риторический, и науки, изучающие историю искусства (искусствоведение, литературоведение, музыковедение) выработали немало подходов к периодизации мировой художественной культуры, скрупулезно изучили историю профессионального искусства и фольклора, виды и типы художественных традиций, возникших у разных народов в разные времена. Создавая этот учебник, автор немало размышлял над проблемой отбора наиболее яркого, интересного материала из всего многообразия мировой художественной культуры. А поразмышляв, пришел к важному выводу: оценивая искусство других народов, мы вольно или невольно сравниваем его с теми художественными образами, что родились в России. Так возникла главная идея настоящего учебника — сопоставить пути исторического развития русской и зарубежной художественной культуры. Решить эту задачу помогает само географическое положение России, оказавшейся «между Востоком и Западом». «Восток» и «Запад», конечно же, очень условные, хотя и общепринятые ориентиры при 6 Введение изучении мировой художественной культуры. Давно замечено, что у народов Востока и Запада с древности сформировались достаточно яркие различия в понимании устройства мироздания, общественного развития, самого человека. Иначе говоря, каждый народ благодаря географическому положению своей страны, расе, языку, психологии привнес в мировую культуру свою концепцию бытия, свои духовные ценности. Исторически устойчивая общность мышления людей, принадлежащих к той или иной нации, возникшая в древности, лежит в основе всех современных цивилизаций. Наиболее мощные интеллектуальные и духовные изменения в культуру привнесли религиозные озарения великих мыслителей и пророков. Мировые религии — христианство, ислам, буддизм, — ставшие основой духовного преображения человечества, во многом определили развитие национальных художественных культур как Востока, так и Запада. По словам А. Меня, «в духовной жизни человечества трудно найти фактор, который на протяжении веков играл бы большую роль, чем религия. Религия была решающим импульсом во многих исторических движениях. Принятие Азией буддизма, проповедь Евангелия в античном мире, экспансия ислама, Реформация западной Церкви стали подлинными вехами в жизни человечества. Даже сама борьба против религии есть косвенное признание ее значения». С этими словами трудно не согласиться. Мы, живущие в России, оказались как бы на перепутье нескольких мировых потоков истории. И соотношение русской и зарубежной культур всегда отражало отношение России к Востоку и Западу. В раннехристианском произведении «Хождение Богородицы по мукам», популярном в российской культуре с древних времен, есть слова Михаила Архангела: «Куды хощеши, Благодатная, <...> на восток или на запад, или в рай, на десно, или налево, идеже суть великия муки?» Во все времена вопрос «куды хощеши?» оставался важным для русской культуры. Отношение к Западу (европейскому, позднее — американскому) было неоднозначным. Запад представлялся не как определенное политическое или тем более географическое пространство, а скорее как система ценностей — религиозных, этических, эстетических, которые можно либо принять, либо отвергнуть. Страстным приятием европейских культурных идеалов и столь же страстным их отвержением полна российская история. И все же вспомним известные строки А.А. Блока: 7 Введение Мы любим все — и жар холодных числ, И дар божественных видений. Нам внятно все — и острый галльский смысл, И сумрачный германский гений... Нередко «свое», русское переставало восприниматься изолированно от «чужого», западного, а некогда высмеянная А.С. Грибоедовым «смесь языков — французского с нижегородским» давала удивительные художественные результаты. Парадоксально, но наши европейские соседи всегда воспринимали Россию как «Восток». Непохожесть русской художественной культуры на западную трудно не заметить. Да и многие выдающиеся русские умы олицетворяли путь русской культуры с восточной традицией. Еще Вл.С. Соловьев, обращаясь к России, вопрошал: Каким ты хочешь быть Востоком, Востоком Ксеркса иль Христа? Что ж, постараемся увидеть то, что Россия никогда не была ни «Западом», ни «Востоком». Она определила свой самобытный путь в потоке мировых цивилизаций и создала уникальную художественную культуру, тесно связанную с православными христианскими идеалами. Есть и вторая задача, которую необходимо решить в процессе изучения курса. Сравнивая отечественную и зарубежные художественные культуры, мы неизбежно приходим к выводу: высокое искусство объединяет людей, ибо относится не только к национальным, но и к общечеловеческим ценностям. Что же такое «общечеловеческая ценность»? Думается, что здесь нет и не может быть однозначного ответа — слишком многообразен мир художественной культуры, слишком различны эстетические вкусы людей, принадлежащих к разным народам и поколениям. Для кого-то значима сама новизна художественного образа, его непохожесть на другие; кто-то, наоборот, любит в произведении искусства узнаваемость, повторяемость смыслов. Одни люди предпочитают реалистическую живопись или классическую старинную музыку, другие же являются поклонниками изобразительной абстракции, ценят мелодику и ритмику рока или песни бардов. И все же есть среди критериев оценки художественного творчества тот, что позволяет без всяких натяжек 8 Введение отнести произведение искусства к общечеловеческим ценностям. Таким критерием является воплощенность в художественных образах высоких духовных идеалов, общепризнанных нравственных установок, значимых для любого народа. В процессе создания произведения искусства его автор может открыть в себе способность выражать духовную устремленность человечества. И чем интенсивнее творческий процесс, чем совершеннее дар мастера, тем активнее вторгается он в сферу нравственно-эстетических оценок жизни. Поэтому великие художественные произведения волнуют людей вне зависимости от их возраста, пола, национальной принадлежности. Они несут миру гармонию красоты, добра и любви, повествуют о вечных проблемах бытия и тайнах мироздания, утешают в скорбях и раскрывают глубинные просторы человеческой души. Начните изучать общечеловеческие ценности мировой художественной культуры, те творения, что составляют ее «золотой фонд». «Взгляд из России» на памятники зарубежной поэзии, музыки, зодчества, живописи, театра позволит сделать далекое близким, осмыслить художественные традиции других народов и, самое важное, глубже понять свое великое национальное достояние — русское искусство. 9 m m ji^ji <•> fC# и v-i Ш 114:4 <7 id I^lH [ii^H И $1 M h^i n I <> '“Id 4Ч О '4=1 i ihH f> [ IФI Щ •IM-I P V [iFU Ш ё 1ё '■d 4d m [4^1 щ (*> PI^lJ щ »«!■] щ (•> ■ 41-1 ^фн] т ■t!W!.j^_T?W;jW_T!^?!W!T?W^T!W?Tw!?!W?*!W!T!W!.jW!T!^^!l&!w!W!^!W^-!^TjW!:. 4^ 1 Тема 1 Художественная культура Древнего Египта: олицетворение вечности Существует нечто, перед чем отступают и безразличие созвездий, и вечный шепот волн, — деяния человека, отнимающего у смерти ее добычу. Из древнеегипетского трактата Я помню вечербледно-скромный. Цветы усталых георгин И детский взгляд — он мне напомнил Глаза египетских богинь. В.Я. Брюсов Художественная культура Древнего Египта «Я не совершал несправедливости против людей. Я не притеснял ближних. <...> Я не убивал. Я не приказывал убивать. Я не сделал никому зла», — страстные покаянные слова звучат, словно молитва. Это фрагмент из древнеегипетского свитка «Исповедь страдания», которому более трех тысяч лет. Произносить исповедь должен был каждый египтянин после своей смерти, представ перед грозными богами на суде Осириса. Воистину, велик был народ, если на заре цивилизации сумел подняться до понимания высших духовных идеалов и запечатлеть их в своем художественном творчестве! История художественной культуры Древнего Египта включает несколько больших периодов. Ученые выделяют: Додинастический период (V—IV тыс. до н. э.); Раннее царство (ХХХ—ХХVПI вв. до н. э.); Древнее царство (XXVnX—XXIII вв. до н. э.); Среднее царство (XXI—XVIII вв. до н. э.); Новое царство (XVI—XI вв. до н. э.); Позднее время (XI в. — 332 г. до н. э.). Фиксированная конечная дата египетской истории — 332 г. до н. э. — означает, что именно в этот год Александр Македонский совершил свой поход на Египет и присоединил его территорию к Римской империи. С этой эпохи наследие египетской культуры вплелось в античный мир. Связь времен не прервалась. Многие крупнейшие музеи мира, и наряду с ними Эрмитаж в Санкт-Петербурге, Музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина в Москве, хранят бесценные творения египетских мастеров. С опорой на эти коллекции попытаемся взглянуть на историю и культурное наследие Древнего Египта в целом, представить обобщенный образ той уникальной традиции, которой тысячелетиями следовали выдающиеся мастера древней цивилизации. Египетская художественная культура предстает пред нами как величавый монолит, запечатлевший стройную картину мироздания и не- 12 Тема 1 зыблемые устои жизни людей. В религиозных представлениях египтян было много заимствований из примитивных первобытных верований, но наряду с ними на берегах Нила родились новые идеи, во многом предвосхитившие христианство. Подобно другим древним народам народ Египта испытывал чувство родства с живыми существами, населяющими землю. В египетской мифологии (миф — предание о богах, духах и героях) сохранились поверья о происхождении человека от животного. Тотемизм (тотем — животное, которое считалось предком или покровителем рода) оказал огромное влияние на египтян, с незапамятных времен обожествлявших зверей, птиц и насекомых. Неслучайно многие египетские боги имели в облике признаки животных. Например, Сет — бог злых сил, представлялся человеком с головой осла, Баст — богиня любви и веселья — с головой кошки, бог Анубис, сопровождавший умерших в их путешествии по загробному миру, — с головой шакала. Поселившись в долине многоводной реки Нил, окруженной бескрайними песками и камнем, египетский народ пытался понять мир, шаг за шагом отвоевывая у природы право на знание сущности жизни. В те времена для этой цели использовали магию и мистические обрядовые действа. Жрецы Египта хранили секреты чародейства и не однажды прибегали к их помощи, чтобы приобрести над обществом колоссальную власть. На вершине общественной пирамиды был фараон — земной бог, наделенный сверхъестественной силой и тайным знанием сути вещей. Искусство Египта насыщено символикой, прославляющей величие и бессмертие земного владыки. Власть фараона в Египте была частью миропорядка, поэтому сохранялась необычайно долго — на протяжении трех тысяч лет. Каков был этот миропорядок? Какие открытия сделал египетский народ в своем многовековом дерзании постичь скрытый духовный смысл рождения и смерти? В основе религии Древнего Египта лежит идея о вечной жизни человека. Представления о загробном мире, отличающиеся четкостью, определенностью и удивительной рациональностью, породили великую культурную традицию и образы искусства. Египтяне одними из первых среди народов Земли поняли, что у людей, помимо тела, есть еще и душа. Например, двойником человека считалась Ка, она олицетворяла его жизненную энергию, а душой его с рождения была Ба. После смерти человека Ба вместе с Ка отделяются от тела, 13 Художественная культура Древнего Египта но, найдя новое обиталище — гробницу с мумией умершего, — возвращают его к жизни в загробном мире. Образы заупокойного культа получили широкое воплощение в египетской мифологии. Потусторонний мир представлялся как аналог видимой живой действительности. Так, чрезвычайно распространенным был миф о боге солнца Ра. Его изображали в виде человека с солнечным диском на голове. Окончив дневное шествие по небу, Ра спускался в преисподнюю Дуат, где совершал плавание по подземному Нилу. На этом пути его приветствовали души умерших: Слава тебе, Ра! <...> Почитают тебя обитатели Дуата, Поклоняются тебе обитатели преисподней. Восхваляют они тебя, грядущего в мире... Упоминаемый здесь бог Осирис — один из самых значительных художественных образов египетской культуры. Легенда об Осирисе гласит: коварный бог Сет, подобно библейскому Каину, убил своего брата Осириса и расчленил его тело на четырнадцать кусков, разбросав их по всему Египту Жена Осириса Исида горько оплакивала мужа: А я все ищу, желая увидеть тебя. В городе я без валов крепостных Оплакиваю любовь твою ко мне. Приди! Не будь одиноким! Не будь далеким!.. Собрав разбросанные части тела Осириса, Исида сумела оживить его. Однако Осирис отказался вернуться на землю. Он стал властителем царства мертвых и вершил последний суд в загробном мире над каждым умершим египтянином. Среди египетских литературных памятников немало выразительных гимнов, в которых воспевался Осирис: Сущность твоя, Осирис, темнее [чем всех других богов], Ты — луна, находящаяся на небе, Ты делаешься днем, когда ты желаешь, 14 Тема 1 Бог Осирис Бог Анубис Ты делаешься молодым, когда ты хочешь, И ты Нил великий на берегах в начале нового года; Люди и боги живут влагой, которая изливается из тебя, И я нашел также, что твое величество — это царь преисподней. Образ Дуата, подземного царства мертвых, и представления о том, что происходит с человеком после его смерти, первоначально фиксировались в надписях на стенах пирамид и саркофагов и бережно хранились в памяти многих поколений. Собранные вместе, они получили названия «Тексты пирамид» и «Тексты саркофагов». Позднее, в эпоху Нового царства, заупокойные тексты стали записывать на папирусе в разных вариантах. Свитки с религиозными откровениями клали в саркофаг при погребении умершего. Люди верили, что, следуя древним предписаниям, душа умершего в ладье вечности 15 Художественная культура Древнего Египта достигнет Осириса и обретет блаженство. Эти сакральные тексты получили название «Книга мертвых». Было бы неверным утверждать, что языческие верования египтян не испытывали изменений. Парадоксально, но факт: первым дерзнул отринуть традиционный религиозный культ сам фараон. Звали этого древнеегипетского «еретика» Аменхотеп IV. Царь-реформатор, восстав против многобожия и магии жрецов, утвердил культ единого бога солнца — Атона и провозгласил равенство перед ним всех племен и народов. Его жена, красавица Нефертити, вероятно, полностью разделяла взгляды мужа. Фараон взял себе новое имя — Эхнатон («Угодный солнцу»). Он приказал истребить звероподобных идолов. Вместо них новое божество — Атона стали изображать в виде многорукого солнечного диска, в ладонях которого был знак жизни «анх». Эхнатон основал новую столицу — Ахетатон («Небосклон солнца»), в центре которой возвел дворец и храм Атона. Он ощутил себя верховным жрецом высшего божества, в честь которого зазвучали новые гимны: Прекрасен твой восход на небосклоне, О Атон, живущий изначала жизни!.. Ты прекрасен и велик, Блестящ и высок над каждой страной... О бог единый, Нет другого, подобного ему! Умер Эхнатон на восемнадцатом году своего царствования. После смерти правителя-реформатора прежние боги были восстановлены — традиция оказалась сильнее нововведений. Культ мертвых — так принято называть духовную основу всей художественной культуры Древнего Египта. Любое творение египетского мастера, будь то дворец, скульптура или песнопение, служило главной цели: обеспечить благополучное существование человека после смерти, а точнее — бессмертие, победу над временем, неумолимо уничтожающим все сущее. Забота о потустороннем бытии обернулась чисто практическими решениями многих проблем. К примеру, высокого мастерства достигло искусство мумификации человеческого тела, его консервации для дальнейшего сохранения в саркофаге. В качестве аналога (на случай утери мумии) создавались скульптурные копии, которые тоже помеща- 16 Тема 1 ли в захоронение. (В пирамиде скульптурную копию умершего хранили в специальном месте — сердабе.) Египтяне искренне верили в магическую силу искусства, в его мистическое предназначение, поэтому создали строгую и рациональную систему средств художественной выразительности, передающую сакральный, вневременной смысл ритуала погребения человека. Канонические правила, устоявшиеся в веках, способствовали передаче образов вечности, бесконечности, тишины, тайны. Эти ощущения испытываем сегодня и мы, изучая удивительные по красоте и совершенству творения египетских мастеров. Архитектурный облик Древнего Египта представлен пирамидами. Нигде в мире не строили столь грандиозных усыпальниц для правителей, обожествленных при жизни и после смерти. Величие пирамид высоко ценили египтяне. Высеченные на камнях имена их создателей сохранились для потомков. Двадцать восемь веков до н. э. по проекту архитектора Имхотепа была воздвигнута грандиозная пирамида Джосера (Зосера). Расположена она в самом большом некрополе Египта Саккаре (южная окраина Мемфиса). Имхотеп, великий жрец, автор поучений и знаменитый врач, которого позднее греки стали почитать под именем Асклепия, был первым известным в истории архитектором. Усыпальницу Джо-сера он строил в довольно сложных условиях: огромное сооружение следовало разместить среди уже существующих городских дворцов и храмов. Имхотеп блестяще справился с возложенной на него задачей. Пирамида возводилась в три основных этапа. На первом была построена большая мастаба (прямоугольной формы усыпальница, по форме напоминавшая скамью. Именно в этот «дом» должна вернуться Ка). Затем соорудили четырехступенчатую пирамиду. И, наконец, на третьем этапе восточный фасад мастабы был доведен до шести ступеней. В таком виде предстает она и сегодня. Имхотепу удалось найти уникальную и логичную форму для тяжеловатой, громоздкой усыпальницы, придав ей неожиданную легкость за счет устремленности в поднебесье. Пирамида достигла в высоту более 60 м (основание 125x109 м). Сложена она из огромных каменных блоков, ранее облицованных полированным камнем (не сохранились). В ее глубинах покоится гранитная гробница царя, украшенная великолепными изразцами из голубой майолики. Галереи гробниц членов царской семьи имеют отдельные входы и расположены несколько ниже. 17 Художественная культура Древнего Египта Пирамида Джосера Статуя фараона Хефрена 18 В пирамиде впервые в художественно-образной форме воплотилась идея восхождения умершего царя на небо, к богу Ра. А еще в мощном обличье гиганта утверждались вечность и незыблемость законов общественной жизни египтян, основанной на безграничной власти фараона, которая является частью космического строя, символом миропорядка, получившего освещение свыше. Творение Имхотепа, обожествленного египтянами при жизни как сына бога Птаха, стало предметом подражания при возведении усыпальниц для фараонов следующего поколения. Одним из семи чудес света в античном мире считали пирамиды, горделиво вознесшиеся на западном берегу Нила (ныне Гиза близ Каира). Конструкция пирамид отличается строгостью и рациональностью и соединяет в себе квадрат в плане и равнобедренные треугольники сторон, сходящиеся к верхней точке. Они были построены в XXVII в. до н. э. из тесаных каменных глыб тем способом кладки, что был разработан еще Имхотепом. Усыпальницы предназначались для фараонов Хуфу (греч. Хеопс), Хафра (греч. Хефрен) и Менкаура (греч. Микерин). Последняя из названных пирамид имеет еще трех «спутниц» меньших размеров, предназначенных для жен и родственников фараона. Вероятно, раньше грандиозные сооружения были облицованы отполированными плитами белого известняка; во всяком случае, их остатки сохранились на вершине пирамиды Хефрена. Сегодня же можно лишь догадываться, какой ошеломляющий световой эффект производила громада Тема 1 камня, сияющая белым цветом среди горячего желтого песка пустыни. По мнению греческого «отца истории» Геродота, пирамиды в Гизе в течение 25 лет строили тысячи людей. А перед этим еще 10 лет ушло на прокладывание дороги, по которой возили камень из каменоломен. Пирамида Хеопса — самое большое сооружение, когда-либо построенное из камня. Ее высота составляла 146,6 м (сейчас 137 м), сторона основания — 233 м. Блоки, из которых сложена пирамида, весят от 2,5 до 30 т. Всего же таких блоков исследователи насчитали 2 млн 300 тыс. Руководил грандиозным строительством племянник фараона зодчий Хемиун. Дорогу, ведущую к пирамиде Хефрена, преграждает исполинская фигура Большого сфинкса (сфинкс — сакральный образ Хефрена) в виде льва с головой фараона. Выполнен Большой сфинкс из монолитного камня, его глаза устремлены «в никуда», в царство вечности и смерти. Неслучайно арабы окрестили этого стража гробницы отцом ужаса. Вместе с архитектурой изобразительное искусство некогда образовывало великолепные, целостные по замыслу ансамбли и было частью храмов и гробниц. В XXI в. до н. э. придворный скульптор фараона Ментухотепа высек на надгробной плите следующие слова: «Я знал тайну божественных слов, ведение обряда богослужения... Но я был и художником, опытным в своем искусстве, превосходящим всех своими знаниями... Я умел передать движение фигуры мужчины, походку женщины, положение размахивающего мечом и свернувшуюся позу пораженного... Я умел делать инкрустации, которые не горели от огня и не смывались водой. Никто не превосходил меня...». Профессиональная гордость, звучащая в каждой строке этого «послания в вечность» вполне объяснима: великие египетские мастера достигли того, что редко удавалось скульпторам и живописцам в последующие тысячелетия развития культуры. Они занимали высокое положение в обществе и владели секретами уникального ремесла, многие из которых не разгаданы и по сей день. Человеческие фигуры, воплощенные в египетских скульптурах, предстают пред нами в неподвижных величавых позах. Это стоящие или сидящие люди с выдвинутой вперед левой ногой, с прижатыми к торсу или сложенными на груди руками. Что означают эти позы? Создавая «двойника» умершего, мастер должен был придать своему 19 Художественная культура Древнего Египта Принц Рахотеп и его жена. Семейный портрет Писец Каи творению сходство с оригиналом. Но вместе с тем показать, что изваяние — это уже совершенно другая «ипостась» человека, его вечный идеальный образ, перешедший в мир иной (вот о чем говорит выразительное движение левой ноги!). Скульптурные портреты ярко раскрашивали, но секреты этих красок утеряны. Притягательными в скульптурном образе человека были глаза, — египтяне считали их зеркалом души. Глаза делали из специально подобранных материалов. В глазницы из бронзы вставляли кусочки алебастра, белого и гладкого, а внутрь помещали горный хрусталь, изображая зрачок. В искусстве всегда важны даже мелкие детали и штрихи. Так, маленький кусочек эбенового дерева, подложенный под хрусталь, имитировавший зрачок, чудесным образом оживлял взгляд застывшего изваяния. Уникальные творения скульптуры сочетали обобщенный образ ушедшего в иной мир человека с его живыми, реальными чертами. Сколько мыслей, чувств, страстей скрывали эти портреты! Вот, к примеру, большая статуя фараона Хефрена, что находится в Каирском египетском музее, где собраны сокровища древнего искусства. Сделана статуя из черного диорита. Фараон изображен сидящим на троне, за его головой — бог Хор в образе сокола. Произведение относится к первой половине III тыс. до н. э. В невозмутимом и в полном смысле слова «каменном» выражении лица угадывается сущность властного правителя, привыкшего к всеобщему повиновению подданных. Наверное, наиболее древним парным семейным портретом можно считать изобра- 20 Тема 1 Роспись гробницы. Принц и бараноголовый бог Хнум жение знатных супругов — принца, полководца и жреца Рахотепа и его жены Нофрет. Обе фигуры со вкусом раскрашены: мужская — в красно-коричневый тон, женская — в желтовато-розовый. Волосы у супругов черные, одежды — белые. Условность позы не заслоняет жизненной достоверности образов. Одной из самых знаменитых египетских скульптур является портрет писца Каи. У него выжидающий взгляд и плотно сжатые губы. На коленях развернут свиток папируса. Его облик говорит о явном сходстве с моделью. Кстати, в Древнем Египте профессия писца, всегда находившегося рядом с фараоном, была одной из самых почетных. Мудрость, грамотность, знания высоко ценились в обществе. Важную роль в убранстве гробниц и храмов играли рельефы и росписи. Изобразить фигуру на плоскости, а именно эта задача стояла перед египетскими художниками, было весьма не просто. Но уже с древности в изобразительном искусстве сформировались четкие канонические предписания, позволяющие воплощать образы людей и разнооб- 21 Художественная культура Древнего Египта разные события. По канону фигуру человека поворачивали одновременно в фас и в профиль. Почему возникло это правило? Дело в том, что рельеф, как и скульптура, создавался в соответствии с ясным религиозным смыслом заупокойного культа. Египтяне верили, что душа в любой момент должна вселиться обратно в тело или в его аналог. Поэтому в рельефе изображали не то, что видели, а то, что считали наиболее выразительным и привлекательным. К тому же старались, чтобы были очерчены все части фигуры: и лицо, и боковые элементы тела. Например, лицо изображалось в профиль, верхняя часть туловища — в фас, грудь при этом — в профиль, как и ноги. Живописные сюжеты, включающие несколько сцен, принято было располагать в той последовательности, в которой происходили события. Если героем рельефа являлся фараон, художник подчеркивал его высокое общественное положение укрупнением фигуры. Поэтому персонажи одной композиции часто разномасштабны (этот прием позднее унаследовало древнее искусство христианской традиции). Еще раз повторим, что у стоящих фигур левая нога выдвинута вперед, что указывает на символический знак шествия в вечность. Рассмотрим знаменитую стелу фараона Нармера, созданную на заре египетской художественной культуры, на рубеже IV—III тыс. до н. э. На стеле хорошо сохранились рельефы и надписи, выполненные иероглифами, в которых говорится о победе Южного (Верхнего) Египта над Северным (Нижним) и об их слиянии в единое государство. Неизвестный художник передает события гражданской войны вполне убедительно, искусно сочетая изображение реальных сцен с религиозной символикой. На одной стороне стелы Нармер, увенчанный царской короной, наносит удар по голове своего главного врага — вождя северян. На другой стороне Нармер со свитой шествует к месту, где лежат обезглавленные вражеские воины, а чуть ниже он в виде яростного быка нападает на своего недруга. Вся композиция удивительно органична: она укреплена фигурами двух гепардов, переплетенные длинные шеи которых составляют круг. Событие, о котором рассказала стела Нармера, совпадает с началом трехтысячелетней истории художественной культуры Египта. А ее «золотым веком» принято считать эпоху Древнего царства. Однако грандиозное строительство пирамид не могло не повлиять на экономику страны. Многочисленные войны также подточили ее могущество. В последу- 22 Тема 1 ющую эпоху Среднего царства архитектурные решения уже не были столь масштабны, а сооружение огромных пирамид ушло в прошлое. Первым отказался от строительства заупокойного храма и захоронения своего тела в почетном месте фараон Тутмос I. Его погребальная камера была помещена в глубокой пещере в уединенной долине. Вход в пещеру был тайным, затерянным среди камней. Постепенно в горах за Фивами возникла так называемая Долина царей — место скрытых в глубинах земли захоронений фараонов. Каждый из правителей Древнего Египта, думая о своей кончине, пытался решить две задачи. Во-первых, построить гробницу, где было бы собрано все необходимое для загробной жизни. Во-вторых, уберечь захоронение от воров. С первой задачей справлялись успешно. Но избежать разграбления почти не удавалось. В 1922 г. английскому археологу Картеру посчастливилось открыть нетронутую усыпальницу фараона Тутанхамона. Роскошь этого погребения поразила мир. В гробнице были обнаружены бесчисленные золотые украшения, по совершенству ювелирной работы не имеющие равных. (Ныне многие из них выставлены в Каирском египетском музее.) Среди шедевров — рельеф на спинке золотого трона. Он изображает поэтичную юную пару — Тутанхамона с женой. Рельеф создан в начале XIV в. до н. э., но у художника были уже вполне современные представления о красоте, молодости, счастье. Как известно, «стовратные Фивы», как называл столицу Среднего царства Гомер, имели печальную историю. Сбылось пророчество библейского мудреца Иезекииля, предсказавшего, что «Фивы будут жестоко потрясены». Город был сначала разграблен, а затем в эпоху Птолемеев и вовсе разрушен. И все же былое величие не исчезло в веках, ибо осталось зримое его свидетельство — развалины грандиозных храмовых комплексов в Луксоре (Ипет-Ресе) и Карнаке (Ипет-Суте), построенных на месте старой столицы. Храм в Карнаке сооружали в честь бога Амона в течение долгих лет — с начала II тыс. по I в. до н. э. Его проектировали такие одаренные зодчие, как Инени (XVI в. до н. э.), Аменхотеп, сын Хапу и Аменхотеп Младший, творившие во времена правления фараона Аменхотепа III (XV в. до н. э.). Впрочем, облик храмового комплекса менялся постоянно, ибо каждый фараон, завороженный мощью и красотой сооружения, старался внести свою лепту в его украшение. Со временем храм превратился в каменный город с аллеями, площадями, колонна- 23 Художественная культура Древнего Египта Фрагмент спинки трона Тутанхамона Маска Тутанхамона дами, гигантскими статуями фараонов и обелисками. Величавый гипостильный зал (от греч. «поддерживаемый колоннами») главного храма Амона поражает множеством разнообразных колонн, наибольшие из которых имеют высоту 20,4 м, а диаметр — свыше 3,5 м. Экстатическим всплеском энергии и одновременно сверхчеловеческой мощью веет от пространства внутренних дворов, окруженных величавыми колоннадами. Рядом с Карнаком в Луксоре был сооружен второй по величине храм, также посвященный богу Амону. К храму ведет аллея сфинксов с львиными туловищами, которая раньше соединялась с аллеей бараноголовых сфинксов карнакского храма. Кстати, именно луксорские изваяния были вывезены в Россию и поставлены на Университетской набережной Санкт-Петербурга. Художественный образ луксорского зодчества говорит о рождении нового взгляда на красоту, о стремле- 24 Тема 1 Вход в Луксорский храм Хр^ царицы Хатшепсут нии к пышности, яркости, торжественности. Обратим внимание: в храме 151 колонна! Тесно сдвинутые, они передают ощущение взаимосвязи земного и небесного могущества. Выдающееся архитектурное творение эпохи Нового царства — храм царицы Хатшепсут (1525—1503 гг. до н. э.), которая прославилась тем, что энергично занималась строительством новых и восстановлением старых храмов, покровительствовала искусству и наукам. В сохранившихся изваяниях царицы привлекают внимание высокий лоб, широко расставленные огромные глаза и... накладная борода: все-таки управлять страной считалось по традиции уделом мужчины. Усыпальницу для Хатшепсут строил одаренный зодчий, царский фаворит Сенмут. Ему были предоставлены все возможности для творчества, и архитектор с блеском воплотил уникальный проект: возвел храм в неприступной долине. Сооружение представляет собой 25 Художественная культура Древнего Египта ‘ ' V- Г- Сокол Хора, охраняющий вход в храм Эдфу Нефертити строгий и стройный ансамбль, состоящий из трех огромных террас, восходящих ступенями к скалам и словно вливающихся в них. Украшали храм разнообразные статуи, рельефы и росписи. Царица же была захоронена не здесь, а в скалистой усыпальнице-тайнике. Позднее храм превратился в христианскую обитель под названием «Северный монастырь», которое способствовало утверждению за местностью современного имени — Дейр-эль-Бахри. Благодаря монастырю древний храм избежал разрушения, что встречается редко среди памятников той эпохи. Блистательный взлет в развитии египетского искусства пришелся на эпоху правления фараона Эхнатона (Аменхотепа IV), когда в начале XIV в. до н. э. в жизнь египтян впервые, хотя и на короткое время, вошло представление о едином Божественном начале мира. 26 Тема 1 Перемены, произошедшие в искусстве этого периода, названного позднее амарн^им'-, поразительны! Художественные образы наполнились утонченной красотой, стали более человечны. На гробнице Эх-натона есть надпись, обращенная, возможно, к его жене, красавице Нефертити: Я люблю сладкое дыхание твоего рта, Я каждый день восторгаюсь твоей красотой. Мое желание — слышать твой прекрасный голос, Звучащий словно шелест северного ветра. Молодость возвращается ко мне от любви к тебе, Дай мне твои руки, что держат твой дух, Чтобы я мог принять его и жить им. В этом необычном поэтическом послании вечности нет привычных волевых мотивов, характерных для фараонов, а властвует свободное лирическое чувство. Этими же настроениями наполняется изобразительное искусство. Сохранились два скульптурных портрета самой Нефертити, в которых запечатлелось иное, нежели в творениях предшествующих эпох, представление о женской красоте. Нефертити в высокой короне — гордая осанка, длинная шея, точеные черты вытянутого лица, великолепная форма черепа. Сочетание благородства и достоинства с женственностью. Другой портрет царицы из золотистого кварцита не завершен (либо поврежден). В нем художнику удалось воплотить человечность и прелестное обаяние юности. Если совершать путешествие по Нилу, обязательно познакомишься с уникальными памятниками небольших городов, некогда игравших важную роль в религиозной жизни страны. В одном из них под названием Эдфу сохранился храм, посвященный богу Хору (Гору). Имя это происходит от слова «хр», что значит «сокол». Храм велик, хотя и меньше Кар-накского (длина 137 м). У входа застыли две статуи из черного гранита. Это и есть Хор в образе сокола. Наружная стена украшена огромными рельефными изображениями Хора и Хатхор (богини с солнечным диском на голове). Храм сохранился лучше других древних святилищ. Он считался пристанищем беременных женщин и тех, кто хотел иметь ребенка: ведь Хор по преданию символически возрождает каждый новый день. За воротами храма находится двор, окаймленный с трех сторон ко- ^ Столица Египта того времени Ахетатон теперь называется Тель-эль-Амарна. 27 Художественная культура Древнего Египта Абу-Си^бел (фрагмент) «Три музыкантши». Роспись гробницы. Фивы лоннами разных видов. Если посмотреть внимательнее, то увидишь в их капителях (венчающей части колонны) то лотос, то пальму, то папирус. Форма этих распространенных в Египте растений в открытом или закрытом виде придает храму особое очарование. В глубине двора открывается фасад большого гипостильного зала, окруженного рядами колонн. Их рельефы хранят остатки живописи. Между Эдфу и знаменитым Асуаном (тем самым, где наши соотечественники в ХХ в. возвели гигантскую плотину) находится место, попасть куда мечтает любой турист. Сюда, на земли Нубии, в 60-е гг. прошлого столетия был перенесен архитектурный шедевр — Абу-Симбел1. Храм был возведен для увековечения памяти его создателя — фараона Рамсеса II и посвящен триаде богов — Амону-Ра, Хармакису и Птаху. Их статуи находятся в святилище, где происходит так называемое «солнечное чудо». Два раза в год, 21 марта и 21 сентября в 5 часов 58 минут по местному времени луч солнца падает на левое плечо бога Амона-Ра и Рамсеса II. Затем он перемещается на Хармакиса и исчезает, не коснувшись Птаха — божества Тьмы. На всю жизнь запоминается и грандиозный фасад храма: четыре 20-метровых фигуры сидящего на троне Рамсеса II, будто выросшие из скалы. Рядом и между ногами гигантов помещены небольшие изображения жены фараона Нефертари, его матери и нескольких детей. Завершая разговор о художественной культуре Древнего Египта, необходимо 1 Перенос хр^а, проходивший под знаком ЮНЕСКО, был связан с затоплением водами Нила водохранилища Асуанской ГЭС. 28 Тема 1 вспомнить и о тех искусствах, которые играли важную роль в общественной жизни египтян, но не сохранились до наших дней. Это театральное искусство и музыка. О театре известно больше. Еще со времен Древнего царства в городах разыгрывались религиозные представления, так называемые мистерии. Большой популярностью пользовались действа, посвященные любимому богу Осирису, его жизни, смерти, воскрешению. Главная идея мистерии всегда была нравоучительной: добро побеждало зло. Актерами этих «пьес» выступали жрецы. Каждый спектакль считался прежде всего важным актом религиозной жизни. Поэтому даже фараон, осознавая сакральный воспитательный смысл мистерии, нередко принимал в ней участие. Звучала в мистериях и музыка. Она была тесно связана с поэзией, ритмикой, танцами. В ходе ритуального действа герои пели. Например, Исида исполняла полные горести похоронные причитания. Многие исследователи считают, что в древнеегипетском театре можно обнаружить истоки будущей античной драмы, где действие, хоровое пение, декламация, движение были также тесно взаимосвязаны. Египтяне пользовались разнообразными музыкальными инструментами. Далеко не все из них нам известны. Среди инструментов, облик которых донесли древние изображения, лютня, барабан, шумовой инструмент систр (систрум). Итак, художественная культура Египта прошла долгий путь развития, подарив человечеству разнообразные образы искусства: то величественные и подавляющие своей мощью, то трогающие чистотой и непосредственностью. Бог, природа, человек, жизнь и смерть, любовь и власть, грех и возмездие — эти проблемы в той или иной мере нашли отражение в древнеегипетской мифологии, поэзии, зодчестве, изобразительном искусстве, театре. Египтяне умели ценить красоту всего сущего и стремились навечно сохранить то, что тленно. Духовные искания египетского народа не были исключением. Многие другие художественные культуры мира шли тем же путем, пытаясь ответить на извечные вопросы и раскрыть тайны мироздания, но по-своему. Тем интереснее узнавать о своеобразии иных древних художественных традиций. 29 i» \щ Щ »4:ч щ щ dl^-l W <4 Ч №1 m чЛГ Фл . ЧЦ14 <4:4 <*} 4Н.Ш <3 ^3 iilH <3 »lAlH % f) «HI <3 4Г?1Н <3 <3 <3i w Ч иан|ЭЕз1 китайской язЕЕяпописи вам известны? 10. Когда возвели Великую китайскую стену? Каков ее соврем енЕЗЫй! ЕЗЕЗд? hrfi I щ 0 hUji т щ ш ||^ф| щ у 1-йк ш IKII <3 щ >1^1 щ hivil щ |^ФР Wi ш ш т Щ hk!] Р щ т Pipk щ У <3 V ¥i у рФ || ^ А. д-А -а-, 65 . i ijCH <>. Щ M4 <4:4 * *in ?St -jSg^afe^iS!ljSi!T?ft-iSt ЪГ|С1 ' d-^1 <> d Uf-I % Ы Ч hi m Ai Фл 4^4 Amf A iAm.^ A 11. Какую ро.пь сыг|эал буддиз1^1 в становлегнии и р>азв1'1тии кит1^й1ской ху^дожествегиной ку^льту^ры! (Средних веков? Расскажите об искусстве раннего Средневековья: скаль-ны1>г 1н/юн^сты1ря>в, п^годвах, скуе.льпт'урах. 12. Ei средн^веково1м KBi'IT^^ гючитаьисв «ч^ты1|эе др^го1_г^т-ю-с/тиг кабинета ученого»: бу|\я^г^, 1иелк, 1^ист1н и ту|_иь. Ког,в[а Гы1.ви изобретены эти предметы? Какие художественные произведения создавали с их помощью? (Домашнее задание.) 13.1^огд|^ Пеки/н ста.п столицей Китая? Расскажите о его устройстве, о том, как выглядит Запретный город? 14. 'Нто 1гредст^Е1ля^т собой клас^сический! китЕвйский му^зы1-кальный театр? 15. ЕРспо1\-нит(^ 1а^ртину .Пи Чэна «Читаю1ций с:телу^». К^кукн [Заботу русско1~о художника напоминает вам этот сюжет? 16. К какому времени следует отнести возникновение Еели- ко1“о швелкового пути, если швелаовыве ткани изгс/тов.ня-.твись в Китае н-ачиная с-о II тывсв. ,вуо н. 1Накие ^и,ву1^: исв- куссвтвь тесно связаны! с: 1шелком|И 17. Расскажите о китайских мотивах в русском искусстве. Каки^ ха|эакт^рн!х.е ч^рты. кнтайсвкой ку^^ьтур!к| воплоти-.пишз в о(фюр1в/:лении ,дво|эцо^ Санкт-Пет^рбу^|нпа, в в>ус--пкой поэвзии «сер^15ряного» в^ка? 18. Китайский поэт Цюй Юань, живший на рубеже IV—III вв. ,£уо н. э.,написал св.педуюшiие свтроии: Я свой взор обращаю На восток и на запад. Ну ког,д^ же смогу я Сно^^ ^ дом мой вернуться! Перевод Л. Эйдлина Расскажите о су,£вьбе и тво|эчес/тв^ этого поэта. Подготовьте сообщение о китайской П(и:эзии на основе сочинений Тао Юань-Мина, Пи Бо, Ду Фу, Бо Цзюй-и (самостоятельная работа). н-фр 66 Тема 4 Художественная культура Японии: постижение гармонии с природой Все излишнее — безобразно. Японская поговорка Что наш язык земной пред дивною природой! С какой небрежностью и легкою свободой Она рассыпала повсюду красоту И разновидное с единством согласила; Но где, какая кисть ее изобразила? Едва-едва одну ее черту С усилием поймать удастся вдохновен1зЮ. В.А. Жуковский Художественная культура Японии: постижение гармонии с природой История распорядилась так, что, несмотря на любознательность наших соотечественников (мореплавателей, путешественников, ученых, дипломатов, журналистов), о культурных традициях Японии в России знали понаслышке. Лишь в конце XIX в. в русском искусстве появляются мотивы, отражающие самые общие представления о Великой Стране Восходящего Солнца (так именовалась Япония в старинных японских хрониках). Во второй половине ХХ в. публикации о жизни островного соседа в российской прессе стали настоящей сенсацией. Однако и сегодня, зная о каратэ, икебане, чайной церемонии и «японском экономическом чуде», мы очень плохо представляем традиционные эстетические ценности японского народа, корни которых уходят в глубокую древность. Понять их лучше всего можно, изучая художественное наследие страны, постигая тем самым вклад японского народа в мировую художественную культуру. Оригинальность японской художественной традиции складывалась веками под воздействием многих факторов — политических, социальных, религиозных. Но все же самый важный — фактор географический. Расположение густонаселенной страны на островах (их более 600) в опасной сейсмической зоне диктовало народу Японии особые правила жизни, отличные от условий существования на азиатском материке. Японцы рано осознали свою неповторимость и одновременно определенную изолированность от тех культурных процессов, что протекали в соседних государствах. Поэтому в художественной культуре Японии можно обнаружить две тенденции: во-первых, стремление сохранить свою самобытность, внутреннюю национальную сущность; во-вторых, взять лучшее из материковых цивилизаций. Мироощущение японского художника, зодчего, поэта всегда было глубоко своеобразным. Оно отражало духовные установки японского народа, привыкшего ценить каждую пядь земли своего жизненного пространства, воспринимать любой камень, дерево или цветок как дар, ниспосланный свыше. Чувство глубокой привязанности к месту рождения, следование древним народным ритуалам, почитание старших по возрасту или служебному положению — традиционные ценно- 68 Тема 4 сти японской культуры. Совершенную красоту японцы нашли не на небе, а на земле, в гармонии бесконечно разнообразных явлений природы — от грандиозных, космических до элементарных, на первый взгляд малозначительных. Японцы научились создавать «эффект присутствия» окружающих их пейзажей в своих домах. Они привыкли ценить в повседневной жизни миг покоя, то внутреннее состояние, что рождается при уединении человека на лоне природы. Поэтому искусство Японии лишено внешней громоздкости, глубоко символично, наполнено созерцательностью и внутренней многоплановостью. Для японского мастера важна логика деталей, лаконизм, многозначность смыслов. Все это сложилось в глубокой древности и сохранялось из поколения в поколение без каких-либо кардинальных изменений. Истоки японской художественной культуры уходят в IV тыс. до н. э., о чем говорят найденные при раскопках предметы быта, украшенные сложным лепным узором. Столь же древни традиционные религиозные верования. Ко II тыс. до н. э. в Японии сложилась мифология, основанная на языческом обожествлении сил природы. Японцы почитали богов солнца, луны, водной стихии. Эта религия получила название «синтоизм» (от «синто» — путь богов). Вместе с ней развивалась обрядовая сторона жизни японского народа, упорядочивалась система земледельческих праздников, подчиненная процессу возделывания риса. От древнего периода истории культуры сохранились глиняные скульптурные работы, так называемые «хани-ва» («глиняный круг»), изображавшие дома, утварь, людей и животных. Их открыли при раскопках гробниц-курганов, возведенных в первые века новой эры. Основные достижения традиционной японской художественной культуры связаны с эпохой Средневековья, которая затянулась на долгие столетия. На этом историческом пути можно выделить несколько этапов: раннее Средневековье (VI — конец XII в.), развитой феодализм (конец XII—XVI в.) и позднее Средневековье (XVII — 60-е гг. XIX в.). Начало искусству раннего Средневековья было положено при вхождении Японии в ареал китайско-корейских культурных связей. Процесс заимствования материковых традиций начался еще в IV—V вв. н. э.: официальные японские документы этого времени написаны иероглифами. Точкой отсчета новой культуры можно считать середину VI в., когда Япония из территории, населенной мелкими племенами, 69 Художественная культура Японии: постижение гармонии с природой превратилась в единое государство. Основой единения стал буддизм, распространившийся через Корею из Китая. Впрочем, буддийское вероучение, как и любые другие иноземные влияния, японцы осваивали сквозь призму собственных воззрений. Сплав синтоизма и буддизма, а вернее, его разновидностей, стал основой духовной жизни японского народа, сохранившейся до наших дней. Свидетельством своеобразия религиозного мышления японцев в эпоху раннего Средневековья является летопись «Кодзики» («Записи древних деяний»), где собраны космогонические и героические мифы, исторические сказания. Летопись, составленная Ясумаро Оно в 712 г. по приказу царей Ямато, выполнена китайскими иероглифами. Утверждение буддизма на японских землях сопровождалось храмо-в^1м строительством. В отличие от китайских или индийских мастеров японские зодчие не стремились к грандиозности. Рачительно и экономно относясь к пространству, они возводили строения более миниатюрные и соразмерные с человеком. В числе сохранившихся памятников раннего Средневековья (VII в.) — монастырь Хорюдзи близ Хэйд-зё — первой постоянной столицы Японии (ныне Нара). Изогнутые края черепичной крыши, каменная платформа, красные лаковые колонны монастырских строений говорят о сильном влиянии китайского зодчества. В главном зале храма — Кондо помещалась скульптурная группа, созданная мастером Тори в 623 г.: Будда на лотосовом троне и бодхисатвы, олицетворяющие милосердие. Образы, полные отрешенной значительности, располагают к длительному созерцанию. Национальное начало властно вторгнется в художественное творчество чуть позднее, в связи с утверждением идеалов централизованной японской государственности и рождением самобытных эстетических течений. Этот этап тесно связан с культурой столицы Хэйан-кё (ныне Киото), где зародились новые художественные традиции. Зримым свидетельством стилевого обновления японского искусства является зодчество, в котором постепенно сложился новый тип храма, напоминающий дворцовые постройки. В 1054 г. близ столицы в монастыре Бёдоин был возведен храм Феникса (мифологической птицы, способной возрождаться из пепла). Основное здание невелико по размерам, его дополняют крытые галереи с характерными японскими «летящими» крышами, загнутыми вверх. Главная святыня храма — будда Амида, поклонение которому было сутью учения одной из буддийских сект Дзёдо («чистая земля»). Будда Амида сидит на золоченом 70 Тема 4 Храм Феникса. Монастырь Бёдоин Будда Амида троне, выполненном в форме лотоса. Его образ полон гордого величия и отрешенности. Внутреннее убранство храма составляют резьба и росписи, рассказывающие о сошествии будды Амиды на землю. В эпоху Хэйан духовная жизнь Японии становится более разнообразной. Моно-но-аварэ, т. е. «печальное очарование вещей» — так называлось модное эстетическое течение X—XI вв., оказавшее сильнейшее воздействие на японское светское искусство. Размышления о недолговечности всего сущего (жизнь коротка, а посему печальна!) наполнили художественное творчество изысканно-грустными и эмоционально-насыщенными образами. Расцветает лирическая поэзия в традиционном японском жанре — танка («короткая песня» — нерифмованное пятистишие, состоящее из 31 слога по формуле: 5 + 7 + 5 + 7 + 7). В танка более всего ценилось лаконичное изящество и умение передать душевное состояние человека: 71 Художественная культура Японии: постижение гармонии с природой Туман весенний, для чего ты скрыл Те вишни, что окончили цветенье На склонах гор? Не блеск нам только мил — И увяданья миг достоин восхищенья. Так писал поэт X в. Ки-но Цураюки. Даже в переводе, который не может передать в полной мере форму танка, это пятистишие сохраняет обаяние и тонкость стиля. В XI—XII вв. складывается японская национальная школа изобразительного ис^сства, позднее получившая название ямато-э (дословно «японская живопись»). Мастера этой школы расписывали веера, ширмы (рамы из дерева, обтянутые бумагой), создавали иллюстрации к произведениям японской литературы. В соответствии с духом времени в работах преобладали созерцательные, чуть отрешенные настроения, спокойный ритм линий, изысканные цветовые сочетания. Как и в Китае, распространенным видом живописи была картина на свитке — горизонтальном (который рассматривался на низком столике и нередко достигал нескольких метров в длину) и вертикальном (вывешивался на стену). На одном из старинных свитков запечатлены герои знаменитой повести о принце Гэндзи («Гэндзи моногатари»). Творец этой живописи художник начала XII в. Фудзивара Такаёси не стремился к точной иллюстрации литературного произведения. В его работе запечатлелось глубоко элегическое чувство, навеянное лирическими страницами повести. Во второй половине XII в. Япония вступила в этап развитого феодализма. Общественная ситуация в стране резко изменилась. Власть перешла в руки крупного военачальника Минамото Ёритомо, провозгласившего себя сёгуном — правителем страны от имени императора, за которым сохранялся лишь титул и сан верховного жреца синтоизма. Милитаризация государственной власти способствовала формированию нового сословия самураев (буси) — привилегированных феодалов, жизнь которых была подчинена особому кодексу поведения — Бусидо («путь воина»). Презрение к иным сословиям, чувство избранности, беззаветная преданность хозяину, воинская доблесть, способность при попрании чести совершить харакири (ритуальное самоубийство) — все это воспитывало мировоззрение самурая, его представления о жизни и общие культурные ориентиры. Утонченная живопись и поэзия «печального очарования вещей» уходят в прошлое. 72 Тема 4 Художественные ценности нового времени отражают литературные эпопеи — гунки (их сохранилось пять), в которых исторические и мифологические сюжеты наполнены героикой военных побед. Зримый образ эпохи — портрет Минамото Ёритомо, выполненный художником Фудзивара Таканобу (1142—1205). В нем впервые в японской живописи представлено реальное историческое лицо — сёгун, облаченный в парадные одежды, с мечом за поясом. Правитель, изображенный сидя, величав, спокоен, полон надменности. Таков идеал власти феодальной эпохи. В конце XIV — начале XV в. в японской художественной культуре открывается «второе дыхание». Творческая инициатива японских мастеров в разных видах искусства выходит за рамки устоявшихся жанров. Рождается профессиональный театр ноо, объединивший драматическое действие с музыкой и танцем. Создатели театра — актеры и драматурги Киёцугу Канъами (1333—1384) и его сын Мотикиё Дзэа-ми (1363—1443). Мономанэ (подражание действительности) и югэн (внутренний смысл) — таковы эстетические основы ноо. На практике театральные спектакли представляли собой довольно растянутые, со сложной, возвышенной символикой пьесы, в которых отсутствовал какой-либо конфликт. Актерами, как и в китайском театре, могли быть только мужчины, а главные персонажи носили маски. Содержание пьес восходило к классической японской литературе и буддийским сказаниям. Спектакли ставились на открытой с трех сторон площадке без занавеса и декораций. Игра актеров сопровождалась музыкой (оркестр из флейт и барабанов) и пением мужского хора, который мог активно вторгаться в действие. Как правило, представление было долгим: пять пьес разного характера следовали друг за другом. Между ними исполнялись грубоватые комедии из народной жизни, что оттеняло стилистику ноо — рафинированного, изысканного действа для аристократической и военной элиты. Его каноническая форма бережно сохраняется и в наши дни. Характерное для японцев почитание созданной самой природой красоты, стремление к ее неспешному созерцанию, идущее от религиозных верований, способствовало расцвету необычных форм художественного творчества. Икэбана, «цветы, которые живут», — так называется особое сочетание цветов, веток, листьев. С VI в. белыми хризантемами и зеленью деревьев было принято украшать алтарь буддийских храмов. К XV в. икэбана преобразилась в сложное самостоятельное ис- 73 Художественная культура Японии: постижение гармонии с природой Фудзивара Таканобу. Портрет Минамото Ёритомо Китагава Ут^аро. Из серии «Прекраснейшие женщины» современности кусство, мастерству которого следовало учиться много лет. В изысканные аранжировки японцы вкладывали глубокий философский смысл — сохранение и познание гармонии природы, рождение мига созерцательного состояния, дарующего человеку возможность понять самого себя. В икэбане важны детали: соотношение растений, их размеры, сочетание красок, форма сосуда. Каждый элемент воплощает «говорящую» национальную символику, понять которую можно, только овладев ее «кодом». Настроения радости и печали, поздравление с праздником и благодарность за помощь — все это можно выразить с помощью икэбаны, составленной рукой мастера. Явлением художественной культуры, философии, религиозного знания в Японии стал сад. На сравнительно маленьком участке земли японцы создавали композиции из деревьев, мхов, камней, песка, имеющие многозначный духовный подтекст. Одни сады повествуют о красоте мира, другие напоминают о тайнах жизни и смерти, настраивают на размышление о вечных проблемах бытия. Во второй половине XV в. возник знаменитый «сухой сад» — сад камней в монастыре Рёандзи. На площадке, засыпанной белым гравием, расположены группы камней: пять, два, три — всего пятнадцать. Но с любой точки сада видны только четырнадцать из них. Это — напоминание о том, что таинства природы человек никогда не постигнет до конца... Знаменитую японскую чайную церемонию — совместное чаепитие тя-но-ю также можно отнести к явлениям художественной культуры. Смысл этого средневекового ритуала заключался в том, чтобы получить духовное 74 Тема 4 Ж Сад камней Рёандзи Сад Луны наслаждение от самого простого бытового события. Ее организатором выступал «мастер чая», который приглашал в специальный дом не более пяти гостей. Он подготавливал все необходимые предметы и заваривал чай. Гости пили напиток, передавая чашу друг другу, вели неспешные, тихие разговоры, подолгу молчали, погружаясь в созерцание незаметной в суетной жизни красоты окружающих предметов и явлений. В эпоху позднего Средневековья Япония расширяет свои международные контакты. На островах появляются монахи-иезуиты, проповедующие христианство, португальские купцы, привезшие в Страну Восходящего Солнца предметы европейской цивилизации — огнестрельное оружие, часы, глобус, географические карты. Прибывшие с материка зодчие способствовали обновлению строительных технологий. В начале XVII в. в столице Киото и ее пригородах возводятся дворцовое комплекс^!., отличающиеся роскошью убранства и удачной вписанностью в ландшафт. Наиболее знаменитыми являются загородный императорский дворец Кацура, замок сёгуна Нидзё, замок Химэдзи (прозванный «Замком белой цапли»). Бурный рост городов сыграл решающую роль в постепенной демократизации искусства. Процветают формы художественного творчест- 75 Художественная культура Японии: постижение гармонии с природой Замок Нидзё Замок Химэдзи ва, предназначенные не столько для аристократии, сколько для обыкновенных горожан. Гравюры по дереву (ксилография), живопись на темы повседневной жизни (униё-э), расписные керамические изделия, фарфор, яркие кимоно — все это украшало жизнь простых людей и пользовалось у них большим спросом. Ветер перемен коснулся и сценического искусства. Большой любовью японцев пользовались теат^р кукол (дзёрури) и теат^р кабуки, который сложился в XVII в. Родоначальницей кабуки считается женщина — актриса и режиссер О-Куни, труппа которой заявила о себе в 1603 г. Однако уже в 1652 г. последовал запрет на участие женщин в театральных спектаклях, поэтому и по сей день в кабуки все роли исполняют мужчины. Искусство кабуки отличается большой условностью. Пантомима, канонические позы актеров (миэ), правила движения на сцене, парики и грим имеют многозначную символику. Овладеть этим мастерст- 76 Тема 4 Тёсюсай Сяраку. Актеры театра кабуки Тядзин. Мастер чая вом было не просто, поэтому сложилась традиция актерских династий с наследованием амплуа. В отличие от ноо спектакли кабуки были более зрелищными и приближенными к естественной жизни. Герои пьес не носили масок. В репертуаре преобладали исторические драмы и бытовые пьесы из жизни горожан. Национальные художественные традиции Японии, сформировавшиеся в Средние века, оказались очень устойчивыми. Сегодня гость, посетивший эту страну, может получить удовольствие от ритуала чаепития, увидеть старинные храмы, замки, окруженные изысканными садами, побывать в театре ноо и кабуки, насладиться видом традиционного японского дома, икэбаной, красками кимоно. Островное государство сумело вписаться в современный мир, не утеряв своей самобытной культуры, создававшейся в течение долгого периода Средневековья. 77 1ШШ «rfti Щ ii *Ф4 f> ii^-i Щ Ы Ч hi il^rt Щ w <# Ш <4 i hd 1^1 f> IH-I № 1фЧ <4 <4ll <^K 'ЙН >I^H <^l 4^1 <# -:и;кпр Японии с дроевнейитих времен до XIX в. Какие этапы в развитии японской художест-в1^нно£о кульзтукры мюжпо выделкть? 2. На каком языке созд^ны памятники письменности Японии? Расскажите о поэзии танка. 3. Что та1сое сиутоиза/i'? Какую р>оль играл б>уддиз|у в развитии япопккой! >?удс?ж(^стсенпой культуры Средневековья? 4. Как влияло мироощущение японцев на формирование хукдо>у:ественныхтр^ ицийцс ЕЗ чем видели я понские м^о-т^ра идеал красоты? Ei. 1^^к воплотилась эстетика «п€!Ч^льногк оч^рсзв^пия ^у-1цей» ^ поэзии и :ссивописи? К°^к созд^гал^с-ь «я1\»ато-э»? 6. Сравните традиционный театр ноо с театром кабуки. Ко-г,£^а возникло ^тск иску^стст^о? О чем гсзворит симвскли1й^ тегатрэ^'? 7. Что такое икэбана? Можно ли считать икэбаной простое соЕетани^ цгетов и веток, ли1ш^нно^ подтекста? 8. Р-^сс-кал^ите о японскоН ч^тГной церемонии (домашнее задание). 9. 1^^кугстроен т|ка,£-ицгонныс яаонский- до1^1? ^^к ^ н^м передана связь повседневной жизни японцев с миром при-ро,£?и1 (.-^ом^шлнее ;каданре)? 10. Каковы особенности японской художественной культуры позднего Средневековья? Расскажите о замках Японии. 11. К^1Носа симв олика япо н скогсз сада. Что вам известно о пейзажном саде и плоском саде; значении в нем камней, мхов, воды? ; ьф" >с> 1(4 <41 %> Ш l-dik <4 ^ »!>■ L <4 w : ^ф| Ш (4 ^rfii J (4 : ^i<4 I-4I <4 (4 liUh Щ 1-4 P m 78 Тема 5 Художественная культура мусульманского Востока: логика абстрактной красоты Все племя Адамово — тело одно, Из праха единого сотворено. Коль тела одна только ранена часть, То телу всему в трепетание впасть. Над горем людским ты не плакал вовек,-Так скажут ли люди, что ты человек? Саади Творцу молитесь; он могучий, Он правит ветром, в знойный день На небо насылает тучи; Дает земле древесну сень. Он милосерд; Он Магомету Открыл сияющий Коран, Да притечем и мы ко свету. И да падет с очей туман. А.С. Пушкин Художественная культура мусульманского Востока Мусульманский Восток — огромный регион, объединивший разные народы на основе самой молодой из мировых религий — ислама. На землях современных государств — Сирии и Египта, Ирана и Ирака, Турции и Афганистана, Испании и Израиля, Азербайджана и стран Средней Азии сохранились многочисленные памятники Средневековья, свидетельствующие о единой самобытной художественной традиции. Она родилась под влиянием мировосприятия сквозь призму учения об Аллахе — всемогущем и вечном. Само слово «ислам» означает на арабском языке «покорность», «преданность». Последователей ислама называют муслимами (покорными Богу), отсюда произошло название «мусульмане» (предавшие себя Аллаху). Связь религии с искусством в мусульманской культуре изначально была очень тесной, практически нерасторжимой. Строгие законы веры наложили вето на многие виды искусства и средства художественной выразительности, характерные для творчества древности или иных религиозных традиций (буддизма, христианства). Что же и по какой причине запрещено исламом в искусстве? В чем виделась мусульманским восточным мудрецам истинная красота? Ислам зародился в арабском мире, история которого уходит в глубь веков (о чем свидетельствуют археологические находки на Аравийском полуострове). Основателем новой религии стал пророк Мухаммед (в русской транскрипции Магомет или Магомед), который родился приблизительно в 570 г. и умер в 632 г. Выходец из рода Бану-хашим арабского племени курейшитов, он с юности проявлял склонность к путешествиям, уединению, предаваясь на просторах бескрайней Аравийской пустыни глубоким раздумьям о духовном призвании человека. Жажда знаний и праведный образ жизни открыли Мухаммеду истину о существовании единого бога Аллаха, от которого пророк получил религиозные откровения. Свои первые проповеди Мухаммед произнес в Мекке. Сегодня это священный город для всех мусульман, но в те времена его жители были язычниками и не внимали страстным речам Мухаммеда. Отвергнутый и гонимый, с горсткой единомышленников пророк покинул Мекку и поселился в Медине. «Хиджра», т. е. переселение, стала поворотным пунктом 80 Тема 5 в истории ислама. С этого времени приверженцы новой веры решили отвоевать жизненное пространство с помощью оружия. Началась священная война, в результате которой Мухаммед со своим войском подчинил Мекку и основал первое мусульманское государство (630—631). После смерти пророка началось победное шествие ислама по странам и континентам. Арабам понадобилось менее столетия, чтобы завоевать Иран, Сирию, Месопотамию, Палестину, Египет, Северную Африку, Пиренейский полуостров, Среднюю Азию, Армению, Азербайджан, часть Грузии. Их владения раскинулись от Атлантического океана до середины Африки. Арабский язык стал языком международного общения. На завоеванных территориях образовалось государство Арабский халифат, управляемое халифами. Мухаммед стал почитаться мусульманами как последний пророк человечества, принесший людям священные слова Аллаха. Его речи, некогда произнесенные в Мекке и Медине, позднее были записаны в Коран (буквально «чтение»). Считается, что текст священной книги хранится на небесах. В содержании Корана выделяются суры (главы) и строки (стихи). Слово и буква Корана для мусульман являются единственным визуальным приближением к Богу. Коран учит, что Аллаха невозможно видеть или осязать; сила его воздействия заложена в священном слове. Такова одна из главных идей ислама. Поэтому Коран никогда не иллюстрировался. Отсюда же проистекает запрет на изображение видимого мира и живых существ в религиозном искусстве. Главным украшением священных текстов было само письмо — знаменитая арабская каллиграфия, которая являлась высоким искусством. Вязь арабского письма превратилась в одну из форм орнамента, расцвеченного геометрическими узорами и растительными мотивами. Содержание Корана глубоко и многообразно. В его текстах нашли воплощение исторические, философские, этические проблемы. Образы Корана стали духовной основой художественной культуры мусульманского Востока, пестующей на протяжении веков уважительное отношение к слову. Благодаря арабским переводам до наших дней дошли многие памятники античной мысли. Остается добавить, что в коранических сказаниях встречаются прямые параллели с Библией: слова о волшебнике и вероучителе Моисее (Мусе), евангельская история Иисуса Христа (Исы) и др. Искусство мусульманского Востока, подобно творчеству многих народов в эпоху Средневековья, было основано на канонических установ- 81 Художественная культура мусульманского Востока ках. Эти правила сложились достаточно быстро. Ведущим началом религиозного художественного мышления в исламской культуре стало сочетание декоративности и ритма. Иначе говоря, красоту произведения искусства видели в гармонии строгой, логичной геометрической формы с изощренными абстрактными декоративными украшениями. Впервые наиболее ярко и зримо исламский художественный канон воплотился в архитектуре. Его прообразом был дом Мухаммеда в Мекке. Здесь же на месте древнейшего языческого святилища Каабы, где хранился волшебный Черный камень (вероятно, упавший метеорит), возникла самая ранняя мусульманская святыня. Высоким сакральным смыслом наполнен для мусульман образ здания для молитвы — мечети (от араб. «масджид» — место поклонения). Одна из самых древних мечетей возведена в Иерусалиме — городе-символе трех религий: иудаизма, христианства и ислама. Мечеть была построена в 687—691 гг. в период правления халифов из богатого рода Омейя. Огромное здание, увенчанное сияющим на жарком солнце золотым куполом, расположено в Старом городе, где некогда возвышался грандиозный храм библейского царя Соломона, разрушенный римлянами, и где произносил свои проповеди Иисус Христос. Круглая в плане, мечеть опоясана арочной галереей четкой восьмиугольной формы. Ее называют Куббат ас-Сахра («Купол скалы»), хотя в народе она издавна известна как мечеть Омара. В начале VIII в. была сооружена Большая мечеть Омейядов в тогдашней столице халифата Дамаске (Сирия). Место, выбранное для ее строительства, говорит о многом: здесь ранее был храм античного бога Юпитера Дамасского, а затем христианская базилика, возведенная в память св. Иоанна Крестителя. Мечеть утверждала господство новой веры на этих землях, а ее форма надолго стала канонической. Колонная арабская мечеть — так принято называть эту архитектурную композицию. Ее центром является открытый квадратный или прямоугольный двор, обнесенный арочными галереями. Одна из сторон двора строго ориентирована на Мекку, и именно к ней примыкает многоколонный молитвенный зал. В стене зала — молитвенная чаша михраб, обращенная к Мекке. Чаша украшена инкрустацией, росписью, резьбой. При несхожести декоративного оформления мечети, возведенные в разных странах, сохраняют общность архитектурного замысла. В этих сооружениях воплощено чувство покоя, равновесия с природой, единения с вечностью. Огромное значение для формирования ху- 82 Тема 5 Мечеть Куббад ас-Сахра. Иерус^им дожественного образа мечети имело само пространство, не заполненное рукотворными предметами. Эти «божественные пустоты» символизировали присутствие духовного начала в помещении храма. Цветные изразцы, сверкающие чистыми красками на стенах мечети, придавали ей изысканную красочность. В ансамбль исламской религиозной архитектуры входили минареты — башни, с которых муэдзин призывал верующих к молитве. Минарет строился рядом с мечетью или входил в ее композицию. По традиции минареты были круглыми, квадратными или многогранными в сечении. Гораздо реже встречаются башни спиралевидной формы (минарет аль-Мальвия в Самарре). Придерживаясь канонических правил, средневековые зодчие разных стран привносили в образ минарета ту «изюминку», что придавала сооружению неповторимое своеобразие. Таковы минареты, построенные в Турции: многоярусные, многогранные, очень высокие, они устремлены в небо своими острыми вершина- 83 Художественная культура мусульманского Востока ми (например, игловидный минарет мечети Сулеймание в Стамбуле, возведенный в XVI в. по проекту выдающегося турецкого зодчего Хаджи Синана). Центрами средневековой художественной культуры мусульманского Востока были разные города. После Дамаска это Багдад, Каир, затем Кордова, Бухара, Самарканд... Здесь строили не только мечети и минареты, но и дворцы, укрепленные цитаделями, медресе (мусульманские учебные заведения), крытые рынки, караван-сараи, библиотеки. Здесь же получила развитие важнейшая область художественного творчества арабского мира — декоративно-прикладное искусство, расцвела техника орнамента. Орнамент с его абстрактными формами, яркими красками, разнообразием ритмического «звучания» стал своеобразным символом «восточной красоты» в искусстве. Узорчатой вязью украшали внутренние и наружные стены зданий, покрывали предметы быта, ткани, ковры, дорогие ювелирные украшения. Сложное плетение линий и красок, которое воссоздавал художник на плоскости, называется арабеской. В ней соединялись растительные узоры, навеянные разнообразными формами цветов, листьев, трав, с геометрическими фигурами (многоугольники, многолучевые звезды) и буквенными мотивами. Подобные волшебным цветам арабески придают особую утонченность и праздничность произведениям искусства, напоминают о неземной красоте исламского вероучения. Многие украшения дополнены изречениями из Корана, выполненными каллиграфической вязью. Богатство, красочность, яркость художественной культуры арабского Востока можно представить, мысленно перенесясь в легендарный Ба^гдад — столицу халифата с середины VIII в. Багдад, основанный в 762 г., был резиденцией династии Аббасидов. Первые сто лет их правления стали кульминацией в развитии средневековой арабской цивилизации, «золотым веком» культуры. Стремительное восхождение арабов к мировому господству, укрепление ислама и общее экономическое процветание способствовали развитию науки, ремесел, философии, искусства. Багдад славился фантастической роскошью убранства дворца халифа и домов богатых людей. Вазы из золота и серебра, оружие, украшенное драгоценными камнями, блюда и кувшины, покрытые ярким орнаментом, драгоценные ткани — от тончайшего муслина до тяжелой, расшитой золотыми и серебряными нитями парчи, — все это украшало жизнь правителей могучей импе- 84 Тема 5 рии. При этом халифы заботились о развитии образования. Они тратили огромные средства на строительство медресе и библиотек. В середине IX в. было открыто учреждение, предназначенное для работы ученых, занимавшихся переводами на арабский язык классических сочинений мировой литературы, — «Дом мудрости». По количеству публичных библиотек, доступных грамотным людям, Багдад превзошел императорский Рим. Процветающий двор багдадского халифа привлекал не только ученых. Сюда стекались поэты, зодчие, музыканты. Муз^1ка по исламской традиции рассматривалась как одна из форм научного познания. Арабские теоретики музыки внесли большой вклад в становление музыковедения. Среди них выдающийся ученый аль-Фараби, создатель «Большого трактата о музыке», в котором разработаны проблемы акустики, инструментоведения, эстетики и философии музыкального искусства. В светской жизни Арабского халифата культивировался утонченный стиль музыкального исполнительства. Арабы высоко ценили музыкальную импровизацию (как вокальную, так и инструментальную). Требования к вокальной технике были очень высокими. В старинном трактате говорится, что арабский певец должен при пении сочетать остроту с нежностью, звучность — с полнотой, владеть мрачным голосом без вибрации и высоким — с мощной звучностью, уметь извлекать звуки легко и гибко, подобно соловью. Не меньшего мастерства требовало инструментальное исполнительство. Музыкальные инструменты арабов были очень разнообразны. Это и всевозможные ударные (барабаны, бубны, литавры), и уд — предшественник европейской лютни, и смычковый ребаб. Характерное для других культур сочетание инструментальной музыки, пения и танца у арабов не встречается. Профессиональная арабская музыка, как вокальная, так и инструментальная, создавалась на основе канонических правил макама (макома, мугама), определяющего ладовые и ритмические особенности композиций. Культура макамата, родившаяся в исламском мире в глубокой древности, породила разнообразные национальные ответвления. Музыку, созданную в традициях макама, нередко называют «симфонией исламских народов». Самобытные страницы в историю средневековой мусульманской культуры вписали народы Туниса, Алжира, Марокко, Южной Испании. Искусство, созданное мастерами этих стран, получило название 85 Художественная культура мусульманского Востока мавританского. С античности маврами (от греч. «темный») считали северо-африканские народы, родственные арабам. Следствием экспансии этих народов в Южную Испанию явилось образование халифата с центром в Кордове (Х в.). Исламская Кордовская держава стала одним из самых сильных и процветающих средневековых государств Европы с развитой культурой и образованным населением. Город Кордова отличался красотой и цивилизованностью. Через реку Гвадалквивир были перекинуты мосты, соединявшие разные части города. Богатством и разнообразием архитектурного облика отличались дома знати. Дворец халифа утопал в зелени садов и диковинных цветов; о красоте внутренних покоев дома властителя слагали легенды. В 785 г. в Кордове была заложена соборная мечеть поразительной красоты. Ее строительство продолжалось до Х в. По форме мечеть соответствует колонному классическому стилю. Она была окружена стеной из крупных золотисто-медовых каменных блоков. Основное пространство мечети было отдано уникальному молитвенному залу: около 850 колонн, протянувшихся в 19 рядов с севера на юг и в 36 рядов с востока на запад, заполнили его пространство изнутри. Колонны, привезенные из Африки, Франции, самой Испании, выполнены из розового и голубого мрамора, яшмы, гранита, порфира. Центральный купол мечети украшен огромным «цветком» — восьмиугольной звездой, образованной на пересечении двух квадратов. Колонада освещалась сотнями висящих серебряных лампад, создавая настроение отрешенности от повседневной суеты и умиротворенности. В конце Х в. испанцы стали теснить арабов к югу. Последним оплотом исламской культуры на испанской земле стал Гранадский эмират. «Я — сад, который украсила красота, ты познаешь мое существо, если вглядишься в мою красоту» — эти строки придворного поэта Ибн Зум-рука сохранились на изразцовой панели зала Двух сестер из дворца, входящего в знаменитый архитектурный ансамбль Альгамбры. Поражающая изысканностью внешнего облика и художественным совершенством внутренних интерьеров резиденция эмира напоминает декорации к волшебным восточным сказкам. Ее основные постройки (XIV в.) сгруппированы вокруг открытых дворов — Миртового и Львиного. Над строениями господствует могучая старинная башня Кома-рес, где находился трон халифа. Планировка Альгамбры подобна свободной музыкальной импровизации, при которой форма не имеет заранее предусмотренной компо- 86 Тема 5 зиции и рождается в процессе вдохновенной творческой работы. Представим: в зеркальной поверхности водоема отражается башня Ко-марес, которую принято называть дворцом. Двор обсажен миртовыми деревьями. Его обрамляют невысокие колонны с нишами, создающие поэтичное сочетание монументальной громоздкости (башня) и прозрачности, легкости (облик миртового двора). К дворцу Комарес примыкает дворец Львов (здесь протекала жизнь монарха). Название дворцу и прилегающему двору дали 12 каменных львов, окруживших фонтан, что расположен в центре комплекса. Каменные изваяния зверей говорят о светском характере жилища монарха, а также о влиянии европейского искусства на строгие канонические установки исламской культуры. Альгамбра удивительно точно вписана в окружающую природу, гармонируя с вечнозеленой растительностью, душистыми цветами, упоительным воздухом гор. Поступающая по специально проложенным в Ниша с орнаментом. Альгамбра Миртовый двор дворца Комарес 87 Художественная культура мусульманского Востока мраморных плитах желобкам родниковая вода наполняла журчанием внутренние помещения дворца, привлекая бесчисленное множество птиц. Дворцовые покои были украшены произведениями декоративно-прикладного искусства. Ассоциации с природным окружением рождали спускающиеся со сводов сталактиты, похожие на гигантские соты пчел — очень точная имитация известковой накипи, что образуется в горных пещерах под воздействием воды. Прекрасные мозаики, украшавшие помещения дворца, некогда соседствовали с бесценными альгамбрскими вазами — массивными сосудами яйцевидной формы, сильно суженными книзу, с плоскими ручками. Их поверхность покрыта изящным орнаментом. Одна из таких ваз под названием Фортуни ныне хранится в Эрмитаже. Большой вклад в развитие исламской средневековой художественной культуры внесли народы иранской группы, у которых в VII— VIII вв. сложился единый литературный язык — фарси. Искусство Ирана, Азербайджана, Афганистана, Средней Азии тесно связано общностью традиций, отражением которой является возвышенная и подобно орнаментам цветистая иранская (персидская) классическая поэзия. Ее родоначальником считается Рудаки (Абу Абдаллах Джафар — ок. 860—941 г.). Статный, крепкий старец с длинной густой бородой, высоким лбом, узким, резко очерченным лицом, таким предстал Ру-даки в портрете, по останкам воссозданном скульптором-историком М.М. Герасимовым. Свыше 40 лет Рудаки прослужил при дворе правителя Бухары и сочинил, по преданию, около миллиона стихов. Руда-ки был певцом-импровизатором; он пел свои стихотворные строки, аккомпанируя себе на струнном инструменте. Как человек, вышедший из простой крестьянской семьи, Рудаки знал цену нелегкому труду бедняка. Его стихи полны горьких размышлений о несправедливости жизни: У этих — мясо на столе, из миндаля пирог отменный, А эти — впроголодь живут, добыть им трудно хлеб ячменный. Вряд ли приближенным эмира нравился свободолюбивый поэт. К концу жизни Рудаки был обвинен в сочувствии к врагам властей, выслан из Бухары и умер в нищете. По преданию, при изгнании он был ослеплен. 88 Тема 5 Другое предание сообщает о знаменитом поэте Фирдоуси Абуль-касиме (ок. 940—1020 или 1030), сочинившем поэму «Шахнаме» в расчете получить у эмира вознаграждение, чтобы на эти деньги построить плотину на реке, заливавшей посевы его земляков. Фирдоуси был воспитан на гуманистических идеалах и верил в силу просветительского слова. В своей великой поэме он хотел вскрыть корни зла, ведущего страну к упадку. В сочинении три части: мифологическая, богатырская (повествующая о подвигах богатыря Рустама) и историческая, посвященная 28 правителям из царской династии Сасанидов. Фирдоуси повторил судьбу Рудаки: конец жизни он провел в изгнании в страшной нужде. Всесторонне одаренным человеком был Омар Хайям (ок. 1048 — после 1122). Он прославился как крупный ученый, астроном, создатель точного календаря, математик. Однако в истории культуры его ценят прежде всего как самобытного поэта, сочинения которого проникнуты духом вольнодумства. Хайям протестовал против ханжества, лицемерия, доктринерства и напыщенной религиозности. Идеал поэта — справедливость, свобода, радость жизни, честность. Единственной формой стихов у Хайяма были рубаи (четверостишия, традиционные для поэзии иранских народов). Подобная форма требовала ясного изложения, лаконизма и афористичности. Всем этим в полной мере владел Хайям: В детстве ходим за истиной к учителям. После — ходят за истиной к нашим дверям, Где же истина? Мы появились из капли. Станем прахом. Вот смысл этой сказки, Хайям По-разному отразили свои чувства и переживания в лирической поэзии два классика иранской литературы Саади и Хафиз. Саади (между 1203 и 1210—1292) прожил долгую и сложную жизнь. Выходец из города Шираза, он вынужден был покинуть родные места, когда туда пришли орды Чингисхана. Его творчество насыщено философскими раздумьями. Наибольшую известность приобрел сборник притчей в прозе и стихах под названием «Гулистан» («Цветущий сад»). В них поэт обличал ханжество, лицемерие, проповедовал то, что сегодня называют вечными ценностями: 89 Художественная культура мусульманского Востока О ты, кто исполнен знанья, о ты, чья сильна рука, — Грешишь, когда угнетаешь бессильного бедняка. Страшись! Пожалей упавших — иль помни: коль в черный час Ты в яму падешь, то люди не кинут тебе мостка. Ты попусту не надейся, на благо не уповай, Коль злое посеял семя — благого не жди ростка. Бессмертную славу земляку Саади поэту Хафизу Шамседдину (ок. 1325—1389 или 1390) принесли газели — небольшие стихотворения о любви: На сердце роза, на губах душистый сок, Владыка мира, в эту ночь ты раб у наших ног. Гасите свечи! Ночь и так светла, как знойный день, Здесь в полнолунии своем тот лик, что тьму отвлек... О любви классическая персидская поэзия повествует ярко, трепетно. Есть в этом безбрежном море нежности и страсти своя вершина: «Лейли и Меджнун» — поэма о «восточных Ромео и Джульетте», сотворенная Низами Гянджеви (Абу Мухаммед Ильяс ибн Юсуф), жившим на рубеже XII—XIII вв. Поэма повествует о любви юноши-поэта Кейси, всю жизнь воспевавшего красоту своей Лейли и прозванного за это Меджнуном (одержимым). Финал истории о Лейли и Меджнуне трагичен: Лейли, выданная замуж за шейха соседнего племени, зачахла от горя, Меджнун, разум которого помутился, умер на ее могиле. В конце XIV в. Иран вошел в состав державы Тимура, центром которой стала Средняя Азия. Грозный правитель основал свою столицу в Самарканде. Здесь в XIV—XV вв. художественная культура исламской традиции вновь пережила период расцвета. Тимур пожелал видеть свою столицу самым красивым городом мира. Грандиозные памятники зодче^ва, возведенные в Самарканде, принадлежат к шедеврам средневекового искусства. Правда, далеко не все они сохранились до наших дней. Развалины гигантской соборной мечети в Самарканде... Некогда тут могли молиться десятки тысяч людей. В народе мечеть называли Биби-ханым. Рядом с ней находились минареты, крытые галереи, входные порталы, внутренний двор, купольные здания. Сама мечеть 90 Тема 5 завершалась огромной аркой, поддерживаемой восьмигранными минаретами. Арка была увенчана бирюзовым сияющим куполом. На северной окраине Самарканда находится комплекс усыпальниц духовенства и знати Шах-и-Зинда. Мавзолеи комплекса расположились на крутом спуске холма. Это сравнительно небольшие сооружения под куполами, покрытые переливающимися изразцами. Великий властитель Самарканда Тимур покоится в монументальной усыпальнице Гур-Эмир (построена в начале XV в.). Его надгробие из темно-зеленого лазурита отличается строгой неброской красотой. Сам мавзолей также довольно прост, в его образе господствуют геометрические формы: на восьмигранном основании покоится цилиндрический барабан и ребристый купол синеголубого цвета. Внутренние же покои отделаны очень богато. Резьба по мрамору и дереву, орнаментальные росписи свидетельствуют о мастерстве и вкусе средневековых зодчих. В мусульманских странах Среднего Востока широко и многообразно развивалось прикладное ш^сство. У каждого народа были излюбленные темы творчества, профессиональные школы. Иранские мастера приуспе-ли во многих художественных ремеслах. Изделия из стекла, металла, дерева, ткани, глины, оружие высоко ценились на мировом рынке — в Европе, в России. Парчу, атлас, бархат принято было дарить высокопоставленным гостям и послам иноземных государств. Но более всего славились иранские ковры. Персидский ковер, яркий, с изощренными узорами и рисунками, стал своего Миниатюра к поэме «Семь красавиц» Низ^и Расписное блюдо. Конец XII в. 91 Художественная культура мусульманского Востока рода символом восточной культуры. Главные мотивы ковровых росписей были почерпнуты из окружающей жизни. Неслучайно принято различать разные виды ковров в соответствии с их тематикой: садовые, охотничьи, звериные, вазовые. Картина художественной культуры мусульманского Востока была бы неполной без книжной миниатюры. Эта сфера творчества достигла в эпоху Средневековья высокого уровня развития. Книжная миниатюра была созвучна восточной поэзии, возвышенной, философски-насы-щенной, цветистой. В ней соединилось мастерство каллиграфа-пере-писчика и профессионального живописца, тонко чувствующего поэтическое слово. Искусство книжной миниатюры было светским, поэтому здесь не действовали запреты на изображение окружающего мира и людей. Живописцы, работавшие в этом жанре, воплощали сюжеты из классической литературы, но не только. Миниатюру нельзя рассматривать как подобие книжной иллюстрации. Это самостоятельный вид искусства, в котором неразрывно связаны реальные события, вымысел и символика, декоративные образы и собственно иллюстративные сюжеты. Памятники художественной культуры мусульманского Востока кажутся сегодня необычайно современными, ее традиции пережили века. Исламские мечети и минареты, сохраняющие канонический облик, встречаются в разных городах России. Крупнейшие российские музеи владеют коллекциями восточных сокровищ, хранящих память о таланте средневековых мастеров. Глубина мысли и тонкость чувств не раз привлекали внимание русских писателей к персидской классической поэзии. Собирательный образ «русского Востока» воплотила музыка гениальных композиторов: М.И. Глинки (Персидский хор из оперы «Руслан и Людмила»), А.П. Бородина (симфоническая картина «В Средней Азии»), Н.А. Римского-Корсакова (симфоническая картина «Шехеразада»). 92 ВОПРОСЫ И ЗАДАНИЯ 1. На каких языках создавались памятники письменности и литературы в странах мусульманского Востока? 2. Расскажите, когда и где зародился ислам. Как повлиял ислам на формирование художественной культуры? 3. Какие тексты содержит Коран? Почему его почитают мусульмане? Кто из русских поэтов обращался к кораническим стихам? 4. Каковы канонические установки, служащие ориентирами исламской архитектуры? Расскажите о мечетях и минаретах. 5. Почему орнамент получил в исламском искусстве столь глубокое развитие? Что он выражал? 6. Как относились в мусульманском мире к музыкальному искусству? Что такое макам? 7. Какой смысл вложил поэт «серебряного» века Н.С. Гумилев в свои стихи «Персидская миниатюра»: Когда я кончу наконец Игру в cache-cache со смертью хмурой, То сделает меня Творец Персидскою миниатюрой. 8. Охарактеризуйте памятники мавританского искусства, которые вам запомнились. 9. Составьте сообщение о поэзии Рудаки, Фирдоуси, Хаяма, Саади, Хафиза и Низами. 10. Расскажите о высокоразвитом декоративно-прикладном искусстве мусульманского Востока. Сохранилась ли эта традиция в наши дни? 11. Почему в художественной культуре мусульманского Востока ценилась книжная миниатюра? 93 шк\ш1' li...........II РАЗДЕЛ II ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА ЕВРОПЫ: СТАНОВЛЕНИЕ христианской ТРАДИЦИИ [||^1 ■Р ||№> Pi р!' Р |№> Wm^t , 1-Щ1' Тема 6 Античность: колыбель европейской художественной культуры Наша страна не погибнет вовеки по воле Зевеса И по решенью других присно-блаженных богов. Ибо хранитель такой, как благая Афина-Паллада Гордая грозным отцом, длани простерла над ней. Солон Я виделдревний Рим: в развалине печальной И храмы, и дворцы, поросшие травой, И плиты гладкие старинной мостовой, И колесниц следы под аркойтриумфальной, И в лунном сумраке, с гирляндою аркад. Полуразбитые громады Колизея... А.Н. Майков Художественная культура Античного мира Античной (от лат. «антикус» — древний) назвали греко-римскую цивилизацию итальянские гуманисты эпохи Возрождения как самую раннюю из известных им. Название это сохраняется и поныне, что позволяет в художественной культуре народов мира точно определить истоки европейской культуры. Рожденная на сравнительно небольшом пространстве земли в бассейне Средиземного моря античность осталась вечной школой европейского искусства, непревзойденным образцом художественной образности, воплотившей обожествленную красоту. Эллинский мир шел своим путем в поисках ответа на вопросы о происхождении мироздания, смерти и бессмертии, добре и зле. Переломный момент от первобытного состояния к древнегреческой цивилизации ознаменовался рождением мифологии. В мифах греки впервые запечатлели священный характер порядка земного бытия и противопоставили ему иррациональные силы демонических стихий. В образной форме это извечное вселенское борение гармонии и хаоса передают сказания о борьбе богов с титанами, темными силами, порожденными Матерью-землей. Боги одержали победу и навечно поселились в мифологической небесной резиденции верховных греческих повелителей — на Олимпе. Божества греческого пантеона ничем не отличались от людей, их жизнь протекала в войнах, интригах, соперничестве... И только бессмертие, поддерживаемое волшебным напитком, давало им власть над деяниями человека, над его настоящим и будущим. Религиозная мысль древних греков не выдвинула четких этических принципов, и мифы не учили морали. Нравственное начало в поступках олимпийцев было столь сомнительным, что со временем они стали вызывать насмешки. И все же культ богов-оракулов был очень силен, и нигде в мире не было столь развито искусство предсказаний судьбы, как в античном обществе. Оракулы были неизменными спутниками и простых людей, и царей. Впрочем, сама античная религия была удивительно материалистической, посюсторонней. Здоровье, богатство, благополучие — вот единственное и высшее благо для человека! 96 Тема 6 Зевс — бог-громовержец, владыка Олимпа, Посейдон — властитель морей, Афина — богиня мудрости и справедливой войны. Гефест — бог огня, Аполлон — покровитель искусства, целитель и прорицатель и многие другие небожители обрели в мифологии свои биографии, а в искусстве — вполне конкретный облик. Так воплотилась извечная наивная мечта человека о победе над стихийными силами природы и смертью. Здесь скрыта важная «тайна» той радостной искренности, что наполняла античное искусство. Стирание граней между «человеческим» и «божественным» породило ощущение гордого возвышения людей над стихиями, вызвало стремление увековечить в художественных произведениях высшую красоту (идеал), более совершенную и гармоничную, нежели та, что явила природа. Этот внутренний духовный подъем Софокл определил так: «Много в природе дивных сил, но сильней человека нет». Однако победа богов-олимпийцев над силами хаоса не была окончательной. Боги не рискнули посягнуть на Мать-прародительницу, верховная власть над людьми и их судьбами осталась за ней. Тщетны попытки преодолеть неведомый рок, нельзя избежать предначертанного судьбой — это мистическое чувство пронизывает всю древнегреческую мифологию. Фатализм неотделим от художественных образов античного искусства, и первым провозвестником скорбного мироощущения был творец древнегреческого эпоса Гомер, воскликнувший: Меж существами земными, которые дышат и ходят, Истинно в целой Вселенной несчастнее нет человека!.. В истории античной художественной культуры выделяют несколько этапов. Это гомеровская Греция (XI—VIII вв. до н. э.), архаика (VII— VI вв. до н. э.), классика (V—IV вв. до н. э.), эллинизм (IV—I вв. до н. э.), а также республиканский Древний Рим (V—I вв. до н.э.) и императ^орский Древний Рим ( I—V вв. н. э.) Была у этой культуры и своя «предыстория», и свои еще более древние корни. В марте 1900 г. служащий английского Оксфордского музея Артур Джон Эванс начал раскопки на острове Крит., научные результаты которых имели исключительное значение для исследования культуры, о существовании которой имелись лишь предположения на основании всем известных древнегреческих мифов. Греки не случайно воспели остров Крит. Здесь родился Зевс. На остров, приняв образ быка, он до- 97 Художественная культура Античного мира ставил похищенную красавицу Европу. С Крита взмыл в поднебесье Икар, но, приблизившись к солнцу, упал в море, так как воск, скреплявший искусно сделанные Дедалом крылья, растаял. Сегодня установлено, что эгейская (или крит^о-микен^ая) культура (Ш—П тыс. до н.э.), расцветшая на островах и побережьях Эгейского моря (остров Крит, города Микены, Тиринф, легендарная Троя, воспетая Гомером), была своеобразным мостиком, связавшим древнейшие восточные с античностью. Самый знаменитый памятник эгейской художественной культуры — Кносский дворец — комплекс построек, сгруппированных вокруг большого внутреннего двора на острове Крит. Дворец — словно иллюстрация к греческому мифу о кровожадном получеловеке-полубыке Минотавре, которого победил Тесей. «Настоящий лабиринт» — так назовет это сооружение каждый, кто его увидит. Части дворца расположены на разных уровнях, между собой они причудливо соединены лестницами и коридорами, уходящими под землю. Поражаясь замысловатости такого сооружения, невольно веришь, что выйти из этих запутанных помещений можно только с помощью спасительного клубка ниток, некогда данного Тесею влюбленной в него дочерью критского царя Миноса Ариадной. Стены Кносского дворца покрыты яркими прихотливыми фресками. В них воссоздано разнообразие жизни — торжественные процессии, ритуальные танцы, прыгающие через быка акробаты, выслеживающая фазанов кошка, плавающие среди причудливых водорослей рыбы. В пестром, красочном мире критской живописи особенно выделяются женские образы, получившие от их первооткрывателя Эванса меткие имена — «Дамы в голубом», «Парижанка». Некоторые из фигур (например, так называемый «Царь-жрец») напоминают египетские творения. Но за внешним сходством (плоскость, декоративная условность) угадывается совершенно иной художественный стиль, наполненный ощущением радости бытия, — прообраз греческого искусства. Критское царство погибло в конце XV в. до н. э. В это время художественная культура Микен уже достигла своего величия и расцвета. Согласно «Илиаде» Гомера Микенами некогда управлял царь Агамемнон, тот самый, что воевал с царем Приамом — властителем Трои. Честь открытия этих городов в XIX в. принадлежит немецкому археологу Генриху Шлиману. 98 Тема 6 Царь-жрец Циклопические стены Памятники культуры, обнаруженные в Микенах, отличаются от критских сооружений своей суровостью и мощью. Дворцы Микен и Тиринфа возводились на высоких холмах. Они обносились толстыми стенами, сооруженными из грубо отесанных камней. Современные ученые нарекли их «циклопическими». Гомер же называл Микены «златообильными». Следуя гомерову тексту, Шлиман открыл в микенских царских могилах сокровищницу с грудой изделий из серебра и золота, поражающих тонкой ювелирной работой. Быть может, эти богатства принадлежали самому царю Агамемнону? Несколько веков отделяют эгейскую культуру от эпохи Гомера. Слышу умолкнувший звук божественной эллинской речи, Старца великого тень чую смущенной душой... Эти пушкинские строки родились не случайно. Основу «божественной эллинской речи» действительно заложили две поэмы легендарного слепого аэда (певца-сказителя) Гомера — «Илиада» и «Одиссея». Они были созданы приблизительно в IХ—VIП вв. до н. э., записаны же 99 Художественная культура Античного мира несколько столетий спустя. В основе «Илиады» рассказ о событиях, связанных с походом греческого племени ахейцев против Илиона (Трои). В «Одиссее» говорится о необычайных и фантастических приключениях Одиссея и его товарищей, возвращавшихся после победы над Троей в родную Итаку. Повествование Гомера течет медленно и обстоятельно. Но за бесстрастным на первый взгляд текстом скрывается народная мудрость, оценить которую по достоинству удалось последующим поколениям. «Воспитателем Греции» назвал Гомера философ Платон. Своеобразной «литературной программой» культуры античного мира можно считать гомеровские сочинения, художественная красота которых бессмертна. Архаика (от греч. «архайос» — древний) — следующий чрезвычайно продуктивный этап развития древнегреческого искусства. В архаическом художественном творчестве пробудились многие наиболее ценные черты античной культуры. Развитие городов-государств с их рабовладельческой демократией привело к расцвету архитектуры, создатели которой устремились к поиску гармонии, соразмерности, упорядоченности. «Ордер» (порядок, строй) — так назвали римляне ту систему, что родилась в архаических архитектурных сооружениях. В узком значении слова под ордером подразумевается тип соотношения колонны (несущей части здания) и лежащего на ней перекрытия — антаблемента (несомой части). Первоначально сложились два ордера — дорический и ионический. Дорический воплощал образ силы, строгости, мужества; ионический — легкость, нарядность, женственность. Несколько позднее, в период классики, возник коринфский ордер: стройные колонны, увенчанные пышной «корзинкой»-капителью с растительным орнаментом. Ордерная система впервые воплотилась в каменных храмах, которые обычно входили в комплекс культовых зданий — святилищ. Древнейшим из них является святилище Аполлона в Дельфах. Здесь находился оракул — место, откуда провозглашались пророчества жрецов. Храм, возводимый на земле, строился не для людей — по верованиям древних греков в нем обитал сам бог, покровитель города. Поэтому возводили святилища либо в центре городской застройки, либо на акрополе — возвышенной верхней части города. Классический греческий храм имел прямоугольную в плане форму, края которой были обнесены колоннами в один ряд (периптер) или два ряда (диптер). Со 100 Тема 6 времен архаики в храмовом строительстве ценились строгая простота, благородство линий и гармония целого. Самым главным в изобразительном искусстве архаики стало открытие человека — носителя природной красоты. Скульптура пережила подлинную революцию. В ней был найден новый, небывалый в иных древних культурах идеал — здоровое человеческое тело. Этот образ воплотился в статуях куросов — так называли обнаженных мускулистых юношей, изображенных стоя. Облик куросов излучает здоровье и жизненную энергию. Правда, ранние работы отличаются некоторой статичностью. Они говорят о том, что все усилия художников были направлены прежде всего на овладение анатомией человека. Два небольших штриха крайне важны для понимания нового стиля: куросы обычно изображались идущими, а их лица озарены «архаической улыбкой» — символом искренней радости, убедительным свидетельством мироощущения народа, уверенно смотрящего в будущее. Позднее в Афинах появились коры — статуи женщин с той же загадочной улыбкой, одетых в нарядные платья. Судить о мастерстве античных художников принято на основании вазописи (росписи сосудов), составляющей вполне самостоятельную страницу в истории античной культуры. Греческие вазы были многообразны по формам и размерам, так как предназначались для самых разных вещей — вина и масла, воды и благовоний. Развитие вазописи шло от отвлеченно-декоративных рисунков (геометрический стиль орнамента) к сложным композициям, имевшим свой сюжет. В период архаики наибольшим успехом пользовалась так называемая чернофигурная вазопись: изображение черных лаковых фигур на красном фоне. Состав греческого черного лака, изобретенный мастерами Аттики в первой половине VI в., до сих пор не разгадан. Среди выдающихся творцов чернофигурной вазописи сохранилось имя Экзекия, умевшего украсить гончарное изделие двумя крупными и изысканными сюжетными сценами. Шедевром чернофигурного стиля считается знаменитая «ваза Франсуа», созданная гончаром Эрготимом и расписанная Клитием. В ее росписях насчитывается более 120 фигур, представленных в сценах из греческой мифологии и гомеровского эпоса. В 30-х гг. VI в. до н. э. в искусстве вазописи на смену черным росписям пришли краснофигурные изображения, выполненные на черном 101 Художественная культура Античного мира Чернофигурная амфора Краснофигурная амфора 102 фоне. На одной из краснофигурных амфор этого времени сохранилась надпись: «Эвти-мид расписал, как Эвфроний никогда бы не смог». Так «переписывались» друг с другом два самых крупных мастера, представлявших соперничавшие школы. К началу классического периода вазописцы научились изображать человеческое тело, причем анатомически точно и убедительно. Эти достижения говорят о высоком развитии античной живописи, к сожалению, не дошедшей до наших дней. С V в. до н. э. начинается классически, этап в развитии художественной культуры Эллады. Расцвет античной классики обычно связывают с укреплением могущества греческого общества, его демократией, процветанием полисов, особенно Афин. Все это так, однако «не хлебом единым жив человек»! В основе культурного подъема лежала глубокая, напряженная работа мысли античных философов, поставивших под сомнение мифологические народные верования, устремившихся к обоснованию духовной сущности человека и единого верховного принципа существования Вселенной. Среди блистательных представителей древнегреческой философии — Сократ (ок. 470—399 г. до н. э.). «Я знаю, что ничего не знаю» — знаменитое сократовское изречение некогда возмутило спокойствие самоуверенных афинских граждан. Беседуя с молодежью, этот коренастый курносый человек с огромным лбом, указывающим на могучий интеллект, развенчивал ходячие «истины», показывал их обманчивую эфемерность. Сократовское «богословие» очень близко библейскому учению. Философ исповедовал веру в высшее благо, в небесный промысел, поскольку Бог есть доб- Тема 6 ро. Сократ был уверен, что в человеке воплощено божественное начало, которое открывает ему путь к творчеству, к радостной, разумной, гармоничной жизни, к самопознанию. Нашлись люди, подавшие на мудреца в суд с обвинением в порче молодежи и богохульстве. Независимое поведение Сократа на суде вызвало еще большее озлобление толпы — жители Афин приговорили неповинного проповедника добра к смерти. Неслучайно Сократа стали называть «первым христианином до Христа». «Творения философов значительно позднейших давно уже пожелтели и высохли, спал их нарядный убор и стоят перед сознанием оголенные их схемы, как мерзлые деревья зимой. Но живы и будут жить притрепетные Диалоги Платона. И нет такого человека, который хотя бы одно время жизни своей не был платоником. Кто ведь не испытал, как растут крылья души?» — так сказал о трудах Платона, ученика Сократа, выдающийся русский мыслитель о. Павел Флоренский. Судьба Платона (427—347 гг. до н. э.) сложилась гораздо более счастливо. К 40 годам он был уже знаменит и сумел создать свою школу, расположив ее в роще, некогда названной именем героя Академа. С того времени и в течение многих веков стали приходить в платоновскую Академию люди, жаждущие духовных знаний. Среди них Аристотель, Плутарх, Василий Великий, Григорий Богослов... В чем же притягательность учения Платона? Мудрец полагал, что человек в своем земном обличье принадлежит двум мирам. Главное его начало — душа, управляющая телом и уходящая после смерти в подобное ей самой место, — божественное, бессмертное, разумное. Провозгласив, что видимое бытие имеет прообраз в невидимом мире, Платон сделал открытие, которое стало важнейшим импульсом развития европейской философской мысли. Религиозные и нравственные идеи великих мыслителей совпали с первыми попытками их художественного обобщения. В V в. до н. э. о самых сложных вопросах человеческой жизни заговорил театр — молодая античная трагедия. Древнегреческий теат^р родился задолго до эпохи классики. С незапамятных времен почитали греки бога виноградной лозы и вина Диониса. В его честь устраивались праздники, сопровождаемые играми, танцами, пением торжественных гимнов (дифирамбов). При этом люди рядились в козлиные шкуры, изображая спутников Диониса — козлоногих сатиров. Культ Диониса вырос на почве стремления уйти от 103 Художественная культура Античного мира жизненных проблем, слиться с природой. Песни и пляски среди лугов и лесов нередко доводили людей до болезненного исступления — дионисийского экстаза, в состоянии которого человек чувствовал себя освобожденным от нравственных норм поведения и мук совести. Парадоксально, но трагедия (само слово означает «песнь козла»), генетически связанная с оргиями Диониса, прежде всего отринула дионисийское начало. Она обратилась к темам и сюжетам, раскрывавшим сложные духовные проблемы, рассказывавшим о скорбях и несчастьях человека. Наивысшего расцвета античная трагедия достигла в V в. до н. э. в творчестве трех афинских драматургов — Эсхила, Софокла и Еврипида. Созданный ими театр стал для жителей Эллады и трибуной, и книгой, «читая» которую люди испытывали катарсис — очищение через страдание. Старший из великих поэтов-драматургов, «отец трагедии» Эсхил (524—456 гг. до н.э.), по данным различных древних источников, создал 72 или 90 пьес. Он пользовался заслуженной славой и еще при жизни удостоился памятника в Афинах. До нас дошли семь его сочинений, сюжеты которых взяты, как правило, из мифологии. В центре творчества Эсхила трилогия о титане Прометее, дерзнувшем похитить у Зевса огонь и принести его людям. Первая из пьес не сохранилась. Вторая — «Прикованный Прометей» — рассказывает о том, как Зевс, не властный убить титана, приговорил его к вечной пытке. Сила духа Прометея столь велика, что он дерзнул бросить гордый вызов властителю Олимпа: Знай хорошо, что я б не променял Своих скорбей на рабское служенье... Окружив божественным ореолом того, кто не пожалел себя во имя спасения людей, Эсхил взывает к мужеству, справедливости, человеческому достоинству. Младший современник Эсхила, трагик Софокл (497—406 гг. до н. э.) посвятил свою музу страстной проповеди нравственных норм жизни, предрекая неминуемую кару каждому за нарушение «божеских законов» и воли богов. Трагедия «Царь Эдип» воскрешает древнее фиванское сказание о правителе, уважаемом и любимом народом, который волею рока и по незнанию оказался убийцей родного отца и мужем собственной матери. В конце пьесы обезумевший Эдип, переживший ужас открытия страшной тайны своего рождения и смерть жены-матери, выкалывает 104 Тема 6 себе глаза и погружается в вечную тьму. Страдание делает царя настолько внутренне прекрасным, что зрители плачут вместе с ним над его несчастной судьбой. Финал трагедии рождает катарсис — душевное очищение. Еврипид (480—406 гг. до н. э.), подобно Софоклу, вкладывает в уста своих героев рассуждения о нравственном долге и общественном благе. Лучшая из дошедших до нас трагедий — «Медея» — показывает непредсказуемость деяний человека, раздираемого страстями и враждующего с окружающим миром. Из Дионисовых сельских празднеств с шуточными песнями и плясками родился еще один жанр античного театра — комедия, основоположником которой принято считать Аристофана (446—385 гг. до н. э.). На первый взгляд его творения кажутся непритязательными фантазиями и сказками, где все происходит совсем не так, как в жизни. Персонажи пьес совершают невероятные с позиции здравого смысла поступки. Но за всей этой суетой зритель ощущает идею комедии — осмеять уродливые стороны действительности. Из 40 сочинений Аристофана до нас дошло 11 пьес, блещущих остроумием и замечательной выдумкой. Содержание многих из них связано с конкретными историческими событиями. В комедиях «Всадники», «Мир», «Лисистрата», «Птицы» комедиограф подвергает беспощадной критике войну, которую вели афиняне против Спарты. Рождение античных трагедии и комедии совпадает с расцветом зодчества и ваяния, где зримо воплотились идеи возвеличивания человека и его безграничных творческих возможностей. В истории этих видов искусств принято выделять раннюю, высокую и позднюю классику. Наибольшее распространение в архитектуре в период ранней классики получают храмы дорического ордера. Самым известным памятником этой эпохи является храм Зевса в Олимпии (468—456 гг. до н. э.). В древности греки вели летоисчисление на основании регулярных спортивных состязаний — олимпийских игр, получивших свое название от города Олимпии на Пелопоннесе. (Позднее, в Средние века, грандиозные спортивные сооружения были разрушены, и только во второй половине XIX в. археологам удалось открыть олимпийский комплекс, включающий храмы, алтари, портики, стадионы.) В результате раскопок в Олимпии было найдено огромное количество памятников искусства. Но, несомненно, самая значительная находка — метопы (плиты 105 Художественная культура Античного мира фриза дорического ордера) храма Зевса, составляющие скульптурный цикл, повествующий о двенадцати подвигах Геракла. В святилище Зевса находилась и его знаменитая статуя работы Фидия, выполненная из золота, слоновой кости и дерева. Некогда она считалась одним из семи чудес света. Сегодня же среди шедевров высокой античной классики таким чудом света предстает афинский Акрополь (V в. до н.э.). Для Афин он был тем же, чем в более позднее время кремль для городов Древней Руси — символом независимости, оплотом веры, убежищем на случай военной опасности. Главная святыня города была заново отстроена после победы над персами по велению стратега (главнокомандующего) Афин Перикла (ок. 490—429 гг. до н.э.). В строительстве участвовали несколько архитекторов, но главным среди них был гениальный мастер Фидий. В облике Акрополя воссоздан художественный идеал, отражающий дух высокого и благородного эллинизма. Гордо вознесшись над окружающим миром, этот архитектурно-скульптурный ансамбль поражает свободной живописной планировкой зданий при сохранении единства композиции всего комплекса. Он прославляет волю и интеллект человека, его способность творить стройный порядок и красоту в хаосе природы. В ансамбль афинского Акрополя входит несколько мраморных сооружений. Над крутым склоном холма воздвигнуты знаменитые Пропилеи, торжественно предваряющие вход на Акрополь. На выходе из Пропилей возвышался 17-метровый колосс Афины Промахос (Афины-воительницы), изваянной Фидием. Главный храм Акрополя — Парфенон — совершеннейшее творение архитекторов Иктина и Калликрата при руководстве Фидия. Образ Парфенона поражает безупречной ясностью и простотой. Созданный в дорическом стиле, храм окружен легкими колоннами (восемь по фасадам и семнадцать по боковым сторонам); стройность и соразмерность частей и целого в этом огромном сооружении кажутся идеальными. Следует добавить, что в древности для афинян Парфенон не только олицетворял религиозную идею, но и был символом торжествующей демократии: по преданию, небожительницу Афину греки почитали первой гражданкой города и сами избрали ее своей покровительницей. В главном зале храма находилась 12-метровая статуя Афины Парфенос (Афины-девы), выполненная Фидием из дерева, покрытого слоновой костью и золотом. Сохранившиеся скульптуры Парфенона и их копии свидетельствуют о роскоши 106 Тема 6 убранства храма. Это — подлинные шедевры, утверждающие неисчер-паемсть творческих сил и достоинство человека. Скульптуры Парфенона были сделаны Фидием и его учениками. К сожалению, уцелели немногие из этих созданий, но даже искалеченные временем и людьми памятники являют собой высокий взлет человеческого гения и кладезь мудрости. Девяносто две наружные метопы Парфенона были украшены мраморными рельефами. Какое разнообразие мифологических сюжетов и образов представлено здесь! Композиции передают живое чувство веры в силу красоты, в победу человеческого разума над стихиями. Каждое существо, застывшее в камне, наделено внутренней эмоционалльностью и возвышенным благородством. Судьба оказалась несправедливой к главному творцу Акрополя — Фидий был обвинен в хищении части золота, предназначенного для статуи Афины, и изгнан из города (вскоре его невиновность была доказана). Но имя мастера навечно вошло в мировую художественную культуру. Преклонение перед творческим гением Фидия образно выразил римский поэт Филипп Фессалоникский: Бог ли на землю сошел и явил тебе, Фидий, свой образ, Или на небо ты сам, бога чтоб видеть, взошел? На первом выступе скалы к Пропилеям прилегает храм Ники Апте-рос (Бескрылой Победы). Афиняне решили навечно сохранить победу в городе и поэтому лишили богиню крыльев. Небольшой храм со стройными ионическими колоннами отличается легкостью и изяществом. К сожалению, отношение к наследию художественной культуры не всегда бывает благоговейным. Так, в конце XVII в. в Парфеноне был устроен пороховой склад, который взорвался от случайного снаряда во время войны турок с Венецией. В начале XIX в. английский посланник, подкупив турецкие власти, снял с Парфенона почти все уцелевшие после взрыва украшения, выломав при этом часть знаменитого фриза... Ныне фронтонные изваяния хранятся в Британском музее в Лондоне. Подлинники греческой скульптуры — большая редкость. Большинство памятников, первоначально выполненных в бронзе, сохранилось в мраморных римских копиях. Начало классической эпохе было положено в работах скульптора Мирона, работавшего в середине V в. в Афинах. Его бронзовый Дискобол, в котором мастер сумел передать стремительность 107 Художественная культура Античного мира движения прекрасного юноши в момент броска диска, оказал большое влияние на развитие античного изобразительного искусства. Современник Фидия Поликлет, творивший в Аргосе (Пелопоннес) работал над воплощением образа человека в состоянии покоя или идущего. Мастер задался целью точно определить пропорции человеческой фигуры. Путем вычислений он пришел к выводу, что, в частности, соотношение головы и тела выражается в формуле 1 : 7. Систему выведенных правил Поликлет изложил в трактате «Канон» и блестяще претворил свои теоретические выкладки на практике. Самая прославленная скульптура мастера — Дорифор (Копьеносец), в которой запечатлен мускулистый юноша в торжественно-медленном движении. В эпоху поздней классики выдвинулись три великих ваятеля — Скопас, Пракситель и Лисипп (IV в. до н. э.). Творчество Скопаса открыло в искусстве скульптуры трагический и драматически-на-сыщенный мир. Мастер родился на острове Парос, где добывали мрамор. Из паросского мрамора сделаны почти все его работы, известные по римским копиям. Скульптор передавал в своих творениях сложные, страстные чувства. Глубокое впечатление оставляет его Менада (Вакханка) — спутница Диониса, неистовая танцовщица. Этой работе поэт Главка посвятил выразительные строки: Камень паросский — вакханка. Но камню дал душу ваятель, И, как хмельная, вскочив, ринулась в пляску она. Поликлет. Дорифор 108 Тема 6 Эту фиаду создав, в исступленье, с убитой козою, Боготворящим резцом чудо ты сделал, Скопас. Творения Праксителя часто сравнивают с музыкой Моцарта, они проникнуты чистой и ясной гармонией. Огромное мастерство обнаруживает скульптор в мраморной группе «Гермес с Дионисом». Но, пожалуй, самая знаменитая его работа — Афродита Книдская (ок. 350 г. до н. э.), вызвавшая немало повторений в последующие времена. В ней впервые воссоздан новый идеал красоты, пленяющий гармонией форм обнаженного женского тела. Лисипп, придворный ваятель Александра Македонского, всем материалам предпочитал бронзу. Излюбленные темы мастера связаны с воплощением мужских образов, в которых он достиг высокого реализма и индивидуализации. Юноша, после спортивных состязаний счищающий скребком со своего уставшего тела песок, — таков достаточно обыденный сюжет скульптуры «Апоксиомен». Не момент наивысшего напряжения, а расслабленное состояние своего героя с глубокой правдивостью передает мастер. Лисиппу принадлежит несколько портретов Александра Македонского, воплотивших внутренний мир сложной, словно сотканной из противоречий личности полководца. Поэт Аскле-пиад Самосский откликнулся на одну из этих скульптур эпиграммой: Полный отважности взор Александра и весь его облик Вылил из меди Лисипп. Словно живет эта медь! Кажется, глядя на Зевса, ему говорит изваянье: «Землю беру я себе, ты же Олимпом владей». В правление Александра Македонского (356—323 гг. до н. э.) греческая культура начала распространяться на регионы, покоренные великим завоевателем: наступала эра эллини^зма. Правда, монархия Александра просуществовало недолго: к концу IV в. до н. э. на развалинах некогда могучей империи возникли новые деспотические государства. Эпоха эллинизма вошла в историю как пора расцвета научного знания. Появляется плеяда выдающихся ученых, среди которых гениальные Архимед и Эвклид; развиваются философия и история, создаются библиотеки и музеи. Два грандиозных архитектурных памят- 109 Художественная культура Античного мира Лаокоон Ника Самофракийская 110 ника эллинистического времени отнесены к семи чудесам света. Это Колосс Родосский — статуя бога солнца Гелиоса высотой 30 м (292—280 гг. до н. э.) и Фаросский маяк, вознесшийся у входа в гавань Александрии на высоту 120 м. Огонь маяка мореплаватели видели на расстоянии более 100 миль. Образный мир искусства эллинизма запечатлел новые для античности эмоциональные состояния человека — страстный порыв, экспрессивное стремление к движению и полету. В 180—160 гг. до н. э. в Пергаме (Малая Азия) был возведен алтарь Зевса. Расположенный на Акрополе, он представлял собой здание с колоннами в виде буквы П, к которому вела огромная лестница. Высокое основание подиумов было опоясано лентой скульптурного фриза, где изображалась битва бо-гов-олимпийцев с гигантами — аллегория сражения эллинов с варварами. Обломки этого бесценного фриза сохранились и ныне находятся в Пергамском музее в Берлине. Горельефы (рельефы, выступающие над плоскостью), порой переходящие в круглую скульптуру, изображают картины беспощадного боя не на жизнь, а на смерть. Образы участников сражения отмечены необычайной динамичностью. Скульптура запечатлела богатейший спектр внутренних состояний героев — от гнева и отчаяния до страдания и предельного напряжения сил. Необычная мощь победите-лей-богов и побежденных гигантов заставляет задуматься о слабости человека перед лицом грозных сил, правящих Вселенной. На самом восточном острове архипелага Эгейского моря — Родосе во II—I вв. до н. э. родилась прославленная школа ваяния. Сим- Тема 6 волом ее высоких достижении является скульптура «Лаокоон», выполненная Агесан-дром, Полидором и Афинодором около 40 г. до н. э. История гибели троянского жреца Ла-окоона и двух его сыновей восходит к эпизоду «Одиссеи» Гомера. В скульптурной группе запечатлен страшный миг борьбы троянцев с двумя гигантскими змеями, выплывшими из моря по велению Афины. Ужасные муки гибнущих героев переданы в пластичной форме с несколько преувеличенной патетикой, что характерно для позднего эллинизма. Возможно, на Родосе было создано не менее знаменитое, хотя и совершенно иное по духу творение — статуя Ники Самофракийской, ныне украшающей Лувр. Голова богини не сохранилась, но живая выразительность камня позволяет домыслить образ в его целостности. Высеченная из мрамора в развевающихся на ветру одеждах богиня некогда стояла на скале над морем. Ее пьедестал изображал нос морского корабля. Взмахнув могучими крыльями, Ника устремлена ввысь, к небу, к победному стремительному полету. Афродита с острова Мелос — одна из немногих античных скульптур, найденная неповрежденной, но при споре французов с англичанами за обладание статуей руки ее были утеряны. Сегодня ее знает весь мир как Венеру Милосскую; имя ваятеля известно лишь приблизительно — Александр или Агесандр, работавший в Малой Азии в конце II в. до н. э. Полуобнаженная богиня — отзвук великих традиций классики, отдаленный отклик на образ Афродиты Праксителя. Чистый, величавый в своей пленительной женственности, Венера Милосская 111 Художественная культура Античного мира идеал вечной красоты! Среди моря поэтических строф, посвященных Венере Милосской, есть стихи и русских авторов, к примеру А.А. Фета: И целомудренно и смело, До чресл сияя наготой, Цветет божественное тело Неувядающей красой. Под этой сенью прихотливой Слегка приподнятых волос Как много неги горделивой В небесном лике разлилось! В античном мире, конечно же, звучала муз^1ка, истоки которой уходят во II тыс. до н. э. Настенные росписи Крита и Микен сохранили изображения танцующих и поющих людей, игру на музыкальных инструментах. Греческая мифология насыщена историями о судьбах музыкантов — Олимпе, Орфее, Фамириде, Марсии... В гомеровских поэмах также встречаются упоминания то хороводных песен рабов, то «брачных песен», то похоронных плачей (например, плач Андромахи по Гектору). Древнейшими музыкантами-профессионалами были аэды — поэты, композиторы и певцы. Они исполняли свои эпические сказы, написанные гекзаметром (шестистопным стихотворным размером) под аккомпанемент формингса (форминга) — инструмента типа лиры, струны которого натягивались поперек выделанного черепашьего щита. Музыкантов любили изображать греческие вазописцы. Нередко они очень точно фиксировали, как выглядели музыкальные инструменты: авлос, кифара, лира, псалтерий, тимпан, кимвалы. Среди древнегреческих учений о музыке выделяется теория Пифагора (VI в. до н.э.), услышавшего в земных звуках отражение гармонии космоса. В отличие от других видов художественного творчества, музыкальное наследие античности до нас не дошло. Судить о том, какой была музыка древних греков можно лишь на основе мелодических отрывков, которые с трудом поддаются расшифровке (звуки обозначены сложным сочетанием букв). Но есть и исключение, позволившее хотя бы на мгновенье «озвучить» умолкнувший древнегреческий мир. Это — пифийская ода поэта Пиндара (V в. до н. э.), высеченная на его могильной плите. 112 Тема 6 Театральные представления в Древней Греции проходили под открытым небом, публика сидела на ступенях амфитеатра, сооруженного в естественной выемке холма. У подножия амфитеатра располагалась круглая площадка — орхестра, которая была предназначена для хора — важнейшего «действующего лица» трагедии. Певческий коллектив, принимавший участие в спектакле, предварительно отбирался во время состязаний хоров разных полисов, проходящих публично (своего рода «олимпийские игры» музыкантов). В ходе театрального действия хор активно вмешивался в ход событий, комментируя происходящее на сцене и возвещая волю богов. В конце I в. до н. э. ведущую роль в античном мире приобретает римская художественная культура. Римская держава, границы которой простирались с запада от Гибралтара до Индии на востоке и с севера от Британских островов до Африки на юге подчинила и эллинские страны. Первоначально завоеватели греческих владений вели себя как варвары, видя свое предназначение лишь в укреплении собственного владычества над иными народами. Вергилий (70—19 гг. до н. э.) в одной из песен своей героической поэмы «Энеида» формулирует то главное, что, по его мнению, является заслугой Рима: Выкуют тоньше другие пусть изваянье из бронзы, Или сумеют создать из мрамора лики живее, Красноречивей вещают в судах, или движения неба Вычислить смогут точнее, дадут названия звездам. Ты же, о Рим, научись народами править державно, В этом искусства твои — назначать условия мира, Милость являть покоренным, смирять войной непокорных. Лишь со временем римляне стали осознавать ценность греческой культуры, а себя — ее преемниками. Об этом — стихи другого римского поэта и философа Сенеки (4 до н. э. — 65 гг. н. э.) Греция, скошена ты многолетней военной бедою, Ныне в упадок пришла, силы свои подорвав. Слава осталась, но счастье погибло, и пепел повсюду, Но и могилы твои так же священны для нас. Миропонимание римлян, при сохранении многобожия, аналогичного греческому (греческие боги получили новые римские имена), бы- 113 Художественная культура Античного мира ло более светским и прагматичным, далеким от возвышенной поэтичности, которой пронизано искусство классики или эллинизма. Обращенность к человеку, поиски красоты и гармонии, которые составляют суть греческого художественного творчества, в римской культуре уступили место возвеличиванию власти диктаторов и прославлению военной мощи империи. Это породило самодовлеющую масштабность и склонность к внешним эффектам — традиционным качествам римского искусства. Хронологические рамки истории художественной культуры Древнего Рима не ограничены античностью и охватывают огромный период. Ее истоки — в искусстве итальянских племен и могущественных этрусков, населявших в I тыс. до н. э. северо-западную часть Апеннинского полуострова. Вероятно, по имени одной из знатных этрусских семей Рума был назван город Рим. И все же истинные сведения о происхождении Вечного города уступают место знаменитой легенде о волчице, вскормившей первых ее граждан — Ромула и Рема. Центром Рима с древних времен был Капитолий — один из семи священных холмов. Здесь стояла знаменитая Капитолийская волчица — прародительница римлян, сделанная этрусским мастером в V в. до н. э. В это время начинается порабощение этрусков и укрепление новой римской государственности. Расцвет римской художественной культуры приходится на первые два века нашей эры. Постоянный приток памятников из завоеванных стран на протяжении предшествующих столетий изменил эстетические вкусы и потребности римлян. Греческое искусство стало образцом для подражания. Высшие достижения художественной культуры Древнего Рима являет его архитектура. Древнеримские развалины покоряют своей мощью и грандиозными размерами. Римские города развивались в соответствии с потребностями населения процветающей и богатой страны. Общественная жизнь римлян протекала в форуме — площади, служившей центром торговли, ареной политических диспутов, народных собраний и религиозных церемоний. В архитектурный комплекс форума входили храмы, базилики (судебные или торговые здания), рынки. Форумы украшались скульптурой. Самым древним из подобных сооружений был республиканский форум Романум (VI в. до н. э.), расположенный между тремя холмами — Палатином, Капитолием и Эсквилином. Позднее в непосредст- 114 Тема 6 Руины Форума Цезаря венной близости один за другим выросли императорские форумы, в основе которых лежала идея незыблемости государственного порядка. Каждый форум — огромная территория, достигавшая 80—90 тыс. кв. м; центральную площадь украшала конная статуя императора, а в глубине перспективу закрывала мощная громада храма. Первым по указанию Юлия Цезаря был воздвигнут форум его имени (между 56—54 гг. до н. э.). Затем 115 Художественная культура Античного мира Восточный фасад Арки Тита Колизей возникли форумы Августа, Веспасиана (называемый также форумом мира), Нервы, Траяна и других императоров. Пожалуй, наиболее традиционным для Рима выражением мощи и величия империи являются триумфальные арки. В них символически воплощалось воссоединение римского и чужого жизненного пространства. Возводились они по воле «сената и римского народа», как начертано на знаменитой арке Тита — императора, победившего в Иудейской войне 70 г. Знаменитый лозунг «Хлеба и зрелищ!» родился не на пустом месте. Массовым действам в Риме всегда уделялось особое внимание. Символом славы города можно назвать амфитеатр Флавиев, получивший в Средние века название Колизей (от лат. «колоссальный»). Строительство Колизея началось при императоре Веспасиане в обширной долине между холмами Палатином, Целием и Эсквилином. В 79 г., когда состоялось его посвящение, сооружение имело только два первых яруса. При Тите были дополнены еще два ряда, после чего в 80 г. состоялось торжественное открытие амфитеатра — представления и игры длились 100 дней. Колизей имеет форму эллипса. Его размеры с наружной стороны составляют 188x156, а с внутренней — 86x54 м. Высота до- 116 Тема 6 стигает 49 м. Богатые мраморные украшения интерьера не сохранились. Колизей был главным зрелищным центром Рима. На его арене проводились бои гладиаторов и состязания человека с хищными животными. Римский амфитеатр, в отличие от греческого, построен на ровном месте. Но не в этом главное их различие. Греческие авторы трагедий и комедий несли людям духовное очищение, римские массовые зрелища потакали самым низменным чувствам толпы. Отличие духа Рима от духа Эллады чувствуется и в других памятниках Вечного города. Пантеон («Храм всех богов», покровителей императорского дома), самый значительный по размерам римский купольный храм (27 г. до н. э. Перестроен в 118—128 гг. архитектором Адрианом). Ни ранее, ни позднее в античном мире не возводились столь огромные купольные сооружения: диаметр круглого здания (43,3 м) равен его высоте. На первый взгляд Рим имеет меньше памятников изобразительного и^с^ва, нежели Древняя Греция. Но это не так. Римская империя, сохранив эллинские культурные традиции, открыла новые горизонты в портретной скульптуре. Римские портрет^^1 запечатлели изменения в облике людей, нравах, обычаях, моде на протяжении нескольких столетий. Поразительно живые образы императоров и полководцев, поэтов и философов, ученых и знатных римлян сохранили дыхание своего времени. По мнению А.И. Герцена, «вся история римского падения выражена тут бровями, лбами, губами». Есть в истории Древнего Рима и совершенно особая страница, связанная с зарож- Портрет Цезаря Портрет Октавиана Августа 117 Художественная культура Античного мира Апостолы Петр и Павел дением христианства (подробнее об этом в следующей главе). Вечный город сохранил самые ранние памятники христианского искусства. Это настенные росписи в катакомбах, где скрывались от язычников первые последователи Иисуса Христа. После указа императора Константина I Великого о свободе вероисповедания («Миланский эдикт», 313 г.) на территории Римской империи возникли первые христианские храмы-базилики: Святого Петра — в Риме, Святого Павла — за городской стеной, Рождества Христова — в Вифлееме. Античность предстает как мир высокой художественной культуры, которая была духовной основой для многих поколений эллинов и римлян. Завещанная последующим эпохам античная максима «человек — мера всех вещей» стала истоком развития европейской цивилизации. Состоявшееся в античной культуре единение традиций Востока и Запада дало результат, который трудно переоценить: родилось искусство, вдохновленное высшими христианскими идеалами. С конца V в. начинается новый период европейской истории, озаренный ценностями христианства. 118 1. 2. 3. 4. 5. 6. 9. 10. 15ОПРОСЫ И ЗАДАНИЯ Повторите по ку/'рксу исто|эип и расск1^:н<:ит^, когда возникла др)^внегр)еч1^скгая цивилизация. К^^к [зазвивал^сь об-1ин^ственн^я ж<:и;з1-1ь ^ гсиродах,нн,|эевпей Г|э^1^иик? Что такое рабовладельческая демократия? Что bidI ;знаете о(5 ^эге^^к;кoй к^льтуирле? Когда былик откр-ьзты 1\/1икень) и Троя? Обр^;зы Тесея и 1\иинотав|:к^ мисф или р^алы-юсть? Кто п|к и раскопках откр ыл лабинр инт — Кно с-ский дворегн н)^ Крите"? Расскажите о живописи на стенах Кносского дворца. К^кие мифолснгич^ские сю:ни^т1з1 отргажакотосновы ре-лиги-озного м<ир(впопи1капия дрыевних грекс-в? К^1со-5 из ееликих антиыных т^ор^ний воплотило и/<иф) о бор>ь£)е богов иг титанов? [-Назовите и1\кена богоь-оли1мпийцев и рассыкс1жит1В, какими ссК<ер1ам1и гы^и;зни они ведк^и? ГНс-дготое1зте сообщение об Аполлоне и его музах (домашнее задание). Почему древний эт^п развития анткчной художесгтв^н-иой кулитуры,],р)евней Иреции на;ккан Р01\/1^р)овски1К1? Расскажите, в че1к см1ысл поэм «Илиада» и «Одиссея»? Какие виды ордера изобрели греки? Расскажите о древ-н^|~речес1Ы(Ий архитектура. Что скрывается под «архаической улыбкой» куроса и коры? Расскажите о древнегреческой вазописи. К^огда и гд<е заркодилсяы теат|э? Чем отличалась трагедия от Дионисовых действ? Какие этические вопросы решали |-е|эои тр^г^дий НЭсхила, СГосфокзга, ЕСерипи.-да?’ 1^акого др)^м1с1т'/|рка считают «отцо-и ко1^1едии»'<1 1ыасс:<к^жит^ об ^СЫинсьо1^1 /нкр)(рполе. Какие па|р|ятники Парфенона дошли до наших дней? Р)имсв|рий поэт ЕЗерыьилий0 тсГК восгро;здал в «р)н^иде» сцкну гибели трокнского жреца Лаокоона: ... (з1^1еи)укв^ренным! хсгдо1\к К Л^гыксыонун ползугт. И с начала несчастные члены ДЫвух сыновей оп.летая, их заключают в объятья ш |j^> i-ii: ij m N Щ m 1-4 p] Щ m |рф|1 Щ нф|] щ (1 щ и т l-rfip] Щ рф р1 d рф|] РФ к] И 1-м hi, РФ ^1 т |-Ф'к1 щ >ф|] щ т а ’■4“ i?# 119 \Щ ‘* *rf4l W »1|:ч <У <> it^-l <к ы ч hi <# Л Г лЛ1Л У i hi 1^1 <х 4^-1 hH ц -ILI--.LI-l-HJ.LI-.-k.L---1-1-Ц-----Ц.1-- ■ ■■ m t Мя lEw 1. 4. 5. 6. 7. 8. 9. <‘>f ][ч41н m ВОПРОСЫ И ЗАДАНИЯ КСак на;зываются ochobhidI^ части 15и(5лии? В 4eivi их различие? О чем повествует Шестоднев? Ei ч(^м см1^1сл библегйского скгаз^ния о грехопадении? По-ч^му^ Адам и 1Ива сислу^1и^н1ись Бог^? Р^сска>н:ите, как но-п.поиген с1о:н<:^т г.э^хог1с1Д(^иия и и;нгн^иия из рая в искусстве (домашнее задание). Поче1\уу 1”осподг иэ1рушил ппаны1 пюдгей,возводя1гуих ЕЕа-^ипгнску^кз баилго)'? Кс^к тра1^тоиан этот сюжет в кгартине П. Брейгеля Старшего? Поче1\уу Господ^ь сп^с Ноя и ^го семью от ^семирсиоСР ка-таст|эосфы1?’ КС;^к иоплотип ся д|эа1.1^тлчи ь. й скслсеет о ното пе и Ноевом ковчеге в живописи (на при мере фрески Микеланджело). Когдга и ко1^|у нпер^ы1е явилась Святая Троицга? Что р^(^-сказы1вает ьб этом собывгии Е^етхий Зав^т? Прочитайте и подчу^майте, ^ чем смысл Символа веры. Как передан сюжет о библейском жертвоприношении /Квраама в живописи (картин1ы Тициана и Типтореттсз) и сьу(льптур^ (ргабот;^ ДГ'Эн^телло)?’ В чем, по Библии, заключалась великая миссия Моисея? К^кне заповедди полукчил 1\/1оисей от Бога?" ЕЕытьлняет ли ^ти ;гапов^,ди современное чегловечество? '-1то тако^ ГЕсалтыl|вь? Сколько псалмов включено в эту книгу Библии? Какие молитвы вам запомнились? С каки-1ми чувст'вами человек обр^мд^^тся к Бо1“у? И;^ н:а1ких книг состоит Новый Завет Библии? Что означает ллсвво «евангелие»? Какую радостную весть принес Иисус Христос людям? Каки€1 прнитчи ЕЯису^са Хяиста вы1 знаете? ЕР чем с1вы1свл притчи о Блудном сыне? ПрочитаСсте Нагорпу^ю проповеддьХриста (1\Сф>. 5; 1е-7; 29). Как./1^ идвеи проповедовал Иисус Христос? К * J ■И-1 133 13. Русский поэт А.С. Хомяков писал: О Царь и Бог мой! Слово силы Во вр|^мя оно Ты сказал, — И сокрушен был плен могилы, И Л^;зарь о:ж:ил и восст^.п. Поясните смысл ^в^нге.пьской истории о воскрешении Лазаря. 14. Чем отличаются ветхозаветные заповеди от новозаветных? Прав ли русский поэт А.К. Толстой, написавший: Любовью к ближним пламенея, Народ с1Т1И|эеиью Он учи.п, Ои вс^ ;зс11^оиы 1\Ноисея Любви закону подчинил... 15. На какие запо^е^ци Иисуса)^|эиста опирался русский поэт К.Р (великий князь К./\. Ро1м^нов), написав строки: Вс^х, ьоторых приш^.[1 искупить Ты Своею Пречистою Кровью, ЕПескорыстной, глу^СПокой любов1зю Н^у^пи меня,Е5ожне, любить! 16. Как воплотилис^ь в искусстве сюжсеты Страстей Господних? Кто из ху/^ож:ников пбрапц^лся в своем творчестве к событиям крестного пути? 17. Как воплощ|^но воск|эесении и вознесение Иисуса Христа в Евангелиях? Как трактовали эти сюжеты художники (самостоятельная рсабота)? 18. Какие тексты в1плючает ЕПиблия, кро1^ю ЕПового З^ветг^? 19. Какую роль сыграло христианство в развитии мировой хуудо:ж:еств(^нной к:ус.пьтуl|пы? ■ Ш 134 Тема 8 Художественная культура европейского Средневековья: освоение христианской образности Аллилуйя. Хвалите Бога во святыне Его, хвалите Его на тверди силы Его. Хвалите Его по могуществу Его, хвалите Его помножеству величия Его. Хвалите Его со звуком трубным, хвалите Его на псалтири и гуслях. Хвалите Его с тимпаном и ликами, хвалите Его на струнах и органе. Псалом 150 «...Я в гроб сойду и в третий день восстану, И, как сплавляют по реке плоты, Ко мне на суд, как баржи караванов, Столетья поплывут из темноты.» Б.Л. Пастернак Художественная культура европейского Средневековья Средними веками итальянские гуманисты назвали эпоху, начало которой было положено падением Западной Римской империи (476 г.). Позднее наука приняла этот термин, и ныне историки понимают под Средневековьем период, охватывающий V—XVI вв. Однако временные рамки средневековой художественной традиции несколько иные и требуют дополнительного уточнения. Средневековая образность, рожденная христианским вероучением, начала складываться еще во второй половине IV в. в античном искусстве (храмовые песнопения, росписи римских катакомб). В то же время в период позднего феодализма (XIV—XVI вв.) художественное творчество уже отринуло ценности «мрачного», «варварского» Средневековья. Так что собственно средневековым можно считать искусство, возникшее до начала эпохи Возрождения (конец XIII в.). Средневековая художественная культура — это особый мир, разительно отличный от античного. Образы средневековой архитектуры, скульптуры, живописи, поэзии, музыки рождались под непосредственным влиянием текстов Нового За^вет^а. Бог, Вселенная, человеческая история, представления о духовной богоданной красоте и гармонии — все это стало предметом художественного осмысления и обобщения. Вненациональное, по своей сути, евангельское слово принесло народам Европы учение о сущности двух миров — земного, видимого, и небесного, невидимого. Земной мир, подлежащий смерти, тлению, не мог представлять особой эстетической ценности. Поэтому искусство устремилось к воплощению вечных символов божественной истории, решая совершенно новые для себя задачи. Художникам предстояло воссоздать в образной форме божественную сверхреальность, не имеющую аналогий в окружающей действительности и сходства с натурой. Божья благодать, вера, надежда, любовь — все это обрело художественную значимость с помощью вполне конкретных средств выразительности: форм, красок, звуков. Приоритетными для средневекового искусства стали темы, воспевающие высоту духовного подвига и нравственные идеалы, отвечающие евангельским заповедям. Исходные ценности христианской религии у разных народов Европы были едины, но существовали различия в церковной и соответст- 136 Тема 8 венно культурной практике. Две ведущих ветви христианства — католицизм (Западная церковь) и православие (Восточная церковь)1. Их разногласия возникли из-за религиозных трений между епископом Рима (которого по латыни называли папой) и епископом Константинополя (по-гречески патриарх, т. е. главный отец). Догматические и обрядовые расхождения постепенно привели к полному размежеванию христианской церкви. В результате схизмы (разделения) она распалась на грекоправославную и католическую ветви (1054), представители из которых враждовали между собой2. Различия искусства православной и католической ориентации с течением столетий становились все более глубокими. Сравним, например, трактовку главных образов в средневековой живописи — Иисуса Христа и Девы Марии. В православных изображениях Иисус Христос — прежде всего Вседержитель, царствующий над Вселенной, а Богородица — царица небесная. В интерпретации художников католического храма в образе Сына Божия подчеркиваются его земные смертные муки, а Дева Мария предстает как символ красоты, чистоты, материнства. Обратимся к средневековой художественной культуре, рожденной в русле православных религиозных традиций Византии. «Великая империя, повелевающая миром, двенадцативековая нация, дряхлая, истощенная, падает; с нею валится полсвета, с нею валится весь древний мир с полуязыческим образом мыслей, безвкусными писателями, гладиаторами, статуями, тяжестью роскоши...» — так представил эпоху крушения Древнего Рима Н.В. Гоголь. Действительно, картина ухода античной культуры была грандиозной. Но далеко не все античные традиции исчезли в одночасье вместе с рухнувшим Римом. В восточной части империи, в Византии, состоялся переход от античного к христианскому храмовому искусству. Именно здесь впервые была преодолена чувственность античной земной красоты и родились христианские образы в зодчестве, иконописи, мозаиках, фресках, песнопениях. Правда, римское наследие еще долго подпитывало тщеславие византийских царей. Пышность константинопольских дворцов и храмов — прямое тому доказательство. Но, возвраща- 1 Напомним, что в 395 Римская империя фактически распалась на два самостоятельных государства — Западную империю, с ц^ерковным ц^^тром в Риме и светским — в Равенне, и Восточную, с единым центром в Константинополе. 2 В 1204 г. рыцари-крестоносцы штурмом взяли Константинополь и разграбили его святыни (Четвертый крестовый поход). 137 Художественная культура европейского Средневековья Собор Святой Софии в Константинополе Внутренний вид собора Святой Софии ясь из очередного победоносного похода, византийский император уже не садился в триумфальную колесницу, а ставил на нее икону. В одной из старых византийских церквей сохранилась такая надпись VI в: «Место сборищ дьявола стало домом Господним; свет солнца освещает место, которое затемняла преисподняя; идолопоклоннические жертвоприношения заменялись ангельским хором; где свершались оргии богов, там теперь поется хвала Богу». Так что византийские мастера, прямые наследники античности, стали творцами новых художественных ценностей, которые несколько веков спустя восприняла Древняя Русь. Византийское искусство VI в. можно считать первым торжеством христианской духовности. Подъем культуры в эту эпоху связан с периодом сорокалетнего царствования знаменитого императора Юстиниана. Родом из простых крестьян, он был возведен на престол волею своего дяди, неожиданно вознесшегося по служебной лестнице на царский трон. В царствование Юстиниана Византия стала могучей империей, размеры которой не уступали древнеримским. В Константинополе было возведено 30 храмов, в том числе величавая Святая София^ (532—537). Строили храм малоазий-ские зодчие — Анфимий из Тралл и Исидор из Милета. Они создали уникальное сооружение — купольную базилику, использовав опыт возведения римского Пантеона. Но задачи, решенные в образе Софийского собора, были совершенно иными. Храм, воз- 1В богословии Святая София олицетворяет премудрость Божию. 138 Тема 8 веденный на высоком холме на берегу Мраморного моря, оставляет впечатление нерукотворной твердыни, где обитает Господь. В его облике, простом и величавом, мастерам удалось воплотить символический образ Вселенной, в которой материальное и земное словно растворяется в духовном, небесном. Ошеломляющее впечатление на современников произвел купол Софии (диаметр 31,5 м), золотой громадой спускающийся с поднебесья. Как писал византийский историк Прокопий Кесарийский, «кажется, что он не покоится на твердом сооружении, но, вследствие легкости строения, золотым полушарием, спущенным с неба, прикрывает это место». А еще известно, что Юстиниан, прибыв на торжественное освящение храма, воскликнул: «Слава Богу, удостоившему меня совершить такое дело! Я победил тебя, Соломон!» Внутреннее пространство Святой Софии поражает своей удивительной легкостью. Сорок окон, прорезанных в основании купола, стенах и нишах, заливали светом все помещение, оживляя мозаики, золотые и серебряные украшения. Купол, поднятый на высоту 55 м, поддерживался двумя более низкими полукуполами, которые в свою очередь переходили в два небольших полукупола. Так что средняя часть собора была заполнена перетекающими друг в друга сферическими формами, устремленными ввысь. С течением времени собор сильно изменился. «Айя-Суфия» — так называли его мусульмане, завоевавшие Византию в XV в. Константинополь превратился в Стамбул, Святая София стала мечетью с минаретами. Но и в этом виде древняя христианская святыня сохраняет силу огромного эмоционального воздействия, запечатленного в ХХ в. в стихотворении О.Э. Мандельштама: Айя-София — здесь остановиться Судил Господь народам и царям! Ведь купол твой, по слову очевидца, Как на цепи, подвешен к небесам. <...> Прекрасен храм, купающийся в мире, И сорок окон — света торжество; На парусах, под куполом, четыре Архангела прекраснее всего. 139 Художественная культура европейского Средневековья Голова юного Христа. Мозаика. Церковь Сант Аполлинаре Нуово. Равенна Императрица Федора. Мозаика (фрагмент). Церковь Сан Витале. Равенна От юстиниановых времен сохранились и уникальные мозаики. Это искусство было известно еще с античности. Однако византийским мастерам удалось открыть секреты их изготовления, позволяющие более полно использовать возможности сочетания света и цвета. Мозаики выкладывались на стенах и арках храмов мелкими разноцветными кубиками из камня или смальты (стеклянный сплав). Их углубляли в поверхность под разным углом наклона. В результате рождалось оптическое «чудо» — мозаичные изображения сияли ярким светом, внутри которого играли сотни маленьких огонечков. Наибольшего эффекта достигали мозаичные образы, сочетающие многообразие цветовых переливов с золотым фоном, символизирующим беспредельное духовное богатство небесного мира. В итальянском городе Равенне в церкви Сан-Витале находятся знаменитые мозаики VI в. На одной из них сохранился портрет императора Юстиниана со свитой. Среди изображенных выделяются священнослужители с аскетичными лицами и огромными, словно застывшими глазами. В этих образах художественно воплощено состояние самосозерцания и духовной углубленности — важнейших особенностей православного храмового искусства. Многие бесценные византийские мозаики безвозвратно погибли, в том числе изображения, сотворенные на стенах церкви Успения Богородицы в Никее. Крылатые фигуры со знаменами и державами в руках, одетые в роскошные наряды, — таковы образы четырех ангелов, сохранившихся в алтарном своде храма. На первый взгляд лики небес- 140 Тема 8 Император Юстиниан со свитой. Мозаика. Церковь Сан Вит^е. Равенна ных посредников между Богом и людьми напоминают об античном идеале красоты, гармонии тела и внутреннего мира (нежный овал лица, его классические черты). Однако здесь совершенно иная трактовка привычных форм. Рассмотрим внимательнее самого прекрасного ангела по имени «Дюнамис». Его облик воплощает вневременное спокойствие и возвышенную духовную отрешенность от всего земного, сиюминутного. Он весь — бесстрастная бесплотность. Мастер, создавший никейские мозаики, нам неизвестен, что характерно для, средневековой традиции. Тогда считалось, что создание произведения искусства зависит от Божией воли, а художник, будучи лишь ее послушным орудием, не должен заботиться об авторской славе. При императоре Юстиниане в храме появились иконы (что по-гречески означает образ). Первоначально христиане называли иконой любой образ святого, противопоставляя это изображение идолу — язы- 141 Художественная культура европейского Средневековья ческому божеству. Но уже в VI в. икона стала самостоятельным видом храмового искусства наряду с фресками и мозаиками. Писался иконописный образ на доске (липовой, кипарисовой, сосновой), на которую предварительно наклеивали ткань (паволоку) и наносили слой левкаса (мела, гипса). Красочный слой покрывали защитой — яичным белком, олифой, масляным лаком. Впрочем, ранние иконы почти не сохранились — их уничтожили так называемые иконоборцы1. С середины IX в. и до 1204 г. художественная культура Византии переживает «второй золотой век», в котором принято выделять два периода: Македонский (IX — первая половина XI вв.) и Комнинский (конец XI—XII вв.), названных по царствующим династиям. В это время православие находит отклики и у других народов. Огромный вклад в распространение христианского вероучения внесли просветители Кирилл (в миру Константин) и Мефодий. Узнав, что у мора-вов нет азбуки, Кирилл составил ее с помощью греческих букв. Отныне Священное Писание стало доступным для славян, в том числе для народов Киевской Руси. Большую роль в православном просвещении играли монастыри. Духовным центром монашества становится знаменитый Афонский мужской монастырь, расположенный на одном из трех зубцов полуострова Халкидики в Эгейском море. Уроки иконоборчества не пропали даром. В храмовом искусстве Византии утверждаются канонические традиции, позволившие укрепить богодухновенные основы творчества, очистить художественную образность от намеков на материальность и плотскость. Классически совершенную форму обрел крестово-купольный храм. Его основу составил купол в центре здания, укрепленный на четырех столбах, откуда расходятся четыре сводчатых рукава. Важнейшая часть храма (алтарь) обозначалась полукруглой апсидой (выступом). Алтарь был обращен на Восток: именно там взошла Вифлеемская звезда и произошло вознесение Спасителя. Храм мыслился как модель Вселенной, где своды и купола олицетворяют небо; пространство ближе к полу — землю; алтарная часть — рай, пребывание Бога; западная часть — ад, преисподнюю. В соответствии с этими представлениями сформировалась каноническая система росписей с определением места фресок, мозаик, икон в интерьере. 1 Эдикт о запрещении иконописания, изданный в 730 г., действовал почти 100 лет. В 843 г. почитание икон было восстановлено, ересь уничтожена. 142 Тема 8 В самой верхней точке храма помещали мощную фигуру Спаса Пантократора, или Вседержителя, главы мироздания, воплощающего нечеловеческую силу, способную карать и миловать. На барабане купола и в простенках окон рисовали апостолов — учеников Христа, несущих его учение людям. На четырех парусах отводили место для евангелистов или их символов (Матфей — ангел, Марк — лев, Лука — телец, Иоанн — орел). На своде высокой алтарной части изображали Богоматерь, на столбах, сводах, парусах — архангелов, пророков, Отцов Церкви1, великомучеников, а также сцены из Ветхого Завета. В период правления Комнинов возникла идея икон^о^аса, отделяющего алтарь от верующих. Наверху иконостаса (деревянной или мраморной перегородки) помещали крест, далее следовали иконы — одна большая или несколько небольших. К этому времени в основном сложился канон икон так называемого праздничного цикла, рассказывающих о событиях Евангельской истории («Благовещение», «Рождество Христово», «Крещение или Богоявление», «Преображение», «Воскрешение Лазаря», «Вход Господень в Иерусалим», «Тайная вечеря», «Распятие», «Снятие с креста», «Оплакивание Христа», «Положение во гроб», «Вознесение»). Воскресение из мертвых не изображалось в византийской иконографии, и главным символом Пасхи являлась икона «Сошествие во ад» (в сиянии Божественного света Иисус Христос спускается в ад и, поправ смерть, выводит оттуда в рай ветхозаветных праведников, чье спасение искуплено страданиями Сына Божия на кресте). Иконографическое воплощение получили и другие важнейшие события: «Воздвижение Креста Господня» (в память о нахождении царицей Еленой — матерью императора Константина — креста, на котором был распят Иисус Христос), «Сошествие Святого Духа» (событие, описанное в Евангелии от Луки, в результате которого апостолы ощутили влияние Святого Духа и смогли нести учение Христа «во все края земли»), «Успение Богородицы» (по преданию, к ее ложу перед самой кончиной ангелы принесли на облаках апостолов). Византийское искусство выработало канон изображения Святой Троицы на основе ветхозаветного текста: на золотом фоне под мамврийским дубом изображали трех ангелов, тождественных по внешнему виду друг другу. Они сидели за трапезой, перед ними стояла чаша и лежал хлеб. 1 Отцы восточной церкви — православные мыслители II—VIII вв.: Василий Великий, Иоанн Златоуст, Григорий На^ан^н (Богослов), Григорий Нисский и др. 143 Художественная культура европейского Средневековья Богоматерь Владимирская Христос Пантократор. Мозаика. Хр^ Успения монастыря Дафни Чуть ниже виднелись маленькие фигурки Авраама и Сарры, принимающих трех божественных путников по законам гостеприимства. Фигуры на православных иконах могли быть оглавными, оплечными, поясными и в полный рост. Самое же важное — в византийском искусстве сформировались основные иконографические типы изображения Иисуса Христа, Богородицы, евангелистов, Отцов Церкви, святых. Иконописцы должны были следовать установленным образцам, которые обычно представляли собой контурные прориси композиций библейских сюжетов, отдельных персонажей, предметов и их деталей и т. д. Следуя канонической традиции, Богородицу изображали в разных видах. Оранта — молительница за род человеческий (фигура Божией Матери представлена в полный рост с воздетыми к небу руками с открытыми ладонями). Похожие образы: Великая Панагия (Всесвятая), где на груди Оранты в круге «славы» покоится младенец Христос; Бо- 144 Тема 8 гоматерь Знамение — тот же образ, только в поясном изображении. Богоматерь Е^еуса (Умиление) — поясное изображение Богородицы, к щеке которой прижался младенец Христос, сидящий на ее левой руке. Богоматерь Одигитрия (Путеводительница), жестом благословляющая Сына на Крестный подвиг; младенец Христос держит свиток — знак Божественного слова, которое он принес людям. Шедевром византийской живописи является образ Богоматери, названный на Руси Владимирской1. На иконе Богородица нежно прижимается щекой к щеке Божественного Сына. По преданию, икона принадлежит кисти евангелиста Луки и написана на доске от стола, на котором некогда трапезовал Иисус Христос со своей Матерью. Грустный взгляд Богородицы отрешен от повседневности и устремлен в будущее, словно представляя грядущие смертные муки своего Первенца. По византийскому канону икона относится к типу Елеуса, на Руси же эту композицию называли «Умиление» под влиянием глубоко вдохновенного образа высокой материнской любви. Богоматерь Владимирская стала самой почитаемой иконой и вызвала многочисленные подражания. Для воплощения образа Иисуса Христа виантийская иконография также разработала строгие канонические правила и типы композиций. Среди них образ Спаса-Пантократора (Вседержителя). На иконе изображен Иисус Христос (по пояс); в левой руке он держит открытое Евангелие, правой благословляет верующих. Другой образ — Спас в силах. Христос сидит на троне, он готов судить людей и карать грешников. Трон окружен бесплотными силами — серафимами и херувимами. Особой гармонией и одухотворенностью наполнен образ Спаса Эммануила (означает «с нами Бог») — изображение совсем еще юного Христа. Но есть и иной образ, явленный в самые последние часы земной жизни Сына Божия — Спас Нерукотворный — отпечаток на плате (полотенце) лика Христа в те страшные часы, когда Спаситель, изнемогая, шел к Голгофе по крестному пути. Стиль византийской храмовой живописи глубоко своеобразен, неотделим от смысла божественной службы. Аскетичный лик с несколь- 1С 1155 г. икона находится на русской земле, куда была доставлена на корабле из Константинополя. Князь Андрей Боголюбский тайно вывез образ из-под Киева во Владимир на Клязьме. В1395 г. икона была торжественно перенесена в Москву как раз в тот день, когда войско непобедимого грозного полководца Тамерлана по непонятным причинам повернуло вспять от Руси. Заступничеству Владимирской Богоматери приписывают отражение и других вражеских нападений на Москву. 145 Художественная культура европейского Средневековья ко удлиненными формами, прямой, с горбинкой нос, отрешенный взгляд огромных миндалевидных глаз — таков идеал красоты в православной иконографии. Размещенные на плоскости, лишенные объемной телесности иконописные лики олицетворяли святость, пребывающую во храме. Фон икон, сияющий золотом, не имеет пространственной перспективы, глубины. Золото как бы выдвигало фигуру святого за пределы живописи в мир храма, туда, где молились люди. Этот прием в совокупности с условным пространством и столь же условными размерами иконописных фигур и предметов создает эффект, названный позднее «обратной перспективой». Неподвижная, величавая, словно застывшая в вечности византийская иконопись несла свет божественной любви, гармонии и красоты. Этими же чувствами была наполнена музыка, роль которой в храмовом синтезе искусств трудно переоценить. Еще в первые века развития христианства музыка заняла важное место в главных православных службах — литургии и всенощном бдении. Литургия (от греч. «общественное служение») совершалась в дообеденное время (отсюда другое название — обедня). Ее кульминация приходится на таинство Святого Причащения (Евхаристии), установленного самим Спасителем. Всенощное бдение — праздничная служба (совершается накануне воскресных дней и отдельных праздников). Тексты этих служб были упорядочены в IV в. трудами святителей Иоанна Златоуста и Василия Великого. Высокая религиозная поэзия сопровождалась пением, которое было исключительно одноголосным и не имело инструм^таль-ного сопровождения. Звуки мелодий, устремленные, как и вся храмовая служба, в вечность и бесконечность, передавали сокровенные молитвенные состояния человеческой души. Создавали песнопения подвижники-богословы, которые были одновременно певцами и поэтами. Среди авторов древних молитв выделяется гениальный гимнограф IV в. Ефрем Сирин. Одно из его удивительно искренних и глубоко духовных творений переложил А.С. Пушкин в известном стихотворении «Отцы пустынники и жены непорочны...»: Владыко дней моих! дух праздности унылой, Любоначалия, змеи сокрытой сей, И празднословия не дай душе моей. Но дай мне зреть мои, о Боже, прегрешенья, Да брат мой от меня не примет осужденья, 146 Тема 8 И дух смирения, терпения, любви И целомудрия мне в сердце оживи. В основе византийской богослужебной музыки лежала сложная и возвышенная теория, созданная в первые века христианства. Иерархами Восточной церкви было установлено, что мелодии молитв первоначально рождались на небе. Их божественная красота сотворена серафимами, славящими Господа и его деяния. Эти гимны, «приводящие душу к гармонии, а сердце — в согласование с Богом», приносят людям ангелы. Уделом же музыкантов является «копирование» ангельских песнопений, в результате которого рождаются «ангелоподобные» созвучия, отражающие словно эхо неслышимое на земле небесное пение. Духовная и телесная чистота, особая ответственность за результат творчества, строгое следование правилам и церковным предписаниям — таковы были требования к творцам, созидающим «музыкальный аналог» божественных гимнов. Композиции строились на основе канонических мелодий. Эти мелодии как богоданные нельзя было менять, поэтому при необходимости к новому тексту лишь приписывали дополнительные звуки, сохраняя основные по-певки. Одним из самых знаменитых византийских гимнографов был Роман Сладкопевец (Мелод), творивший в первой половине VI в. Уроженец Сирии, он прославился как великолепный поэт и музыкант, создатель более 85 гимнов. Молитвы Романа были хорошо известны в славянских переводах. И сегодня в праздник Рождества Христова звучит в русских церквях его маленький шедевр — кондак «Дева днесь»: «Дева днесь Пресущественного рождает, и земля вертеп Неприступному приносит; Ангелы с пастырями славословят, волсви же со звездою путешествуют: нас бо ради родися Отроча младо, превечный Бог». Кондак1 не единственный жанр, сложившийся в византийской гимнографии. Еще раньше возник так называемый тропарь2. К творчеству в этом жанре непосредственное отношение имел сам император 1 Кондак — сложная поэтическая композиция, состоящая из вступления и последующих сольных строф (от 18 до 30), между которыми звучал хоровой рефрен. Тексты многих кондаков были основаны на проповедях (Святых (например, Ефрема Сирина). 2 Тропарь — краткое молитвенное песнопение, посвященное празднику или святому. 147 Художественная культура европейского Средневековья Юстиниан, создавший Песнь Господу Иисусу Христу. По-церковно-сла-вянски это звучит так: «Единородный Сыне и Слове Божий, Безсмер-тен Сый, и изволивый спасения нашего ради воплотитися от Святыя Богородицы и Приснодевы Марии, непредложно вочеловечивыйся; распныйся же Христе Боже, смертию смерть поправый, един Сый Святыя Троицы, справляемый Отцу и Святому Духу, спаси нас». Наивысшего расцвета гимнография Византии достигает в творчестве Иоанна Дамаскина (ок. 675 — до 749), страстного противника иконоборчества. Наряду с гимнографами Андреем Критским и Кос-мой Майюмским Иоанн Дамаскин был создателем жанра канона1 — торжественного, возвышенного славословия. За пределами Византии православное пение расцветает в Афонском монастыре, где жил известный музыкант Иоанн Кукузель (ок. 1280 — ок. 1375). Падение Константинополя в 1453 г. прервало ход византийской истории. Преемницей высоких православных ценностей, рожденных духовными озарениями Отцов Восточной церкви и святых подвижников, а также творческим трудом многих поколений зодчих, живописцев, поэтов, музыкантов с конца Х в. стала Древняя Русь. Иной путь был уготован средневековому искусству католической традиции, сформировавшей основу национальных художественных культур многих современных европейских государств. В отличие от Византии Западная Римская империя после распада представляла собой множество мелких феодальных образований, где господствовали варвары, а художественная культура долгое время находилась в упадке. На землях Центральной и Западной Европы в чести оставалось наследие античных авторов, а научным языком считалась латынь, зубрить которую приходилось студентам всех учебных заведений. Об этом поется в одной шутливой студенческой песенке: Ну, так будьте же всегда Живы и здоровы! Верю, день придет, когда Свидимся мы снова. Всех вас вместе соберу, Если на чужбине 1 Канон — цикл песнопений, состоящий из девяти песней («од»). В каждой из них первая строфа (ирмос) является мелодической моделью для последующих строф. 148 Тема 8 Я случайно не помру От своей латыни. Лишь на рубеже I—II тыс. начинает складываться художественное творчество, отмеченное чертами новизны и зрелости, свободное от повторения античных образцов.. В истории средневековой художественной культуры Западной и Центральной Европы принято выделять три этапа: дороманский (середина V—X в.), романский (XI—XII вв.) и готический (конец XII—XIV в.). В дороманскую эпоху лишь наметились принципы средневекового искусства. Об этом говорит творчество мастеров так называемого «Каролингского возрождения» — периода царствования императора Карла Великого из рода Каролингов (768—814), создавшего огромную Священную Римскую империю со столицей в Аахене. Одним из красивейших памятников этого времени является аахенская придворная капелла, которая была частью дворцового комплекса зданий. В ее облике сошлись примитивно-грубоватые элементы варварской архитектуры с формой, позаимствованной у античности. Для отделки капеллы использовались колонны и облицовочные материалы, вывезенные из Равенны. В середине IX в. империя Каролингов распалась, не выдержав междоусобных войн наследников Карла Великого. Последующий Х в. вошел в историю Европы как эпоха невиданных бедствий — войн, голода, разрухи, страшных эпидемий, унесших миллионы жизней. Но все же народы, обитавшие на землях бывшей Священной Римской империи (Франции, Южной и Западной Германии, Бельгии, Голландии, Средней и Северной Италии, Северной Испании) смогли выстоять в испытаниях и сформировать самостоятельную государственность. Вместе с ней родилась новая художественная культура, получившая в XIX в. название «романской» (что указывает на преемственность с Римом). Романское искусст^во было общеевропейским. Оно отразило католическое мировосприятие в сложный период феодальных междоусобиц, крестовых походов, крестьянских волнений, разрушения родовых отношений. Монументальное и величавое романское искусство свидетельствует о вполне устоявшихся религиозных взглядах и эстетических вкусах молодых народов Европы. Новое направление развивалось в храмовой культуре: зодчестве, скульптуре, живописи, музыке. В отличие от византийского романское 149 Художественная культура европейского Средневековья искусство не тяготело к воплощению состояний духовной самоуглубленности, созерцательного «сверхпокоя», отрешенности от окружающей жизни. Художники католического мира трактовали образы Священного Писания на основе глубоко трагического, порой экспрессивного их восприятия. Христианский идеал превосходства духовного над телесным сочетался в романском искусстве со стремлением выразить чувства деятельного и энергичного человека, его мятущуюся душу, не находящую покоя в греховной жизни, полной зла, соблазнов, таинственных дьявольских наваждений. Наиболее полно романский стиль воплотился в архитектуре, которая бурно развивалась в пору образования новых феодальных государств. Романские сооружения разбросаны по всей Европе. Символом этого стиля можно считать укрепленный замок феодала, который служил убежищем в период нескончаемых войн. Замок обычно возводился на вершине скалистого холма или горы, над рекой или у моря. Он окружался рвом, через который перекидывали подъемный мост, ведущий к воротам. Монолитные стены крепости увенчивались зубцами, башнями и бойницами. В центре замкового комплекса была самая крупная башня — донжон — убежище феодала. Наряду с замками интенсивно строились монастыри. Будучи средоточием культурной жизни и художественного творчества, они также представляли собой военные укрепленные сооружения. Монастырь нередко разрастался в небольшой город, в центре которого находился храм. Город обносился толстыми оборонительными стенами, надежно скрывавшими жизнь его обитателей от постороннего глаза. Массовое возведение крупных средневековых городов начинается в XII в. Ядром городской застройки была рыночная площадь с собором. Вокруг нее располагались ратуша (центр городского самоуправления), резиденция епископа, крытый рынок, таможня, суд, больница, биржа. Улицы средневекового города в целях безопасности были очень узкими и кривыми. Заселялись они нередко по цеховому, профессиональному признаку: улицы булочников, ювелиров, оружейников, аптекарей и даже музыкантов. Украшение и гордость средневекового города — кафедральный собор. Он строился с расчетом, чтобы при необходимости вместить всех жителей. При возведении храма больших размеров мастерам приходилось решать сложнейшие задачи инженерного характера (сооруже- 150 Тема 8 ние каменных сводов, купола, их укрепление и т. д.). Характерные черты романского храма: цилиндрические и крестовые своды, массивные толстые стены, крупные опоры, обилие гладких поверхностей. Основа здания — сама каменная масса: для большей устойчивости здания старались увеличить толщину и крепость стен. Романский храм-базилика1 на первых порах почти не украшался. Лишь изредка зодчие позволяли себе оживить его суровые массивные стены каменным орнаментом. Позднее внешний облик базилик преобразился, наполнившись многофигурными скульптурными композициями и росписями. Их сюжеты черпались из Библии. Впрочем, кроме канонических сцен мастера позволяли себе довольно свободные импровизации, изображая фантастических чудовищ, диковинных животных, растения, птиц. Популярными были образы различных монстров — посланников ада, напоминающих о греховности всего земного. Многие знаменитые романские замки и соборы находятся на территории современных Франции и Германии. Среди них: церковь Нотр-Дам ла Гранд в Пуатье, невысокий храм с тяжеловесными формами, и Вормсский собор, похожий на неприступную крепость. Необычными романскими ансамблями, впитавшими античные традиции, по праву гордится Италия. Сооруженные в период Средневековья на ее землях памятники грандиозны, но одновременно изысканны и 1 Форма базилики — прямоугольного в плане здания — была заимствована из античного зодчества, но существенно переосмыслена. Собор в Вормсе Пизанская башня 151 Художественная культура европейского Средневековья изящны. Преодолевая грубоватую мощь романского искусства, итальянские зодчие создали одно из выдающихся творений — соборный комплекс в тосканском городке Пизе. Он включает собор, колокольню, баптистерий (крещальню) и кладбище. Ансамбль создавался в течение нескольких десятилетий под руководством разных зодчих (в XI в. работами руководил Бускетто, в XII — Райнальдо). Сверкающие белизной мрамора здания комплекса в Пизе свободно раскинулись на площади, покрытой зеленой травой. Большой собор не производит впечатления громоздкого, подавляющего человека здания. Его гармоничный праздничный фасад с выразительным ритмом аркад дополняет легендарная колокольня — падающая Пизанская башня. Наклон башни возник еще на ранней стадии ее строительства (следствие осевшего фундамента) и был сохранен до окончания работ. Шесть этажей уникальной колокольни опоясывают легкие колонные аркады. Сегодня жизнь этой «каменной спирали» поддерживается с помощью новейших технических средств. Избавление от господства массивности заземленных романских форм и тяжеловесных стен пришло в средневековое зодчество с рождением нового готического ст^иля. Сам термин «готика» (буквально «готский», по названию германского племени готов) появился в эпоху Возрождения. Этим словом мыслители Ренессанса нарекли архитектурные сооружения, не соответствующие нормам античной классики. Создатели же готического стиля, отдавая предпочтение заостренным кверху аркам окон и дверных проемов, возводили фантастически прекрасные, величавые ажурные храмы, устремленные всею своею стройной громадой ввысь. Неслучайно великолепные готические сооружения были названы В. Гюго «застывшей музыкой». Родиной готики была Франция, в которой уже в те далекие времена мастера тяготели к изысканным, необычным формам. Зародился новый стиль в центре королевских владений — провинции Иль-де-Франс. Архитектурно-инженерные новшества были опробованы при реконструкции церкви аббатства Сен-Дени (XII в.), где покоились останки французских королей. Большую роль в создании готической конструкции сыграл образованный и мудрый аббат Суге-рий — советник королей, подробно описавший ход строительства в своей книге. Неслучайно на фасаде церкви выбиты его слова: «Чувственной красотой душа возвышается к истинной красоте и от земли возносится к небесам». 152 Тема 8 Зодчим, открывшим секреты возвышения души к истинной красоте небес, удалось совершить подлинную революцию, не только художественную, но и инженерную. Стены готического здания, освободившись от функций главной опоры, изменили облик. В них появились огромные стрельчатые окна, витражи (скрепленные между собой цветные стекла в виде символических или сюжетных изображений), ниши, галереи, порталы, украшенные резьбой. Храм наполнился светом, льющимся отовсюду, словно божественное сияние. Его внутреннее пространство впечатляло своим простором, высотой и торжественностью. Оно явило верующему многоликие художественные образы, рождающие бесконечную череду настроений и впечатлений, религиозных по форме, и вмещающих живое трепетное человеческое чувство. Взволнованная мечтательность готики, ее патетические взлеты и духовные порывы воплотили нарастающий интерес к земным радостям и к индивидуальному познанию красоты окружающей действительности. Отказавшись от суровой мощи романских соборов, готический храм, обращенный к людскому миру, засиял праздничными красками, словно сотканными в «симфонию света и тени» (О. Роден). Каменные стены стали декорировать многочисленными скульптурами. Удивительно это сочетание представлений о божественной райской красоте с рациональными конструктивными решениями, незаметными для глаза! Очень точно о присутствии некоей тайны в готических сооружениях сказал в ХХ в. О.Э. Мандельштам: Но выдает себя снаружи тайный план, Здесь позаботилась подпружных арок сила, Чтоб масса грузная стены не сокрушила, И свода дерзкого бездействует таран. Стихийный лабиринт и неподвижный лес Души готической рассудочная пропасть, Египетская мощь и христианства робость, С тростинкой рядом — дуб, и всюду царь - отвес. Готический стиль развивался в Европе свыше трех столетий. В его истории принято выделять три достаточно условных этапа: раннюю готику (XII — начало XIII в.), высокую готику (XIII в.) и позд- 153 Художественная культура европейского Средневековья Собор Нотр-Дам де Пари Собор Нотр-Дам(вид внутри) нюю «пламенеющую» готику (XIV в., некоторые сооружения были созданы в XV в.). Собор Нотр-Дам де Пари (Парижской Богоматери), овеянный легендами, воспетый Виктором Гюго, — памятник ранней готики. Первый камень в его основание в 1163 г. заложили французский король и папа римский. Много лет спустя здесь был коронован Наполеон Бонапарт. Собор перестраивался несколько раз, его окончательная реставрация осуществлена в середине XIX в. знаменитым мастером Виолле-ле-Дюком. Храм является одним из самых больших для своего времени (129 м в длину, 50 м в ширину). Фасад собора разделен на три части как по вертикали (с помощью пилястр1), так и по горизонтали (галереями). Нижний ярус имеет три портала, над которыми идет знаменитая галерея королей (28 статуй царей — персонажей Библии). Во времена Великой французской революции XVIII в. народ, ненавидевший само слово «король», низверг статуи, но позднее, когда страсти улеглись, изваяния вернулись в свои ниши. В центральном ярусе находится ажурное окно — розетка, диаметр которой составляет около 10 м. В украшениях порталов собора причудливо сошлись статуи Мадонны с младенцем и ангелов, Адама и Евы, символов пороков и добродетелей, епископа Мориса де Сюлли и короля Людовика XII. Стоит ли удивляться, что, реставрируя шпиль собора, Ви-олле-ле-Дюк среди изображений апостолов и евангелистов сотворил самого себя? Им же создан фантастический мир химер и гроте- 1 Пилястр (пилястра) — плоский вертикальный выступ. 154 Тема 8 Избиение младенцев. Фрагмент рельефа. Собор Нотр-Дам де Пари Иоанн Креститель. Статуя собора в Шартре скных монстров, которые прячутся за шпилями и декоративными башенками или провисают за выступами стен. Столь же разнообразно и внутреннее убранство Нотр-Дам: красочные витражи, рельефы и ажурные орнаменты и, конечно же, скульптуры. При входе на правом пилястре знаменитая статуя Парижской Богоматери, выполненная в XIV в. В специальном помещении — Сокровищнице — хранятся бесценные христианские святыни: фрагмент подлинного Креста Господня, Терновый венец Спасителя и Священный гвоздь, один из тех, которым распяли Сына Божия. Красивейший храм в Шартре, окно-розетку для которого пожаловал сам французский король, также является примером ранней готики. Среди классических образцов высокой готики можно назвать собор в Реймсе (заложен в 1211 г., закончен в XV в.). Именно в этот собор внесла свое победное знамя «орлеанская дева» Жанна д’Арк, здесь же короновались французские короли. 155 Художественная культура европейского Средневековья Верхняя капелла Сент-Шапель. Алтарь Кёльнский собор (вид внутри) 156 Чудесным творением высокой французской готики является и королевская Святая капелла (Сент-Шапель), построенная по заказу Людовика IX для хранения Тернового венца Спасителя, который король купил в Венеции в 1239 г. Автор проекта Пьер де Монтрёй создал безукоризненно изящную композицию. В капелле два этажа. Первый этаж — основание, над которым открываются огромные витражные окна, завершенные стрельчатыми башенками. Высоко взметнувшийся шпиль придает зданию еще большую легкость. Уникальный художественный образ верхнего этажа капеллы создают 15 витражных окон высотой 15 м, занимающих площадь 618 кв. м. Витражи выполнены в XIII в. В них яркими красками запечатлены 1134 сцены из Библии. Готические сооружения многих европейских стран стали символами раннего национального зодчества. К таким шедеврам относится собор Вестминстерского аббатства в Лондоне (Англия), Кёльнский собор в Германии, костел Святой Анны в Вильнюсе (Литва), Домская (соборная) церковь в Риге (Латвия), кафедральный собор в Толедо (Испания), собор Святого Вита в Праге (Чехия). Лишь в Италии готические идеи распространились поздно и не получили широкого признания. Пожалуй, одну из наиболее ярких страниц в европейскую средневековую культуру вписала скульптура. На первый взгляд ее функция была чисто декоративной. И это верно. Но постепенно готическая пластика обрела более самостоятельное художественное значение, связанное не только с украшением стен храмов. Порукой этому было обо- Тема 8 собление образа человека от декоративного убранства. Статуи стали отделять от стен зданий, помещать в нишах и, словно в музее, на отдельных постаментах. Изображения людей становились все более материальными, плотскими. В лучших работах скульпторам удавалось выразить внутреннее состояние, одухотворенность своих героев. Храмовую службу невозможно представить без музыки. Стиль католических литургических песнопений сложился уже к началу VII в., когда под руководством римского папы Григория I Великого были созданы строгие одноголосные молитвы, получившие обобщенное название «григорианский хорал». Со временем был утвержден круг музыкальных номеров, входящих в мессу (богослужение, аналогичное православной литургии). К основным номерам мессы относятся: 1. «Kyrie eleison» — «Господи, помилуй». 2. «Gloria in excelsis deo» — «Слава в вышних». 3. «Credo in unum Deum» — «Верую». 4. «Santus, santus, santus» — «Трисвятая песнь». «Benedictus» — «Благословен грядый». 5. «Agnus Dei» — «Агнец Божий». Первоначально католические гимны создавались на основе григорианского хорала. Но уже к Х в. в храмовой музыке возникли новые мелодии, так называемые секвенции — импровизационные вставки, которыми расцвечивался молитвенный текст. Особую популярность приобрела секвенция «Dies irae» («День гнева»), создание которой приписывается Томмазо да Челано (ум. 1256 г.): День предстанет в гневной силе, Как творенью лечь в могиле По Давиду и Сивилле. Перевод А.А. Фета В XIV в. «Dies irae» входит в реквием — траурную заупокойную мессу, становясь ее кульминацией. Исполненный религиозного пафоса, мрачный и трагичный, этот напев стал восприниматься как пришедший из древности образ Страшного суда, смерти, наказания и воздаяния за грехи. Тему «Dies irae» использовали многие русские композиторы, в том числе С.В. Рахманинов, Н.Я. Мясковский, Д.Д. Шостакович. 157 Художественная культура европейского Средневековья В течение долгого времени музыкальное искусство не имело полноценного «письменного языка» — точной фиксации высоты звуков. Движение мелодии обозначали весьма приблизительно с помощью невмен-ного письма (невмы — знаки безлинейной нотации). Честь изобретения нотных линеек принадлежит знаменитому итальянскому теоретику Гвидо д’Ареццо (Гвидо Аретинскому), жившему в первой половине XI в. Монах бенедиктинского монастыря в Ареццо, руководитель детского хора кафедральной школы Гвидо был озабочен сложностью прочтения невм и их весьма относительной точностью. Он предложил ввести в употребление четырехлинейный нотный стан (пять линеек стали употреблять позднее). Внешний образ нотных линеек Гвидо позаимствовал из графического изображения струн музыкальных инструментов. С этого времени музыка обрела профессиональную лексику и появилась возможность точно записать сочинение того или иного композитора. В XI—XII вв. у разных народов Европы сложилась письменная литература на родном языке. Царицей словесности стала поэзия. Древние сказания и героические легенды обрели новую жизнь в стихотворных поэмах, которые исполняли, а порой и слагали странствующие певцы и музыканты — немецкие шпильманы (игрецы), французские жонглеры (фокусники). Средневековый эпос разнообразен. У французов огромной популярностью пользовались поэмы, рассказывающие о событиях времен Карла Великого. В них воспевались воинские подвиги идеального рыцаря Роланда, погибшего в бою за христианскую веру. В Германии результатом поэтической переработки старинных героических песен стала эпопея «Песнь о нибелунгах». Среди кельтских сказаний выделяется поэма о рыцаре Парцифале (Парсифале), отправившемся на поиски Святого Грааля — чаши с кровью распятого Спасителя. Обратим внимание: при всей несхожести сюжетов, в европейском эпосе разных народов много общего. В нем превозносились смелость, преданность долгу, бескорыстное служение родине и сюзерену, способность отдать жизнь во имя идеи. В поэмах причудливо переплелись реальные исторические события, картины рыцарского и придворного быта и фантастические образы, почерпнутые из народных преданий. Рыцарь, закованный в латы, тяжелым ударом разящий врага, — далеко не единственный герой средневековой литературы. С ростом го- 158 Тема 8 родов и развитием светской замковой культуры все большее значение приобретает любовная рыцарская поэзия, получившая название куртуазной (что означает придворной); в ней воспевается Прекрасная Дама, которой поклонялся рыцарь. Ради возлюбленной он совершал подвиги, с ее именем на устах сражался на военных турнирах. Ей же посвящал свои песни и стихи, воспевая красоту и добродетели избранницы (обычно знатной дамы или даже королевы). Поразительно, что изысканная куртуазная поэзия зародилась в среде рыцарей, еще совсем недавно невежественных вояк, круг интересов которых не выходил за пределы быта, оружия, крестовых походов. Превращению грубых крестоносцев в придворных аристократов способствовала новая система воспитания: молодых людей стали обучать не только военному делу, но и красивой и правильной речи, стихотворному искусству, танцам, игре на музыкальных инструментах, обходительным манерам и правилам хорошего тона. Все это и составило кур-туазность, сложившуюся в XI в. Средневековые барды — трубадур^1 и труверы во Франции, менестрели в Англии, миннезин^геры в Германии — создали лирическую поэзию, в которой царили идеальные, лишенные изъянов образы. Подлинной героиней этого искусства была куртуазная любовь — трепетное обожание, возвышенное, нередко тайное и лишенное взаимности чувство. В любовном томлении по недосягаемому идеалу певцы куртуазности находили особую усладу, умножающую полноту жизни и дарящую вдохновение: Коль не от сердца песнь идет, Она не стоит ни гроша, А сердце песни не споет, Любви не зная совершенной. Мои канцоны вдохновенны — Любовью у меня горят И сердце, и уста, и взгляд. Бернарт де Вентадорн, трубадур из Прованса В замковой среде получил развитие рыцарский средневе^ов^сй роман, который нередко называют авантюрным. Одним из создателей этого 159 Художественная культура европейского Средневековья поэтического жанра считается Кретьен де Труа (XII в.) — французский поэт, воспевший идеалы рыцарской нравственности. Действия его героев направлены на совершение подвига во имя личной славы: идя навстречу приключению (авантюре), идеальный рыцарь попадает во всевозможные передряги и любовные истории, сохраняя верность даме сердца. Обязательный элемент рыцарского романа — фантастика, сверхъестественные, необычные ситуации, возвышающие рыцарскую среду над обыденной жизнью простых людей. Одним из самых прославленных произведений средневековой литературы является роман «Тристан и Изольда». В его основе — кельтское сказание о трагической любви рыцаря Тристана и королевы Изольды. Пагубная страсть молодых людей перерастает в романе в конфликт между чувством и долгом. Особую область средневекового искусства составляет латинская поэзия вагантов. Ваганты — «бродячие люди», озорные школяры, странствовавшие из одного университетского городка в другой. Их поэзия изначально противостояла куртуазной манерности, тонкому аристократизму. Ваганты без всякого жеманства прославляли человечность и доброту, честную бедность, свободу от власти денег: Жизнь на свете хороша, коль душа свободна, а свободная душа Господу угодна. «Орден вагантов». Неизвестный автор. Перевод Л.В. Гинзбурга Итак, в средневековом искусстве Европы сложились две ветви христианской традиции. Первая, рожденная в Византии, не получив широкого развития в странах Западной и Восточной Европы, обрела новую жизнь в художественной культуре православной Руси. Вторая, состоявшаяся в католическом христианском мире, набирала силу в храмовом и светском искусстве европейского Средневековья. Предваряя идеалы будущего, европейские мастера открыли в художественных образах не только мир Божий, но и мир людской и устремились далее, по пути познания безграничных возможностей человеческой личности, к эпохе Возрождения. 160 ш ВОПРОСЫ И ЗАДАНИЯ 1. Повторите по курсу истории и расскажите об эпохе, которую принято называть Средними веками. Как развивалось искусство, рожденное средневековыми культурными традициями? 2. Какие религиозные взгляды лежали в основе художественной культуры европейского Средневековья? 3. Назовите, какие темы и сюжеты стали приоритетными для средневекового искусства? В чем отличие православной (восточной) и католической (западной) художественных традиций? 4. Расскажите о двух основных типах христианского храма (крестово-купольный и базилика). 5. Расскажите о художественном наследии Византии. Какова судьба Софийского собора в Константинополе? Что вам известно о связях византийской и русской культур? 6. Прочитайте фрагмент стихотворения А.А. Блока: Все, что минутно, все, что бренно, Похоронила ты в веках. Ты, как младенец, спишь, Равенна, У сонной вечности в руках. Рабы сквозь римские ворота Уже не возят мозаик. И догорает позолота В стенах прохладных базилик. О каких памятниках культуры размышляет поэт? Чем знаменита Равенна? 7. Когда сложился канон в византийской иконографии? Что такое икона и как она создавалась? Какие идеи воплощает иконопись? 8. Расскажите, как изображался в византийской иконописи Иисус Христос. щ О щ l-Al т У р«| ш т т т т т щ I т У т У ш т т щ т т Ш т ш т щ [О 1-ф I 161 9. Прочитайте Песнь Пресвятой Богородице по церковнославянски: «Богородице Дево, радуйся, Благодатная Марие, Господь с Тобою; благословена Ты в женах и благословен плод чрева Твоего, яко Спаса родила еси душ наших». Подумайте, какой иконописный сюжет соответствует этой молитве. Как изображалась Богородица в византийской живописи? 10. Кто создавал музыку православных молитв? Какие молитвы вам запомнились? 11. Что такое романский стиль в искусстве? Когда он возник? Какие памятники романского стиля вы можете назвать? 12. Какой художественный стиль избавил европейское зодчество от массивной тяжеловесности? Составте рассказ о готических храмах Европы. 13. Что такое месса? Почему песнопения в католических храмах раннего Средневековья называют григорианскими? Кто изобрел нотный стан? Какой образ ассоциируется с секвенцией «Dies irae»? 14. Средневековые барды воспевали неземную любовь к Прекрасной Даме. Как их называли? Чем можно объяснить появление куртуазной литературы? 15. Кто из средневековых поэтов мог создать следующий текст: Я кочующий школяр... На меня судьбина свой обрушила удар, что твоя дубина. Не для суетной тщеты, не для развлеченья — из-за горькой нищеты бросил я ученье. 16. Всесильный Бог и грешный человек: как соотносились эти образы в искусстве европейского Средневековья? Почему разнятся по образному строю католические скульптуры и византийские иконы? ш DEEd 162 Тема 9 Художественная культура итальянского Возрождения: трудный путь гуманизма Не правда ли — примерам нет конца Тому, как образ, в камне воплощенный. Пленяет взор потомка восхищенный И замыслом, и почерком резца? Творенье может пережить творца: Творец уйдет, природой побежденный. Однако образ, им запечатленный. Веками будет согревать сердца. Микеланджело Буонарроти Пророк, иль демон, иль кудесник. Загадку вечную храня, О, Леонардо, ты — предвестник Еще неведомого дня. Д. С. Мережковский Художественная культура итальянского Возрождения В 1550 г. живописец, архитектор, историк искусства Джорджо Вазари в своем труде «Жизнеописание наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» провозгласил: после многих лет упадка искусства наконец-то началось его возрождение. Так родился термин «Возрождение» (или «Ренессанс»), которым сегодня принято обозначать эпоху великого расцвета европейского искусства, совпавшую с поздним Средневековьем. Рамки этой эпохи достаточно произвольны, ибо Возрождение наступило в странах Европы в разное время. На севере европейского континента оно состоялось лишь в XVI в., на юге же, в Италии гораздо раньше. Именно в Италии, на землях античной культуры, родились новые представления о мире и человеке, пришедшие на смену средневековым взглядам. С искусства итальянских мастеров мы и начнем разговор о Возрождении. Но прежде всего вновь вернемся к термину. Сегодня творения «пророков» и «кудесников» ренессансной культуры совсем не кажутся «повторением пройденного». Возникает вопрос: что же все-таки «возродилось»? На первый взгляд сама идея итальянского Возрождения тесно связана с обращением к полузабытой античности, к языческим образам, к художественному опыту Древней Греции и Рима. Античность стала путеводной звездой мастеров этой эпохи, помогая освободиться от строгих канонов средневекового искусства. Греческое и римское наследие считалось абсолютной эстетической ценностью, а его творцы — непререкаемыми авторитетами. Повсеместные археологические изыскания (благодаря которым до нас дошли многие античные шедевры) давали пищу для размышлений о существовавшей в древности гармонии красоты, столь непохожей на эталоны храмового средневекового искусства. Изучение латыни открыло грамотному городскому населению путь к чтению античной классики. В аристократических кругах Италии особенно ценилось знание римской поэзии и риторики. Подражая великому Цицерону, многие горожане соревновались в ораторском мастерстве. Отношение к древним текстам, как и к любым фрагментам античной цивилизации (вплоть до черепков!) бы- 164 Тема 9 ло трепетным и несколько сентиментальным. Как выразился Данте, даже камни, образующие стены Рима, даже почва, на которой стоит Вечный город, достойны благоговения! И все же не только античное наследие преобразило художественную культуру. Гораздо более важными были те изменения, которые произошли в духовной жизни итальянцев. Родились идеалы гуманизма (от латинского слова, означающего «человеческий»). Их суть — в утверждении самоценности человека, личности, индивидуальности, свободной в своем волеизъявлении и творчестве. Гуманисты (так называли людей, исповедующих новый взгляд на человека1) открыли сферу творчества, где не только боги были уподоблены людям (вспомним Древнюю Грецию!), но обрели богоподобие и неповторимые личности, наделенные неисчерпаемыми творческими возможностями. Как сказал Микеланджело: Чем выше поднят молот в небеса, тем глубже он врубается в земное, становится скульптурой и дворцом. Мы в творчестве выходим из себя. И это называется душою. Я — молот, направляемый Творцом.. Перевод А.А. Вознесенского Ренессансное мироощущение, жажда индивидуальной свободы одухотворили интеллектуальное и творческое развитие целой плеяды неповторимых по своей универсальности личностей. Так, великий художник Леонардо да Винчи был не менее великим инженером-изобре-тателем, скульптором, архитектором; в гении Микеланджело Буонарроти сплелись одаренность художника, архитектора, скульптора, поэта; Леон Баттист Альберти сочетал увлеченность физикой, математикой, скульптурой, живописью, литературным творчеством с любовью к риторике, юриспруденции и... верховой езде. Процесс возвеличивания человека, конечно же, не был лишен противоречий. Вытесняя из обихода идеалы христианской святости, Возрождение формировало самые разные нравственные установки. 1 Кружки гуманистов впервые возникли во Флоренции. Название произошло от круга наук о человеке (в противопоставление теологии), которыми занимались образованные и художественно одаренные люди. 165 Художественная культура итальянского Возрождения Например прегрешения, а порой и преступления, которые совершались великими людьми, стали считаться не столь важными, коль скоро человеку удалось достичь при жизни славы и успеха. Материальное, но не духовное начало, земные богатства, роскошь, широкая образованность ценились не меньше, чем доброта, самопожертвование, любовь к ближним. Признание человека «мерилом всего» стимулировало развитие непомерного честолюбия, желания преуспеть любой ценой. «Цель оправдывает средства» — так считал Никколо Макиавелли, один из самых умных, но циничных и язвительных людей своего времени. Неслучайно «школой злословия» назвал Италию крупнейший знаток культуры Возрождения Якоб Буркхардт. Кипение общественной жизни, насыщенной борениями и страстями, не могло не сказаться в судьбах и творчестве гениев Ренессанса. Их искусство перестало воплощать исключительно духовные образы, идеалы, установки, рожденные христианством. В скульптуру, живопись, музыку вернулись языческие боги и богини, персонажи античной истории. Церковное и светское искусство начинает говорить на едином художественном языке. В связи с этим происходит секуляризация— переход храмовой живописи, скульптуры, музыки в светские формы. Самое же главное, искусство постепенно начинает открывать реального человека — прекрасного и безобразного, святого и грешного, доброго и злого, воинствующего и любящего. Словом, в художественной культуре Возрождения складывается «гуманистический реализм», открывший дорогу всем реалистическим течениям европейского искусства последующего времени. Развиваясь в течение трех столетий, художественная культура Возрождения прошла этапы своего зарождения, расцвета, заката. В итальянском Ренессансе принято выделять следующие периоды: Проторенессанс (XII—XIII вв.), Раннее Возрождение (XV в.), Высокое Возрождение (1490-е г. — первая треть XVI в.), Позднее Возрождение (вторая половина XVI в.). Впрочем, искусствоведы привыкли обозначать этапы итальянского Ренессанса по названию столетий, а именно: Дученто (буквально двухсотые, т. е. XIII в.), Треченто (трехсотые, XIV в.), Кватроченто (четырехсотые, XV в.), Чиквиченто (пятисотые, XVI в.). Начало было положено так называемым Проторенессансом (иначе Предвозрождением), расцветшим на землях Флоренции. 166 Тема 9 Возникновение этого знаменитого города относят к глубокой древности, к эпохе этрусков, когда люди избрали для поселения высокий холм Фьезоле. Часть жителей со временем спустилась в долину реки Арно, где и был основан город с замечательным названием Флоренция, что означает «цветущая». К началу XIII в. здесь сформировались городская автономия и своеобразная демократия. Правда, спокойной политическая жизнь «вольного» города не была никогда. Здесь постоянно вели жестокую борьбу две партии — «гвельфы» (сторонники папы римского) и «гибеллины» (сторонники светской власти). Гвельфы в свою очередь подразделялись на «белых» и «черных». Невольно вспоминаются слова Данте, обращенные к Флоренции: За краткий срок ты столько раз меняла Законы, деньги; весь уклад и чин И собственное тело обновляла! Кстати, именно партия «черных» отправила в изгнание этого великого флорентийца, провозвестника возрожденческих взглядов. Данте Алигьери (1265—1321) называют последним поэтом Средневековья и первым поэтом Возрождения. В сложных хитросплетениях жизни он не был сторонним наблюдателем. Когда в правящих кругах Флоренции произошел раскол, он решительно поддержал тех, кто выступал против всевластия папы римского. Горожане оценили эту позицию: в 36 лет Данте становится членом городского самоуправления. С переменой власти он вынужден был поселиться в Равенне, где и похоронен. Но до сих пор флорен- Доменико ди Микелино. Данте и «Божественная комедия» 167 Художественная культура итальянского Возрождения тийцы надеются на возвращение останков Данте на родную землю: в древнем соборе Санта-Кроче создан кенотаф — символическое пустое надгробие поэта. Когда Данте в молодости начал писать стихи, тосканский народный язык не был в чести у просвещенных аристократов. И все же самое выдающееся свое произведение Данте написал именно на этом наречии. Поэтому с его «Божественной комедии» началось утверждение литературного итальянского языка1. Поэма рассказывает о путешествии Данте в 1300 г. по трем царствам загробного мира — аду, чистилищу и раю, в соответствии с чем в произведении три части («Ад», «Чистилище», «Рай»). Каждая часть имеет 33 песни. Всего же в поэме 100 песен (первая — введение). Так что в ней нашла отражение средневековая символика чисел: три — Святая Троица, 100 — совершенство, 9 — число небесных сфер. Начнем читать поэму в переводе М.Л. Лозинского и обратим внимание на строки: Земную жизнь пройдя до половины, Я очутился в сумрачном лесу, Утратив правый путь во тьме долины. Лес — это тоже символ, аллегория земных грехов, заблуждений, неверных путей жизни, выбраться из которых нелегко. Поэт устремился на вершину спасительного холма, но дорогу ему преградила пантера (в русском переводе обычно рысь). И тут на помощь Данте призвал не христианского Бога или Богородицу, а знаменитого античного поэта Вергилия, который становится его проводником по загробному миру. Однако картина мироздания, воссозданная в поэме, вполне сопоставима с христианскими представлениями об устройстве земной и загробной жизни. Земной шар — центр Вселенной. В Северном его полушарии находится ад, который представляет собой пропасть в виде воронки, возникшей в результате низвержения с небес сатаны — Люцифера. Каждый из девяти кругов ада книзу становится все уже и уходит в центр Земли, где в ледяное озеро вмерз Люцифер. От- 1 Данте назвал свое сочинение «комедия», потому что так в его время озаглавливали произведение со счастливым концом. Определение «Божественная» поэме добавили ее почитатели, выразив тем самым свое преклонение перед автором и его творением. 168 Тема 9 туда же ход ведет на поверхность Южного полушария, где посередине океана находится огромная конусообразная гора чистилище1. Вершина горы — земной рай, или Эдем. Небесный же рай находится на небесах, в сферах Луны, Меркурия, Венеры и других небесных тел, число которых — 9. Особенно страшны страдания людей в аду, где царят «вздохи, плач и исступленный крик». Чем страшнее грех, тем ниже находится человек. Так, в первом круге мучаются герои и философы древности, которым закрыт доступ в рай («не спасут одни заслуги, если нет крещенья»). В остальных кругах терпят страшные муки сладострастники, чревоугодники, скупцы, расточители, насильники, тираны, богохульники, распутники, льстецы, убийцы и самоубийцы: ... Адский ветер, отдыха не зная, Мчит сонмы душ среди окрестной мглы И мучит их, крутя и истязая. В последнем, девятом круге вмерзли в лед те, кто, по мнению поэта, виновен в самом страшном преступлении — предательстве. Вот почему в самом средоточии Вселенной в трех своих пастях терзает Люцифер Иуду, предавшего Христа, а также Брута и Кассия, убивших своего друга Юлия Цезаря. На пути к небесному раю Вергилий вдруг исчезает: язычнику туда доступ закрыт. Ему на смену является дивная женщина в венке из олив. Это Беатриче, любовь поэта, которая здесь символизирует вечную Божественную мудрость2. Цвета ее одежды — алый, зеленый и белый — напоминают о добродетелях — вере, надежде, любви. Данте на миг бросает взгляд на Землю и поражается, что увидел этот шар столь жалким, что не мог не усмехнуться. Предел Вселенной — Эмпирея3, полная лучезарного света: 1 По учению современника Данте, доминиканца святого Фомы Аквинского, в чистилище души грешников, не отягощенные смертными грехами, горят в очистительном огне. Срок их пребывания здесь :^авис^т от молитв людей, оставшихся на земле. 2 Данте полюбил Беатрисе, когда ей было девять лет. Он посвятил своей возлюбленной немало советов. Беатриче вышла замуж за Тугого и умерла очень рано, оставив в сердце поэта вечную скорби. В храме Флоренции^, где похоронена Беатриче, висят картины, рассказывающие историю этой великой любви. 3 Эмпирея (греч.) — пламенная. 169 Художественная культура итальянского Возрождения И свет предстал мне в образе потока, Струистый блеск, волшебною весной Вдоль берегов расцвеченный широко. Живые искры, взвившись над рекой, Садились на цветы, кругом порхая, Как яхонты в оправе золотой... Апофеоз поэмы — явление сияющей райской белой розы, в центре которой — Бог, окруженный святыми и ангелами. Убедительные строки сочинения Данте породили легенду о том, что он действительно путешествовал по загробному миру. Несмотря на внешнее сходство «Божественной комедии» с христианскими представлениями о мироздании, поэт меняет одну из важнейших идей религиозного вероучения. Зададимся вопросом: кто может вершить суд над людьми? С точки зрения христианских представлений ответ очевиден: человек подсуден лишь Господу Богу. Поэт же взял на себя эту непосильную ношу, и в его воображаемом «суде» немаловажную роль играют чисто земные, человеческие пристрастия. Эпиграфом к шестой главе пушкинского «Евгения Онегина» взяты строки: «Там, где дни облачны и кратки, рождается племя, которому не больно умирать». Эти слова принадлежат великому поэту эпохи Предвозрождения Франческо Петрарке (1304—1374). У Петрарки, как и у Данте, была «Прекрасная Дама», которой он посвятил свою музу. Красавицу Лауру Петрарка встретил в 23 года. Двадцатилетняя женщина была уже замужем. Всю жизнь поэт воспевал ее неземную прелесть и добродетели, а после смерти возлюбленной оплакивал ее кончину. Вот один из сонетов1, позднее вдохновивший композитора Ф. Листа на создание знаменитой фортепианной пьесы «Сонет Петрарки № 104»: Мне мира нет, — и брани не подъемлю. Восторг и страх в груди, пожар и лед. Заоблачный стремлю в мечтах полет —И падаю, низверженный, на землю. 1 Сонет — стихотворение из 14 строф: два четверостишия и два трехстишия. 170 Тема 9 Сжимая мир в объятьях, — сон объемлю. Мне бог любви коварный плен кует: Ни узник я, ни вольный. Жду — убьет; Но медлит он, — и вновь надежде внемлю. Я зряч — без глаз; без языка — кричу. Зову конец — и вновь молю: «Пощада!» Кляну себя — и все же дни влачу. Мой плач — мой смех. Ни жизни мне не надо, Ни гибели. Я мук своих — хочу... И вот за пыл сердечный мой награда! Перевод Вяч.И. Иванова Эмоционально-распахнутая, то страстная, то изысканно-грациозная лирика Петрарки и других поэтов-гуманистов оказала огромное воздействие на музыкальное искусство. Ars nova,1 или музыкой Треченто обычно называют произведения XIV в., воспевающие простые радости жизни и любовные переживания. Появляются новые музыкальные жанры. Среди них качча (букв. охота, погоня), воспроизводящая сценки охоты, исполнявшаяся обычно на три голоса (два верхних голоса пелись, нижний принадлежал музыкальному инструменту). Музыка имитировала крики охотников, лай собак, звуки погони. Другой не менее популярный жанр Ars nova — баллата (от ballo — танец). Исполнялись баллаты соло с хором или в сопровождении музыкальных инструментов. Чаще всего баллата имела танцевальный характер и по-светски легкое содержание. Самое значительное явление музыки Треченто — рождение мадригала — лирической песни, созданной на основе высокой поэзии изысканного стиля. Мадригалы зазвучали в великолепных палаццо североитальянских городов: Флоренции и Пизы, Болоньи и Падуи, Перуджии и Римини. Исполняли их на два и три голоса, среди которых верхний был ведущим и отличался особой мелодической выразительностью. На тексты Франческо Петрарки, Джованни Боккаччо, Франко Саккет-ти создавали мадригалы ведущие композиторы: Франческо Ландино, 1 Термин возник во Франции (ок. 1320) в ходе дискуссии сторонников старого и нового искусства. В современном музыкознании применяется расширительно и относится к западноевропейской му^ке XIV в. в целом. 171 Художественная культура итальянского Возрождения Дж. да Фиренце, Якопо да Болонья и другие, воспевая чувства человека, познавшего любовь. Сложный, богатый мир человеческой личности открывали не только предвозрожденческая поэзия и музыка, но и проза. Своеобразной энциклопедией любовных переживаний можно считать «Декамерон» Джованни Боккаччо (1313—1375), итальянского гуманиста, современника Петрарки. Впервые в средневековой литературе Боккаччо дерзнул воспеть чувственную любовь. Предыстория этого сочинения такова. В 1348 г. Флоренцию охватила сильнейшая эпидемия. Чума! Не было в те времена более страшной болезни! Парадоксально, но именно этот факт послужил отправной точкой создания «Декамерона» — сочинения, полного искрящегося юмора. В ста его новеллах Боккаччо запечатлел истории, якобы рассказанные его друзьями, спасающимися от чумы в загородном доме. Обилие житейских подробностей делает это повествование действительно достоверным. В новеллах Боккаччо показаны реальные герои с их достоинствами, страстями, стремлениями. Автор приветствует в людях ум, изобретательность, смекалку и насмехается над тупостью, чванством, скупостью. На страницах «Декамерона» человек предстает как хозяин своей судьбы, как самодостаточная личность вне зависимости от принадлежности к тому или иному сословию. Каждая новелла «Декамерона» утверждает: человек имеет право на сильные земные чувства и страсти. Таков идеал рождающейся эпохи Возрождения. На благодатной земле Флоренции впервые явилась предвозрожденческая живописи. Родоначальником и провозвестником нового искусства стал Джотто ди Бондоне (1266 или 1267—1337). Ровесник Данте, он относится к многогранно одаренным представителям флорентийских гуманистов: незаурядный талант в архитектуре, скульптуре, поэзии. Образы живописи Джотто отличаются силой эмоционального воздействия, драматизмом и духовной глубиной. Оставаясь в рамках христианских канонических сюжетов, мастер упорно искал реалистические средства художественной выразительности и первым разрушил средневековое плоскостное изображение. Произведения Джотто сохранились во многих музеях, но прежде всего в храмах Флоренции, Рима, Падуи. Для флорентийцев особенно дороги фрески капеллы Барди церкви Санта-Кроче, посвященные истории жизни почитаемого здесь святого Франциска (созданы ок. 1325). Пожалуй, наибольшую известность приобрели фрески Капеллы дель Арена в Падуе (построена в 1303—1305 гг. на месте разрушенной 172 Тема 9 арены древнеримского цирка). В них ярко отразилась индивидуальная неповторимость стиля Джотто. Фрески посвящены образам Священного Писания, переданным мастером без всякой условности, с драматизмом, доходящим до экспрессии. В знаменитой сцене «Поцелуй Иуды», где персонажи наделены ярко выраженными человеческими характерами, мастер подчеркивает нравственное превосходство, мужество, стойкость Иисуса Христа и осуждает отталкивающе-лживое лицемерие предателя Иуды. Неотразимая сила композиции проявляется в том, что Джотто, воплощая человеческое, не отходит от смысла и высокого духовного пафоса религиозного вероучения. Флорентийцы гордятся еще одним творением гениального мастера — так называемой Кампаниле (колокольней) Джотто. Колокольня входит в ансамбль знаменитого собора Санта Мария дель Фьоре (святой Девы Марии с цветком лилии в руке), постройка которого была начата в 1294 г. архитектором Арнольфо ди Камбио. Сооружение Кампаниле началось позднее, в 1334 г. Проект принадлежал Джотто, он же руководил всеми работами (в том числе изготовлением барельефов). Правда, до окончания строительства мастер не дожил и завершили сооружение его последователи Андреа Пизано и Франческо Таленти. Колокольня отличается удивительным изяществом, легкостью, полетной устремленностью ввысь. Этому способствует мраморная облицовка и тончайшая ажурная резьба, зрительно облегчающая конструкцию. Колокольня Джотто 173 Художественная культура итальянского Возрождения В 1436 г. архитектор Филиппо Брунеллески (1377—1446), с именем которого связано начало Раннего Возрождения, завершил сооружение храмового ансамбля Санта Мария дель Фьоре, возведя над средневековым собором грандиозный восьмигранный купол. Купол был пустотелый, с двумя оболочками. Брунеллески облегчил вес свода и уменьшил силу распора, действующую на стены барабана. Мощная масса купола, завершенного фонарем, словно царит над Флоренцией. В этом сооружении воплотилась идея возвеличивания человеческого разума, его безграничных возможностей. С именем Брунеллески связана разработка еще одной важнейшей идеи архитектуры Возрождения — свободное использование античного ордена. Зодчий обратился к нему при создании формы палаццо — городского дворца. Вероятно, мастер спроектировал центральную часть палаццо Питти (начато в 1440 г.), где сегодня расположены семь художественных собраний, в том числе знаменитая Палатинская галерея. Брунеллески по праву считается родоначальником ренессансной архитектуры. Следующий этап ее развития определяется творчеством Леона Баттиста Альберти (1404—1472), энциклопедически образованного теоретика, автора трактатов по истории искусства («Десять книг о зодчестве»). Прекрасен облик спроектированного им палаццо Ручеллаи во Флоренции, где античное наследие получает новую трактовку и яркую пластическую выразительность. Эпоха Раннего Возрождения имела особое значение для ваяния. Скульптура, находившаяся в Средние века в полной зависимости от зодчества, вновь обретает самостоятельность. Центральный образ этого искусства — человек. Скульптурными портретами наполняются дома знатных горожан; конные статуи становятся излюбленным украшением улиц и площадей. В первой половине XV в. большой известностью пользовался мастер Лоренцо Гиберти (1378—1455), создатель декоративных рельефов для дверей флорентийского баптистерия (крещальни) — «прекрасного Сан Джованни», как называл это сооружение Данте. 28 картин на дверях северного входа рассказывают о жизни Иисуса Христа. Этой работе мастер посвятил более 20 лет. Ему же принадлежат сцены Ветхого завета восточных дверей баптистерия. «Вратами рая» назвал Микеланджело это творение Гиберти. Рельефы, наполненные живым дыханием реалистического искусства, стали одной из главных достопримечательностей Флоренции. 174 Тема 9 Но все же подлинным реформатором скульптуры считается ученик Гиберти Донателло (ок. 1386—1466, полное имя Донато ди Никколо ди Бетто Барди). Именно он сотворил первую обнаженную статую — «Давид» (1430—1440-е). Выполненная в бронзе фигура хорошо обозрима с разных сторон. В образе юного пастуха, победителя великана Голиафа, конечно же, чувствуется влияние античности. Но напряженность позы и острота ритма, что сообщил мастер своему творению, характерна лишь для ренессансного искусства. Те же тенденции можно встретить в живописи Раннего Возрождения. После Джотто художники все более устремляются к реалистическому воспроизведению жизни, отодвинув в прошлое готическую средневековую условность. Реформатором живописи стал флорентиец Мазаччо (1401—1428, настоящее имя Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи), вошедший в историю прежде всего как творец монументальных фресок. Образ человека в работах Мазаччо приобретает индивидуализированные черты и внутреннюю активность. Об этом свидетельствуют фрески капеллы Бранкаччи (церковь Санта Мария дель Кармине, Флоренция), посвященные истории жизни апостола Петра. Подобно творениям Джотто, живопись Мазаччо сохраняет огромную духовную наполненность и силу нравственного примера. Итак, ведущую роль в становлении культуры Раннего Возрождения играла Флоренция. Здесь в конце XV в. власть перешла к банкирскому дому Медичи, где любили и ценили искусство. При дворе Медичи собрались самые известные мастера — поэты и писатели, художники и скульпторы. Особенно Джотто. Поцелуй Иуды Баптистерий Сан Джованни 175 Художественная культура итальянского Возрождения Сандро Боттичелли. Рождение Венеры значительный след в истории ренессансной культуры оставила эпоха, связанная с правлением Лоренцо Медичи, прозванного Великолепным. Не отличаясь особой нравственностью, он насаждал стиль изысканной жизни, где богатство и роскошь выставлялись напоказ, а античная мифология служила предметом изучения и даже... подражания. Неслучайно Лоренцо Медичи написал вакхическую песенку, где были и такие слова: «Если хочешь — счастлив будь, но на завтра не надейся». Перед нами портрет Неизвестного с медалью с изображением Ко-зимо Старшего (одного из Медичи). Многие искусствоведы считают, что на портрете знаменитый мастер Сандро Боттичелли (1445— 1510, настоящее имя Алессандро Филипепи) изобразил самого себя. Его искусство, выросшее в атмосфере острых противоречий жизни дома Медичи, наполненно то поэтичной утонченностью, то (особенно в поздних работах) болезненным мироощущением. 176 Тема 9 Ранние полотна художника отличаются безмятежным лиризмом. В зрелые годы произведения Боттичелли приобретают особую изысканность, навеянную стихами Анджело Полициано, придворного поэта Медичи. Самые известные работы мастера — «Весна» (ок. 1483) и «Рождение Венеры» (ок. 1484)1. Оба эти полотна связаны с изображением царства Венеры, описанного Полициано. На первом из них в центре композиции мечтательная Венера, слева от нее Меркурий, разгоняющий тучи, и три грации, справа Весна, разбрасывающая цветы, Флора, преследуемая Зефиром, вверху Амур, стреляющий из лука. На другом полотне мастер усиливает условную декоративность изысканных образов. Нежная холодноватость красок создает ощущение мимолетности возникшего прекрасного видения. Еще миг, и Венера сольется со стихией, ее породившей! Обратим внимание на тонкие нежные черты лица Венеры. Однажды найденные мастером, они вновь и вновь повторяются в его работах. Впервые же наиболее убедительно запечатлел Боттичелли женский образ в своем шедевре «Мадонна Магнификат» (1482). Название картины происходит от первого слова на странице открытой книги, в которой что-то пишет Дева Мария. Она предстает в обрамлении ангелов, венчающих ее сияющей короной. Композиция вписана в круг, который повторяет своими линиями обрамление полотна. Остается добавить, что эта работа отличается удивительной музыкальностью линий и красок. Да и сам сюжет имеет ярко выраженную музыкальную подоплеку. Ведь название «Магнификат» происходит от первого слова молитвы Девы Марии из Евангелия («Величит душа моя Господа»). Эта хвалебная песнь с давних пор составляет кульминацию в католической вечерне и не раз служила источником вдохновения западноевропейских композиторов (в числе которых И.С. Бах). «Титаны Возрождения» — так часто называют сегодня плеяду гениев, творивших в эпоху Высокого Ренессанс. Эти люди, наделенные многогранными дарованиями, сумели изменить положение художника в итальянском обществе. Титаническая мощь их искусства заставила власть предержащих считаться с творческими установками и человеческой индивидуальностью тех, кто вписал одну из самых блистатель- 1 Оба полотна находятся в знаменитой галерее Уффици, с^ом старом художественном музее мира. Дворец, в котором размещена галерея, был возведен в середине XVI в. по желанию Козимо I Медичи по проекту Джорджо Вазари. 177 Художественная культура итальянского Возрождения Сандро Боттичелли. Мадонна Магнификат Леонардо да Винчи. Мона Лиза ных страниц в историю мировой художественной культуры. Зарождение принципов архитектуры Высокого Ренессанса связано с ^мом. Именно здесь сформировался облик здания, в котором чувствуется более свободное использование античных классических ордеров. Основателем новой архитектуры по праву считается Донато д’Анджело Браманте (1444—1514); главным детищем мастера стал проект собора Святого Петра в Риме (1506). В плане это грандиозное сооружение представляет собой квадрат с греческим равноконечным крестом. По замыслу Браманте большой купол собора пирамидально вырастает из более мелких объемов. Его громада знаменует торжество человеческой воли, победу над косной материей, мощь власти, способной собрать под своими сводами великое множество людей. Большой след в архитектуре Высокого и Позднего Возрождения оставило творчество Андреа Палладио (1508—1580). Крупный теоретик нового зодчества, он обосновал то, что сегодня называют принципами классической архитектуры, сформулировав правила, следуя которым архитектор мог достичь совершенной гармонии, возвышенной красоты и безупречных стройных форм. Трактаты зодчего и его прекрасное наследие оказали огромное влияние на русскую архитектуру XVIII в., и не было в то время в России мастера, который бы не изучал и не чтил великого итальянца. Основоположник стиля Высокого Возрождения в живописи — Леонардо да Винчи (1452—1519). Человек-эпоха, человек-загадка... Кажется, его биография хорошо изуче- 178 Тема 9 на. Известно даже, как выглядел Леонардо: он обладал прекрасными чертами лица, стройной фигурой и одевался по моде, был приятным человеком и увлекательным собеседником. И все же мы совершенно не знаем его. До сих пор неизвестно, где погребен художник. Кого он любил и кого ненавидел? О самой знаменитой его работе — «Джоконде» — написано очень много. Но ученые в сомнении: кто же изображен на этом полотне? Спорят они и о том, как родились научные пророчества и изобретения Леонардо. Существует даже версия писателей-фан-тастов, что эти идеи внушили художнику... инопланетяне. Впрочем, эти тайны не затеняют светлой памяти гения. Наследие Леонардо да Винчи как художника невелико. В числе его ранних произведений — «Мадонна с цветком» («Мадонна Бенуа»). Этот маленький шедевр молодого мастера до конца XVII в. находился в Италии. Затем картина исчезла, чтобы вновь явиться... в Астрахани, где у бродячего музыканта ее случайно купил русский купец Сапожников. Это произошло в 1824 г., а позднее полотно попало в собрание архитектора Л. Бенуа (отсюда ее второе название). В 1912 г. «Мадонну с цветком» за огромную сумму приобрел Эрмитаж, где она находится и сегодня. На картине юная шаловливая мать и крепкий, властный малыш. Композиция отличается особой теплотой и простотой образов, гармонией цвета и формы. Это хронологически первая истинно ренессансная Мадонна: Дева Мария у Леонардо да Винчи лишена какой-либо святости, вместо надмирной духовности он возвеличивает земное материнское чувство. Самое страстное, драматичное произведение Леонардо да Винчи — фреска «Тайная вечеря», выполненная в 1495—1497 гг. для монастыря Санта Мария делла Грацие в Милане. «Один из вас предаст меня», — сказал своим ученикам Иисус Христос во время Тайной вечери. Этот момент и запечатлел художник на стене монастырской трапезной. Как точно он «увидел» психологические состояния действующих лиц — Христа и апостолов! Сын Божий, носитель истины, спокоен и печален, покорен воле своего Небесного Отца. Грубый профиль Иуды, олицетворение мирового зла, погружен в тень, и лишь судорожный жест руки выдает его реакцию. Остальные ученики Христа удивлены и возмущены. Перед нами воплощение глубоко философской мысли о том, как сложно достучаться до сердец людей, проповедуя любовь и добро. Фреска дошла до нас в сильно поврежденном виде. Отчасти повинен в этом и сам художник, экспериментировавший с материалами во 179 Художественная культура итальянского Возрождения время работы. Другой шедевр Леонардо — «Мона Лиза» («Джоконда») сохранился лучше. Портрет Моны Лизы (жены купца дель Джокондо) с непередаваемой словами улыбкой настолько популярен и даже растиражирован в разного рода рекламах, что мы уже давно перестали задумываться об истинности этой «загадки гения». А ведь картина — действительно загадка. Кто-то видит на ней прекрасное и чистое лицо знатной дамы. Кто-то — стареющую беззащитную женщину, скрывающую свой незаурядный ум и знание жизни. Философ А.Ф. Лосев дал следующую оценку образа: «Ведь стоит только всмотреться в глаза Джоконды, как можно без труда заметить, что она, собственно говоря, совсем не улыбается. Это не улыбка, но хищная физиономия с холодными глазами и с отчетливым знанием беспомощности той жертвы, которой Джоконда хочет овладеть... Едва ли в этом можно находить вершину Ренессанса»1. Что ж, если в «Тайной вечере» художник безоговорочно принял христианскую идею разделения добра и зла, то что хотел он запечатлеть в образе, который кажется то отражением божественной гармонии жизни, то бесовским наваждением? Ответ никогда не будет найден, ведь художественный образ многомерен. Словно магический кристалл, он влечет к себе миллионы людей, которые приходят в Квадратный зал Лувра, чтобы вновь и вновь восхититься высоким мастерством, с которым Леонардо поведал о вечной тайне человека. «Красота спасет мир!» Эти всем известные слова Ф.М. Достоевского навеяны впечатлением от «Сикстинской мадонны» великого художника Высокого Возрождения Рафаэля Санти (1483—1520). Младший современник Леонардо да Винчи, он прожил короткую, но яркую и светлую жизнь, посвятив свое творчество возвеличиванию самых чистых и прекрасных идеалов гуманизма. Наше знакомство с искусством Рафаэля начнется с ранней работы художника под названием «Мадонна Конестабиле» (1502), что когда-то была куплена у графа Конестабиле русским императором Александром II и искусно реставрирована мастерами Эрмитажа (переведена с поврежденной доски на холст). Одна из первых мадонн Рафаэля, она уже несет в себе «ядро» будущих его произведений: нежный, просветленный образ молодой матери запечатлен на фоне прозрачного пейзажа. Более зрелое воплощение темы материнской любви мы находим в последующих работах мастера — «Мадонна в 1 А.Ф. Лосев. Эстетика Возрождения. М., 1982. С. 426—427. 180 Тема 9 зелени», «Мадонна со щегленком», «Прекрасная садовница», созданных во Флоренции. Все они варьируют композицию, где главными действующими лицами являются Дева Мария, младенец Христос и Иоанн Креститель. Красота лика Мадонны, плавные, словно певучие линии рисунка, пластичность форм, светлый фон пейзажа — все это создает настроение возвышенной поэтичности и покоя. С 1508 г. Рафаэль работает в Риме, куда был приглашен папой Юлием II для росписи личных папских комнат (станц) в Ватиканском дворце. Папа не был особым почитателем искусства, но понимал, что такие мастера, как Рафаэль, помогут восстановить былую славу Вечного города. Во всем блеске гений Рафаэля раскрылся в росписи станци делла Сенья-тура (комната печати). В пространстве с парусными сводами помещены композиции «Диспут» и «Афинская школа». Иначе говоря, собрание мудрецов христианской церкви соседствует с собранием античных афинских философов, являя новый синтез человеческой мудрости под крылом Ватикана. Неотразимое впечатление производит фреска «Афинская школа». Рассмотрим ее внимательнее. Из глубин арочных пролетов торжественно выступает группа античных мыслителей во главе с седобородым Платоном и вдохновенным Аристотелем. Ниже склонился над книгой Пифагор, окруженный учениками, справа — Евклид. И у самого края Рафаэль изобразил себя, подчеркнув свою причастность к великим деяниям человеческой мысли. Для Ватиканского дворца Рафаэль выполнил еще одну крупную работу — монументальный цикл росписей так называемых лоджий — большой галереи, равномерно пересе- Рафаэль. Мадонна в кресле Рафаэль. Сикстинская мадонна 181 Художественная культура итальянского Возрождения ченной 12 высокими арками. В росписях сочетаются небольшие фресковые композиции и причудливые орнаменты, составленные из мифологических существ, растений и цветов. На 12 плафонах изображены сцены из Библии, поэтому роспись нередко называют «Библией Рафаэля». Копии ложий Рафаэля находятся в Эрмитаже1. Если бы Рафаэль написал лишь одно полотно — бессмертную «Сикстинскую мадонну», его все равно почитали бы как великого мастера. Работа создавалась для алтаря церкви святого Сикста в Пьяченце. Идеален образ Девы Марии, шагнувшей с облаков к людям и несущей им на руках самое дорогое — своего сына. Существует предание, что этот лик и сама композиция были явлены художнику во сне. Неотразимую силу образу придает сочетание лиричности, человечности с духовным величием. Слева от Мадонны изображен папа Сикст, утопающий в торжественных одеждах и восторженно взирающий на небесное чудо. Справа — святая Варвара, благоговейно опустившая взгляд вниз. Два ангелочка, задумчиво поднявшие свои взоры к небу, возвращают наше внимание к главным образам полотна — Мадонне и Младенцу с недетски серьезным выражением лица. Рафаэль умер в день своего рождения в возрасте 37 лет. Лишь преждевременная кончина помешала ему достичь высоких званий и наград, получить чин кардинала. Судя по всему, у мастера не было врагов. После смерти его имя стало символом идеального художника, сочетающего высокие человеческие качества с творческим даром, ниспосланным свыше. Третьим из титанов Высокого Возрождения был Микеланджело Буонарроти (1475—1564). Известен факт его биографии. Как-то священник спросил художника, почему он не женится, и услышал в ответ: и без женщин достаточно терзаний доставляет искусство, а детьми будут те произведения, что останутся после смерти. Действительно, всю свою страсть, творческую энергию и физические силы отдал Микеланджело искусству, никого не считая себе равным. Он мало спал и редко ел, был неутомим в дерзаниях и, не жалея себя, упорно шел к цели, которую никогда не декларировал. Но и тайны из нее не делал! Жизнь свою гений отдал сотворению идеального образа человека. Нет, не такого, как в жизни, а лучше, физически совершеннее, духовно возвы- 1 Копии лоджий Рафаэля были сделаны римскими мастерами специально для Эрмитажа в конце XVIII в. Они были вмонтированы в стены Эрмитажа, в которых точно воспроизводится поверхность лоджий Ватиканского дворца (архитектор Кваренги). 182 Тема 9 шеннее. Созидая этот образ, мастер изменял и самого себя, тренируя волю, самодисциплину, развивая интеллект. Одаренность Микеланджело была феноменальной. Он был и поэтом, и архитектором, и живописцем, и военным инженером. Но более всего он почитал в себе талант скульптора, так как именно в борьбе с природным материалом, с мрамором, он мог ощутить столь необходимый его одержимой натуре миг торжества над стихией камня. Первая крупная победа молодого мастера — мраморная группа «Пьета» (1498—1501), выполненная для собора Святого Петра в Риме. Тему оплакивания Иисуса Христа скульптор решает психологически точно: в безмерной скорби застыла Богородица, весь ее облик излучает нравственную чистоту и любовь. Обратим внимание и на то, что Дева Мария в произведении Микеланджело предстает как символ вечно юного материнства. Возвеличиванию человека, его мощи, духовной и физической красоты посвящены многие скульптуры мастера. Вот, к примеру, статуя Давида (1501—1504), воплощающая силу и человеческое достоинство. У героя дышащее отвагой прекрасное лицо, великолепно развитая мускулатура. Произведение грандиозно по размерам — статуя (без основания) имеет высоту 4,10 м. Флорентийцы прозвали скульптуру «Гигантом» и поставили ее перед городской ратушей. Несокрушимую мощь излучает статуя пророка Моисея (1515—1516), выполненная для надгробия папы Юлия II. Духовный вождь Израиля изображен разгневанным, возмущенным отступничеством ведомого им народа. В библейском образе подчеркнуты уверенность в себе и одновременно «устрашающая сила», которую почувствовали современники. И высочайший гений не прибавит Единой мысли к тем, что мрамор сам Таит в избытке, — и лишь это нам Рука, послушная рассудку, явит. Так писал Микеланджело о специфике своего творческого метода «общения» с мрамором. Быть может, отсюда проистекает удивительно естественная пластика его скульптурных образов в надгробиях Медичи, выполненных для капеллы при церкви Сан Лоренцо (Флоренция). В этой капелле напротив друг друга размещены две гробницы — Лоренцо, герцога Урбинского, и Джулиано, герцога Неймурского. На саркофа- 183 Художественная культура итальянского Возрождения гах, стоящих перед нишами, где расположены статуи безучастных к суете жизни героев, помещены мощные обнаженные фигуры «Утро», «Вечер», «День», «Ночь». Это — аллегории всепоглощающего времени, полные скрытого драматизма и обреченности. Увидев скульптуру «Ночь», поэт Бернардо Строцци написал сонет, где есть такие строки: Вот эта ночь, что так спокойно спит Перед тобою, — ангела созданье. Она из камня, но в ней есть дыхание: Лишь разбуди, — она заговорит. Но внутреннее состояние Микеланджело было совершенно другим, о чем свидетельствует его ответ поэту: Отрадно спать, отрадно камнем быть, О, в этот век, преступный и постыдный, Не жить, не чувствовать — удел завидный, Прошу, молчи, не смей меня будить. Когда Микеланджело получил заказ на роспись потолка Сикстинской капеллы в Ватикане, он принял его без энтузиазма, так как считал себя прежде всего скульптором, а не живописцем. Однако необычайно увлекся работой и посвятил ей без остатка четыре года жизни (1508— 1512), выполнив то, что, кажется, было никому не под силу: собственноручно расписал огромную площадь потолка и прилегающих к нему пространств (600 кв. м). Он расчленил свод капеллы на ряд полей. В центральном поле расположил девять композиций, повествующих о сотворении мира, жизни первых людей Адама и Евы и другие ветхозаветные сюжеты. По склонам свода мастер изобразил фигуры пророков и сивилл (прорицательниц), на других частях потолка капеллы — сюжеты из Библии и др. В целом же грандиозный ансамбль составил более 300 фигур. Работал Микеланджело лежа на спине на лесах, забывал о еде и сне. Краска капала ему в глаза, и к концу работы он стал плохо видеть. Сверхчеловеческое физическое и духовное напряжение словно передалось фигурам, изображенным художником. Даже то, что созерцать это великолепие можно, только запрокинув голову, служит дополнительным импульсом к постижению титанических образов, 184 Тема 9 Микеланджело. Пьета Микеланджело. Фреска «Страшный суд» величие которых наполняет душу чувством гордости за деяния человеческого гения. Микеланджело было суждено возвратиться в Сикстинскую капеллу еще раз. Ему было поручено написать на алтарной стене сцену Страшного суда, о неминуемости которого говорят строки Откровения Иоанна Богослова (Апокалипсиса) из Нового Завета. Фреска «Страшный суд» (1535—1541) воплощает грандиозную катастрофу Вселенной. В центре композиции Иисус Христос. Он представлен в тот миг, когда произносит свой страшный приговор миру и людям. В его образе запечатлено чувство гнева; жестом он проклинает и карает грешников — своих врагов, обрекая их на вечные муки. Окружающие его персонажи объяты страхом. Даже Богородица отвернулась, чтобы не видеть ужаса происходящего. В картине Апокалипсиса, со- 185 Художественная культура итальянского Возрождения Собор Святого Петра в Риме творенной Микеланджело, нет места состраданию и милосердию. В ней торжествует справедливость воздаяния человечеству за грехи. Но сколь велика цена этого торжества! Еще при жизни мастера «Страшный суд» подвергался критике со стороны ревнителей нравственности: полное бесстыдство изображать нагими людей в священном месте — так говорили они. Одного из них Микеланджело не преминул изобразить в аду в виде Миноса, вокруг которого обвилась целая свора дьяволов. Впрочем, это не спасло гениальное творение от произвола. После смерти Микеланджело живописец Даниэле де Вольтерра по приказу папы задрапировал чресла обнаженных фигур... Величайшим архитектурным творением Микеланджело является собор Святого Петра в Риме, из-за смерти великого Браманте ос- 186 Тема 9 тавшийся недостроенным. Для его строительства Микеланджело разработал новый проект, в котором предложил принять центрический план здания, усилить его монолитность и возвести огромный купол на массивном барабане (купол достраивался уже после смерти мастера, в соответствии с изготовленным им ранее макетом сооружения). Умер Микеланджело в 80 лет в зените славы, до конца сохранив свою уникальную работоспособность. Его могила находится во Флоренции, в церкви Санта-Кроче, рядом с надгробием Макиавелли. «Золотой век» Высокого Возрождения во Флоренции и Риме был короток. Но он продлился в другом итальянском городе — Венеции, где гуманистическое искусство развивалось на протяжении и XV, и XVI вв., в эпоху Позднего Возрождения. Здесь работали мастера, вдохновленные изумительной красотой окружающего мира, обликом города, равного которому нет на свете. Венеция — государство-республика, торгующая с Востоком и Западом. Неслыханные богатства спрятаны за стенами венецианских беломраморных дворцов и храмов, протянувшихся вдоль главной дороги города — Большого канала. Расположенная на 118 островах, разделенная 160 каналами, через которые переброшено 400 мостов, Венеция, словно Венера на полотне Боттичелли, является из морской пены, отражаясь всем своим великолепием в водной лазури. Чувственное восприятие мира, упоение его красками, восхищение переливами его цвета — все это наполнило венецианское искусство силой, энергией, глубокой эмоциональностью. А еще ему присуща Джорджоне. Юдифь 187 Художественная культура итальянского Возрождения внутренняя музыкальность, влившаяся в образный строй архитектуры и живописных полотен, словно позаимствованная из «музыки» самой природы — солнца, ветра, бескрайних просторов морской стихии. Вспомним, ведь и самый удивительный русский город на воде — Санкт-Петербург — тоже называют «северной Венецией». Город строился постепенно. Во второй половине XVI в. реставрационные и строительные работы, проведенные архитектором Якопо Сансовино, изменили центральную часть Венеции. Сансовино соорудил здание Библиотеки Сан-Марко, что завершило облик Пьяцетты (небольшой площади), открывающей вид на морскую лагуну со стороны главной площади города перед собором Святого Марка. Ансамбль был завершен Антонио Палладио, который возвел на противоположной стороне лагуны на острове Сан-Джордже Маджоре величественную церковь с колокольней. И сегодня туристы, осмотрев площадь и собор Сан-Марко, проходят к главному каналу и останавливаются, завороженные картиной солнца, «зависшего» над куполом вырастающего из моря храма. Этап Высокого Возрождения в искусстве Венеции открывает Джорджо Барбарелли да Кастельфранко, известный всему миру под именем Джорджоне (1477—1510). Это был не только художник, но поэт и музыкант, что не могло не сказаться в его живописи. Его полотна полны поэтической прелести и словно пронизаны скрытой музыкой. Обратимся к раннему полотну Джорджоне «Юдифь». Какой прелестной мечтательностью и нежностью наполнен образ героини! Каким лиризмом веет от пейзажа, на фоне которого красавица Юдифь грациозно касается ножкой... конечно же, головы убитого ею Олоферна. Дисгармония? Вовсе нет. Скорее дань условному библейскому сюжету, трагическая суть которого не тронула сердце мастера. Еще более поэтичной представляется работа Джорджоне «Спящая Венера» (1508—1510). На полотне властвуют покой и сон. Дремлет сельская природа, словно убаюкивая главную героиню. Живопись здесь подобна звучащему оркестру: мастер сообщает ей все более новые и тонкие нюансы, краски играют светом, излучают его. Солнечные блики полны неги и волшебства, а плавный ритм линий тела Венеры повторяет очертания пологих холмов. Мастер так и не успел закончить свое гениальное полотно. Он умер внезапно от чумы в расцвете творческих сил. Пейзаж последнего его творения дописал Тициан. Тициано Вечеллио Тициан (1476/77 или 1489 —1576) стал главой венецианской школы живописи. Он, в отличие от других корифеев 188 Тема 9 Возрождения, не был ни скульптором, ни зодчим, ни поэтом. Всю свою счастливую и долгую жизнь этот мастер посвятил живописи и оставил большое наследие1. Его талант был могучим, восприятие жизни — оптимистичным и всеобъемлющим. В его полотнах есть красота и уверенность в торжестве прекрасных начал бытия. Художник никогда не изменял идеалам гуманизма, и образ человека составляет главное содержание его творчества. Пленительная обворожительность женщины — одна из центральных линий живописи Тициана. Вариации женской красоты, несущие ощущение полнокровной радости жизни, соперничают друг с другом в работах разных периодов творчества мастера. Вспомним лишь некоторые из них: «Флора», «Вакханалия», «Праздник Венеры», «Венера Ур-бинская», «Венера перед зеркалом» — все это языческие мифологические персонажи. «Кающаяся Мария Магдалина», «Вознесение Марии» («Ассунта») — это уже евангельские сюжеты и образы. Последнее из названных полотен находится в церкви Санта Мария деи Фрари (Венеция). Войдя в полузатененное даже в яркий солнечный день пространство храма, ощутив его прохладу, вдруг остановишься, не в силах противиться волшебной власти света, льющегося с полотна Тициана. В картине страстный порыв и дыхание жизни яркой, наполненной торжеством случившегося события. Величава фигура Марии, возносящаяся в небо, по которому стремительно бегут облака. Динамична толпа святых апостолов, с восхищением 1 Точный возраст художника не установлен. Он прожил не более 103 лет и умер, скорее всего, от чумы. Тициан. Вознесение Марии 189 Художественная культура итальянского Возрождения Веронезе. Брак в Кане(фрагмент) Тинторетто. Тайная вечеря взирающих на явленное чудо. Когда в церкви звучит орган, музыка словно сливается с глубокими красными и синими тонами полотна, и это ощущение сохраняется очень долго... Не менее выразительны образы Тициана, являющие мученичество, страдание, смерть. В коллекции Эрмитажа — полотно «Святой Себастьян» (ок. 1570). Оно написано незадолго до смерти и вновь доказывает удивительную верность мастера идеалам молодости, сформированным философией гуманизма. На фоне вихрей костра, где в грандиозной симфонии красок сомкнулись земля и небо, вырастает прекрасная фигура юноши, погибающего под стрелами. В его лице застыли страдание и боль. Но тело? Оно как будто неподвластно смерти и поражает гармонией пропорций. Позднее Возрождение в Венеции отмечено именами двух ведущих мастеров — Веронезе и Тинторетто. Паоло Кальяри, прозванный Веронезе (1528—1588), был автором грандиозных алтарных картин и декора- 190 Тема 9 тивных росписей, в масштабности которых чувствуется влияние Тициана. Веронезе как бы не замечал трагических сторон бытия. Для него окружающий мир полон праздника и веселых зрелищ. Его аллегорические композиции воспевают аристократическую Венецию с ее склонностью к яркому маскарадному шуму, блеску и богатству. Даже в религиозные по сюжетам полотна Веронезе вводит «посторонние персонажи», удовлетворяя тем самым свою неуемную творческую фантазию1. В числе самых известных его работ — «Брак в Кане» (1563), созданный на основе евангельского рассказа. На картине — пышный пир, где в шуме и гаме затерялись 130 персонажей. Кого только здесь нет! Художник изобразил и европейских правителей, и крупнейших венецианских художников — Тициана, Тинторетто, а также самого себя, представив живописцев в облике развлекающих публику музыкантов. Столь же светской и, по сути, не имеющей отношения к пафосу евангельского текста является работа Веронезе «Пир в доме Левия» (1573), где за названием скрывается желание автора воссоздать красочность жизни современных ему богатых венецианцев. Последний из корифеев итальянского Возрождения — Тинторетто1 (настоящее имя Якопо Робусти, 1518—1594). Его динамичное искусство полно страсти и мощи, насыщено глубокими эмоциями. Человек необычайно работоспособный, он оставил большое количество монументальных декоративных росписей, портреты своих современников, циклы фресок, алтарные композиции, в том числе драматичное полотно «Тайная вечеря» (1592—1594). В последние годы жизни Тинторетто завершил грандиозную картину «Распятие» (1565—1588). В толпе людей, присутствующих при казни Сына Божия, он выделил разнообразные характеры, объединив их в единую «симфонию» жестов, лиц, движений. У основания креста — потрясенные видом случившегося близкие Иисусу Христу люди. Эмоционально насыщенная культура Высокого и Позднего Возрождения вызвала подъем в развитии музыкального искус^ва. Родилась хоровая полифония3 строгого стиля или «строгого письма» (термин С.И. Та- 1 Веронезе пришлось предстать перед судом венецианской инквизиции, той самой, что позднее передала для расправы Ватикану Джордано Бруно. Художник был столь любим венецианцами, что инквизиторы вынуждены были его отпустить. 2 Тинторетто (итал.) — кра^гльщик. Этим ремеслом занимался отец художника, откуда и прозвище. 3 Полифония (иначе контрапункт) — вид многоголосия, основанный на сочетании и развитии двух или нескольких самостоятельных мелодических линий 191 Художественная культура итальянского Возрождения неева). Новую многоголосную музыку создавали для церкви, подчиняя творчество строгим правилам и многочисленным ограничениям в стремлении достичь высшей красоты и возвышенности звучания хора (например, избегали диссонирующих созвучий). Образно-поэтический строй этой полифонии соответствовал задачам храмовой службы, а ее ведущим жанром оставалась уже знакомая нам месса. Две ведущие реннесансные школы полифонистов — римская и венецианская составляют гордость мировой музыки. К римской школе принадлежал Джованни Пьерлуиджи да Палестрина (ок. 1525—1594). С 1551 г. и до конца жизни Палестрина работал в Риме, возглавляя капеллы разных соборов, в том числе Святого Петра и Санта Мария Маджоре, руководил хорами, обучал певчих. Его полифонические композиции, написанные для хора a’cappella, отличаются духовной глубиной и возвышенностью. Огромное наследие Палестрины включает свыше 100 месс, более 370 мотетов1, а также магнификаты, духовные и светские мадригалы и др. Его музыку сравнивают с полотнами Рафаэля, и это не случайно. Композитору удалось создать светлые, гармонически-стройные и уравновешенные образы, озаренные глубокой человечностью. Венецианская школа прославлена именами Андреа и Джованни Габриели. Их сочинения созвучны облику Венеции, ее праздничной пышности, уникальной архитектуре и великой живописи. Габриели работали органистами в соборе Сан-Марко и оставили сочинения разных жанров, как хоровые, так и инструментальные. Кульминация в развитии венецианской школы — творчество Джованни Габриели (ученика и племянника Андреа Габриели). Его музыка отличается концертным великолепием, динамическим и тембровым богатством. Нередко его хоровые композиции звучат вместе с органом. Наиболее известны так называемые «Священные симфонии» (1597), написанные для 6—19 голосов. Сегодня города Италии (Флоренция, Рим, Венеция, Милан, Падуя, всех не перечесть), представляются огромными музеями, хранителями античных и ренессансных ценностей. Волею судьбы этот регион мира стал центром взлета творческой мысли, воплотившей в художественных образах идею величия и безграничных возможностей человека. 1 Мотет — жанр вокального многоголосия; возник во Франции. 192 STSWSWS7SlB7a7S7! «rfci <> <> <*) Ч Rci < ф-1 <# . <*} i\4i <«) I-Ah 4^1 <) ЧГ?1Н к,дени^'? 1^аков1з1 В|эе1мениые р>^мки этой эпохи? Ка1кие этапы1 мо:н<:но ^ы1дзлить ^ истории ху,£^о:н<:е-стввнной ку?л1зтул|кы1 ивтальянского Р^несснанса? Было ли Возрождение возрождением язычества? Почему художнники Реи^сс^нса славили одно^ремюнино Ииску^-са Хрсиста и, н^к|ним^р, Аполлона'? Поястнкте свиой ответ. ГНочсему из культу|?ього обихода ушли представления о христианской святости и грехе? Как отразился этот процес-с: в иску^состве ЕКоз|?ождения? Что т^кое секуляриза1?ия нску^сстиа? В чем отличим светского искусства от храмового? Характерно ли это отличие для творений мастеров эпохи Возрождения? К^кие ьо|ьода 1кталии стали? центранш Е!озро:н<дения'? Как в!и1 п|эедст^вляете эти города"? рнасс:к^жит^ о воо(5ра>н:а1В-|^1ом1 пурген] естви и по ним (творческое задание). Флорентийский историк, дипломат и поэт Никколо Ма-киаь^лли просланился т^м, что сзтриц^л нравствеен!з1е законы- >н^ракт^рн1?1е днля христианства. Похоронен жкм он рядом! с 1е1икеланджело. Постройте на этом историческом факте свой рассказ о парадоксах и противоречиях Воз|ьожценая. СЛ?)авните ТЕ!о|эения Дант^ и ,0,ж1ьтто. Что сзбънединя^т об-|э^з н!н|й мрр ^тих м астеров"? В!ы!сноко^ Воз|эождени^ свя;аано с? Р^имои?. С:и?/1вол Рни1^)^ — со(5о|н С:вятого Петра. Расскажите, кто возводил это здание? Какие произведения искусства находятся в соборе? Расскг^ите о хуудожсес'кв езнынн откри нгтиях Е?ра1\нант1^ и М1и-к^ландж^ло при строительстве собора. Разделяете ли вы точку зрения Ф.М. Достоевского? Будучи во <Фло|эенции, о н п ис-цл: «Это почти р^£Н. 1и и^?его представит!? нельзя луч!не впечатления это1“о иеб^, во;з-ду/ха и сив^'на... ?Идесь еся"!"! та1?ое солнце и н?ебо и таки^, д€:йс?т^отс5льно, уж чуд^с^ искусств;^ н?ес.лг!хган ного и невообразимого...». Поразмышляем, о каких чудесах говорит писатель? ....................ИР............................... 193 \щ (> it^-l i 4^-1 iHJH l-lhH % fi 4H1 в 1может1В н^зиать, чтоб1^1 п|эо- длить ^тот р яд? 13. «Для моих друзей и современников величайшим недося-г^^м1ык1 учите.пе1ю всегда б1з1л су^рзовыГ /Алигьерзи», ^ пи-са.п<^ /А.А. /Ихниг^тов^. Поп11|тс<йт^сь вспокмнить, ^ каких стихах /схм^товой или ее современников упоминается Данте. 14. Прислушайтесь к точке зрения О.Э. Мандельштама: «Поэзия вс^гд^с?^(:1<|эа муз1з1ки.Г1(кслуч1шайт^ Е?вха. Попрсзбу^й-те ьит^ть всггух ,1И^нте на фионе б^овской! муг;1Г1ки». Г1о-вле,дуйте его соиету, ;вате^н срзавните свои вп^чат.пения. 15. Сасскажите о живописи Позднего Возрождения. 16. Что вы знаете о музыкальном искусстве итальянского Возрвожд^ния? l^ог,ц^ ргодилаюь му^зыка /Агв nova? Что та-иос5 ма,£уриг£ал? Где р^РГотстп Палестрина и кг^кую |дузыку ен с?оз,£уав^л? 194 Тема 10 Северное Возрождение: в поисках правды о человеке 85'^ Я знаю все, я ничего не знаю. Мне из людей всего понятней тот, Кто лебедицу вороном зовет. Я сомневаюсь в явном, верю чуду. Нагой как червь, пышней я всех господ. Я всеми принят, изгнан отовсюду. Ф. Вийон Я лютеран люблю богослуженье Обряд их строгий, важный и простой — Сих голых стен, сей храмины пустой Понятно мне высокое ученье. Ф.И. Тютчев Северное Возрождение: в поисках правды о человеке Северным Возрождением обычно называют художественную культуру XV—XVI вв., расцветшую в тех странах, что находятся севернее Италии, прежде всего в Нидерландах, Германии и Франции. Искусство Северного Возрождения разительно отличается от итальянского. И причина здесь не только в более суровом климате или другой общественной ситуации, а в самой сути явления. Ведь в культуре народов Северной или Центральной Европы ничего не возрождалось не в пример Италии, «вспоминавшей» ценности античности. Вместе с тем мастера Северного Возрождения пытались решить (пусть по-иному!) те же проблемы, которые волновали итальянцев. К тому же влияние итальянских художников было ощутимо по всей Европе, перекликаясь и вплетаясь в самобытные традиции и национальные приоритеты. Вот почему можно с полным основанием говорить об искусстве Возрождения в самых разных странах. Чтобы лучше понять самоценность и глубокую оригинальность той художественной картины мира, что возникла в творениях художников, зодчих, композиторов, поэтов Северного Возрождения, обратимся к «ключевому образу» ренессансного искусства — к человеку. Как мы убедились, в развитии художественной мысли Италии «человеческое» постепенно вытесняло «божественное», утверждая себя в борьбе со средневековым мистическим мироощущением. Титаны итальянского искусства, не отвергая Бога, возвеличили прежде всего человека — символ высшей красоты, разума, гармонии. Художники Северного Возрождения не нуждались в подобных усилиях. Их творчество развивалось в тесной взаимосвязи с художественным наследием средневековой культуры, с готикой, и было наполнено искренним религиозным чувством и христианской символикой. Но при этом в ветхозаветных и евангельских сюжетах был переосмыслен именно человек как важнейшая часть Вселенной. Мастера Северного Возрождения словно отвечали на вопрос: каким же сегодня предстоит этот «царь природы», некогда сотворенный по образцу и подобию Божию? Они внимательно изучали окружающий их мир, проявляя живой интерес к конкретной личности, к ее внешности и деталям быта. Например, в Нидерландах родилась живопись бюргеров, где превыше всех добродетелей превозносилась святость семейного очага. 196 Тема 10 На полотнах мастеров Северного Возрождения обычные, совсем не красивые лица и далекие от совершенства фигуры, столь же обыденная обстановка... Как не похоже это искусство на прекрасные идеальные лики рафаэлевых мадонн и торсы мощных «сверхлюдей» Микеланджело! И чем пристальнее всматривались художники в окружающую действительность, чем глубже они понимали реального человека, тем яснее проступала в их творчестве «вся правда жизни», ее теневые, отнюдь не привлекательные стороны. Впрочем, мы увлекались и забежали вперед. Поэтому вернемся к самому началу — к эпохе зарождения ренессансного искусства в Нидерландах XV в. Нидерланд^1 — небольшая, но одна из самых богатых и влиятельных стран Европы, возникшая на территории современных Бельгии и Голландии. Здесь, в старинном городе Генте, провозгласившем свою независимость и установившем самоуправление еще в XII в., было создано произведение, которое и сегодня кажется символом удивительно органичного сочетания средневекового и нового ренессансного искусства. Речь идет о знаменитом Гентском алтаре, работу над которым в 1432 г. завершил основоположник Северного Ренессанса Ян ван Эйк (1390—1441)1. Творение было создано для местной церкви святого Иоанна (ныне собор святого Бавона) и называлось «Поклонение Агнцу». Откроем «Откровение» Иоанна Богослова («Апокалипсис») и вспомним, в чем смысл этого сюжета. Евангельские строки повествуют о том, что после конца света сошел на землю с неба новый Иерусалим. Этот «город не имеет нужды ни в солнце, ни в луне для освещения своего, ибо слава Божия осветила его, и светильник его — Агнец» (Откр. 21; 23). А еще Иоанн Богослов свидетельствует: «... всякое создание, находящееся на небе и на земле, и под землею, и на море, и все, что в них, слышал я, говорило; Сидящему на престоле и Агнцу — благословение и честь, и слава и держава во веки веков» (Откр. 5; 13). Сидящий на престоле — Бог-Отец; Агнец — символ Иисуса Христа, принесшего себя в жертву во имя конечного спасения человечества. Апофеозом торжества Христа полны заключительные строки Апокалипсиса. Это чувство и выразил создатель Гент-ского алтаря, воплотив не только богословский сюжет, но и извечную мечту человека о царстве любви, красоты, справедливости. Сохранив смысл христианских представлений о ценностях бытия, ван Эйк придает евангельским образам более земной и конкретный характер. 1 Произведение было начато Убертом (Хубертом) ван Эйком, но закончено после его смерти Яном, проделавшим большую часть работы. 197 Северное Возрождение: в поисках правды о человеке Рассмотрим алтарь в закрытом виде. В четырех люнетах верхнего ряда расположены пророки и сивиллы, предсказавшие явление Мессии. На втором ярусе сцена Благовещения, занимающая также четыре створки. В нижнем ряду по краям художник изобразил своих современников — заказчиков алтаря. В середине помещены скульптурные портреты Иоанна Богослова и Иоанна Предтечи. В росписи всех створок чувствуется единство замысла, подчиненное сюжету Благовещения. Суть этих сцен — предчувствие великих событий, начало евангельской истории человечества. Действие происходит в комнате бюргерского дома, но благодаря открытым стенам и окнам оно распространяется на все близлежащее и дальнее пространство. Мир, в котором совершается сокровенное чудо, вполне конкретен, и за окнами комнаты видны дома типичного для европейского Севера городка. Так христианские предания становятся достоверной реальностью, словно происходят эти события не в древности, а «здесь и сейчас». Раскрытый алтарь, состоящий из двенадцати створок, являет великолепие сияющего красотой мира. В верхнем ряду в центре на престоле восседает Бог Отец, облаченный в одежды пламенеющего красного цвета. Его голова увенчана трехъярусной папской тиарой. Весь его облик излучает внутреннее горение гения, чье творческое начало щедро рассыпано по всему миру. Рядом с Богом Отцом находятся Иоанн Креститель и Дева Мария, которая, скромно склонив голову, читает Священное Писание. Читающая Богородица — редкий образ! Верхний ряд заканчивается изображением нагих Адама и Евы. Художник явно не стремится создать, подобно современникам-итальянцам, совершенное человеческое тело. Его герои — воплощение прозаической наготы обычных людей, к тому же обремененных совершенным ими грехом. Однако не случайно же прародители рода человеческого оказались в одном ряду с Творцом. Всмотритесь в лицо Адама — в нем запечатлелась просветленная мудрость, доставшаяся людям от Создателя и сохранившаяся в них, несмотря на весь трагизм истории человечества. Поэтому рядом с Адамом и Евой расположились музицирующие ангелы, воспевающие славу Творцу. Нижний ряд открытого алтаря посвящен центральной теме поклонения Христу, символически изображенному в виде белого Агнца с кровоточащей раной. Агнец стоит на алтаре, вокруг которого сгрудились ангелы с разноцветными крыльями. Над Агнцем парит голубь, создавая зримую вертикаль алтаря — Бог Отец, Бог Дух Святой, Бог Сын — христианский символ Святой Троицы, основа догмата веры. 198 Тема 10 К Агнцу тянутся многолюдные процессии, конные и пешие. Они олицетворяют образ всего человечества, объединенного во Христе. Это люди разных времен и разных стран. В многофигурной композиции явственно проступают типические и ярко индивидуальные лица. Торжественный ритм шествия человечества соотнесен с общим настроением алтаря, заданным величавым изображением небесных сил. Какая великолепная гармония небесного и земного! А теперь задумаемся: что выдает в сцене поклонения Агнцу ренессансное мироощущение художника? Дело в том, что ван Эйк привнес в свое творение непосредственное отражение жизни. Традиционные образы христианства имеют как бы двойной смысл — духовного символа (что традиционно) и реального предмета или человека. Художник удивительно поэтично, но точно изображает чистую голубизну неба, пышные апельсиновые рощи и лиственные леса, роскошный ковер из трав и цветов. Вдали видны башенки церквей, колокольни и крепостные стены. Иначе говоря, сквозь призму евангельских «вечных» образов звучит симфония красок и звуков во славу самой жизни на Земле. Ван Эйк был прекрасно образован: он знал и географию, и геометрию, и химию. Он сумел получить уникальный состав масляных красок, которые не меркнут от времени. И все свои знания, весь свой творческий дар он отдал искусству воплощения на полотне реального человека. Он умел раскрыть его внутренний мир и при этом не упустить детали повседневной жизни, уделяя особое Ян ван Эйк. Портрет супругов Арнольфини ^ Ян ван Эйк. Гентский алтарь. Поющие ангелы(фрагмент) 199 Северное Возрождение: в поисках правды о человеке внимание фасону одежды, тканям, предметам быта. Жизнеутверждающее начало, столь гениально выраженное в Гентском алтаре, присутствует во всех его работах, в том числе в портретах, дарящих ощущение уверенности и покоя. Таковы «Мадонна каноника ван дер Пале» (1436), «Мадонна канцлера Ролена» (1436), «Портрет супругов Арноль-фини» (1434). В каждом полотне мастер утверждал самоценность человеческой личности, ее неповторимость и внутреннее достоинство. Чувство гармонии человека с окружающим миром нарушается в работах следующего поколения нидерландских художников. Трагизмом и пессимизмом отмечены образы Рогира ван дер Вейдена (ок. 1400— 1464). Искаженные безысходным горем предстают герои его полотна «Снятие с креста». Тревожный патетикой наполнено творчество и другого крупного нидерландского мастера Гуго ван дер Гуса (1440—1482), создателя «Алтаря Портинари» (1478). Кульминацией движения нидерландского искусства по пути проникновения в мрачные сферы человеческой жизни стало творчество Иеронима Босха (ок. 1460—1516). Босх ярче и глубже своих современников чувствовал дисгармонию окружающего мира, царящие в нем зло, насилие, порочные страсти. В его сознании рождались фантастические, полные гротеска образы, внешне не совпадающие с реальностью, но внутренне глубоко ее отражающие. В каждой работе художник размышлял о вездесущности зла, которое все чаще оказывается сильнее человека. Мастер решил, что человек слаб и жалок, он мучается сам и мучает других, не в силах выбраться из сетей дьявольских наваждений. Его излюбленный сюжет, — «Искушение святого Антония», где художник показывает, как отшельника безнаказанно терзают бесы, изображенные в виде отвратительных тварей, вызывающих страх и брезгливость. Босх был бесконечно изобретателен, воплощая мир демонических сил — дьявольского воинства, стремящегося уничтожить человечество. Его монстры состоят из немыслимых сочетаний обломков предметов, элементов растений, частей человеческого тела. На вершине демонологии мастера — работа «Музыкальный ад», где обнаженных грешников мучают с помощью каких-то гигантских инструментов лезущие со всех сторон чудовища. Среди вечных сюжетов, освоенных Босхом, — «Несение креста». Но и здесь мастер был необычайно оригинален. Он создал своего рода карикатуру на толпу людей с отталкивающими физиономиями убийц, которые олицетворяют все худшие пороки человечества, погрязшего в грехе. 200 Тема 10 Гуго ван дер Гус. Алтарь Портинари Иероним Босх. Несение креста Иисус Христос и Вероника на этом полотне изображены с закрытыми глазами, словно не в силах взирать на окружающую их мерзость. Есть среди работ Босха и удивительные по своим провидческим образам произведения. Одно из них — «Вознесение блаженных в рай». В центре рая — неземной свет, льющийся по трубе в темноту, и из этой тьмы несутся на спасительный зов души людей в сопровождении ангелов. Полотно запечатлело вечное движение, царящее по ту сторону смерти. Жизнь же с ее суетой казалась Босху нелепым, лишенным всякого смысла зрелищем (аллегория «Корабль дураков»). Взыскующая мысль художника, его страждущая душа были сродни тем настроениям, что будоражили общественность Нидерландов. С конца XV в. для страны начались тяжелые, полные трагизма времена. В XVI в. Нидерланды подпали под власть хищных Габсбургов; Антверпен, этот богатый уникальный «цветок моря», постоянно грабили испанские монархи. Свирепствовала инквизиция. Ей в ответ возникали изуверские секты, колдовство и волхование. Повсюду пыла- 201 Северное Возрождение: в поисках правды о человеке ли костры, стояли виселицы, двигались процессии с труппами людей, умерших от чумы. Эту мрачную картину позднее красочно описал в своем романе «Легенда об Уленшпигеле и Ламме Гудзаке...» Шарль де Костер. Как и в реальной истории, в искусстве Нидерландов тесно переплелись образы действительности и фантасмагория. Спустя несколько лет после смерти Босха в Нидерландах родился другой, не менее самобытный художник, посвятивший свою музу «трагическому гуманизму», но раскрывший эту проблему с иной, нежели Босх, стороны. Звали мастера Питер Брейгель Старший (ок. 1525/1530— 1569). Было у него и характерное прозвище — «Мужицкий», отразившее самую суть его творчества. Пожалуй, мы впервые обращаемся к живописцу, который черпал не только образы, но и философию жизни в недрах народной культуры. Фольклорной мудростью овеяно его отношение к людям, которых художник умел воплощать с афористической точностью и с глубочайшей иронией, переходящей в гротеск. Народное мировосприятие стало для Брейгеля вторым «я», породив грубоватых, порой тупых, неуклюжих, далеких от итальянской ренессансной изысканности героев, привлекающих взгляд своей простотой и достоверностью. Человек на полотнах мастера—уже не центр Вселенной. Чаще всего он частичка суетной, жадной, ленивой толпы, о целях которой художник не уставал говорить. Нет, Брейгель не был человеконенавистником и не считал свою родную землю «сборищем дураков». Но он с молодости познал «прозу жизни» и сумел найти свои неповторимые средства художественной выразительности для воплощения борьбы добра и зла. Своеобразным эпиграфом к творчеству Брейгеля может служить картина «Падение Икара». В сюжете об античном герое, устремившемся к солнцу, художник вскрыл совершенно новый смысл. Оказывается, героизм никому не нужен — ни пахарям, ни пастухам, ни рыбакам. Подвиг Икара остался незамеченным в суете обычной народной жизни — таков приговор художника. Брейгель обладал ярчайшим сатирическим дарованием. Под маской его разящего смеха нередко скрываются горечь и боль, а за уродливой гротесковостью образов — желание улучшить человеческую породу. В работе «Пословицы» (1559) он создает то, что позднее в России называли сатирой на нравы. Это полотно-притча, где сюжет напрямую связан с фламандскими народными пословицами и поговорками, посвященными человеческой глупости. Кто-то из героев бросает цветы под ноги свиньям (вспоминается евангельское изречение о метании 202 Тема 10 Питер Брейгель. Страна лентяев бисера перед свиньями). Кто-то пытается прошибить лбом стену. Кто-то зарывает колодец... Нелепостям, изображенным Брейгелем, соответствует главный образ картины — крест, опущенный вниз, символ изнаночного «невсамделишного» мира. «Страна лентяев» — так назвал художник свое полотно-притчу, где вокруг дерева-стола с приготовленным угощением развалились толстенные солдат, крестьянин и ученый. Исследователи полагают, что эта работа — иллюстрация народной фламандской песенки о «Стране Шлараффии»: Летают по небу — ей-ей -Там стаи жареных гусей. И — верите ли — сразу Они лентяям прямо в рот Влетают по заказу. 203 Северное Возрождение: в поисках правды о человеке Незадолго до смерти Брейгель написал полотно «Слепые» (по евангельской притче). На картине — аллегория слепоты, поразившей духовно больное человечество.. Обратим внимание, какую важную смысловую нагрузку в художественной культуре Нидерландов несло представление о человеческой глупости, искреннее и неравнодушно запечатленное в искусстве. Это понятие вмещало в себя огромную сферу смыслов — от оценки общественно-политической ситуации до постановки философских вопросов о цели и смысле человеческой жизни. Результаты подобной рефлексии были не всегда предсказуемы: на гребне критицизма и нигилизма родилось творчество одного из ярких глашатаев светского мышления, писателя-гуманиста Эразма Роттердамского (1466— 1536). Уроженец города Роттердама, Эразм считал себя «гражданином мира» и провел большую часть жизни в странствиях по Европе. Его сочинения, написанные по-латыни, выдают острый ум, всестороннюю образованность и широкий кругозор. Главное творение писателя носит символическое название — «Похвала глупости» (1509). Оно принесло Эразму славу и имя первого обличителя современного общества. Человеческие пороки представлены в сочинении в шутовском облачении: шуточный панегирик в виде «похвального слова» произносит в их честь сама госпожа Глупость. В XVI в. в Нидерландах возникла высокохудожественная композиторская школа, представленная именами Гийома Дюфаи (Дюфэ), Йо-ханнеса (Жана) Окегема) Якоба Обрехта, Жоскена Депре. Кульминация в развитии нидерландской музыки — творчество Орландо Лассо (настоящее имя Ролан де Лассю, ок. 1532—1594). Уроженец Фландрии, он вырос в Италии и подобно многим другим художникам Возрождения, долго путешествовал. Музыкант мощного дарования, он вошел в историю как творец хоровой церковной музыки строгого стиля. Наследие композитора огромно: ему принадлежит свыше 2 тыс. светских и духовных сочинений: мадригалов, месс, мотетов, псалмов. Виртуозно владея техникой полифонического хорового письма, Орландо Лассо создал одухотворенные образы, отличающиеся благородной сдержанностью и глубокой эмоциональностью. К концу XV в. ветер возрожденческих перемен донесся и до Германии. В те времена эта страна являла образчик «классического Средневековья»: на ее территории в хаотическом порядке сгрудилось около тысячи карликовых княжеств. Все германские сословия были крайне 204 Тема 10 недовольны существующими общественными порядками, в особенности бесчинством удельных князьков. Волна критицизма, критика всех и вся нарастали. Позднее убежденный гуманист Бартоломеас Рингвальд писал: Поляки — доблестное панство -Блюдут в одежде постоянство. У москвитян, у турков есть Понятья: мера, ум и честь. И лишь в краю германском нашем На разум мы рукою машем, Своих обычаев не чтим — Все собезьянничать хотим. Как видим, в стихах говорится всего лишь о моде. Можно представить, как накалялись страсти, когда речь шла о более серьезных вещах — политике, экономике, религии. Немецким меценатам и интел-лектуалам-интеллигентам, в отличие от итальянских, были чужды проблемы личности. Их размышления были замкнуты кругом оценок политической ситуации и богословских проблем. Они пестовали критическое свободомыслие и по-новому трактовали Священное Писание, подрывая основы христианского вероучения. Их призывы к «почитанию своих обычаев» и освобождению от власти Римской церкви нашли отклик в сердцах немцев. XVI в. вошел в историю Германии прежде всего как эпоха Реформации, сопровождавшаяся рождением протестантизма1 (нового течения в христианстве) и Великой крестьянской войной 1524—1525 гг., идеологом которой был священник, доктор богословия Томас Мюнцер. Трудно переоценить влияние на историю немецкой культуры другого ученого-монаха — Мартина Лютера (1483—1546). Он стоял у истоков протестантизма, возглавив борьбу против Римской церкви, четко и достаточно резко мотивируя свою позицию: «Если мы наказываем воров мечом, убийц — виселицей, а еретиков — огнем, то почему бы нам не напасть на этих вредных учителей гибели, на пап, кардиналов, епископов и всю остальную свору римского Содома со всевозможным оружием и не омыть на- 1В протестантизме нет культа Богородицы, святых, ангелов, икон; отсутствует принципиальная разница между духовенством и мирянами, нет монашества; отменена церковная иерархия, служба упрощена^. Источник вероучения — Библия. Таинства — крещение и причащение. 205 Северное Возрождение: в поисках правды о человеке ших рук в их крови?». Лютер писал и о том, что нельзя Евангелие проповедовать насилием, однако кровь в Германии в те времена лилась рекой. Победа Реформации, национализация церкви, утверждение богослужебного немецкого языка (вместо латыни) — все это немалая заслуга Лютера. Он впервые изложил тексты Библии на родном языке, обнаружив блестящие литературные способности. Он же участвовал в реформе церковной музыки, стремясь сделать ее общедоступной и понятной народу. Считается, что Лютер — автор 24 хоральных протестантских мелодий, среди которых знаменитый хорал «Твердыня наша — наш Господь»: Твердыня наша — наш Господь. Мы под покровом Божьим. В напастях нас не побороть. Все с Богом превозможем. Революционные бури Реформации обусловили своеобразие развития немецкой реннессансной словесности. Ярких дарований в ней было мало. Но зато именно в эту кипучую эпоху был заложен фундамент будущего расцвета национальной немецкой литературы. Еще в конце XV в. профессор Базельского университета Себастьян Брант (1457—1521) написал популярную стихотворную сатиру «Корабль дураков», положившую начало «литературе о глупцах» (к которой примкнула и «Похвала глупости»). Поэзия Бранта, написанная простым народным языком, иронична и назидательна. Осуждая пороки, он не впадает в крайности нигилизма. Смех его добр:: Порою глянешь на иных: Добро промотано в пивных. Разумен будь! Не лезь в кабак! Живи по средствам! Только так!.. Один из наиболее примечательных представителей бюргерской литературы XVI в. — Ганс Сакс (1494—1576). Родом из города ремесленников Нюрнберга, он был мастером сапожного цеха и одновременно членом прославленной корпорации нюрнбергских майстерзингеров. Наследие этого поэта и композитора очень велико. Он оставил 4275 песен (не считая других жанров), сюжеты которых черпал из сборников немецких фольклорных сочинений, басен, шванков (коми- 206 Тема 10 ческих рассказов), исторических хроник и др. Вот отрывок из его сатирической песни модного в те времена антикатолического содержания: Страдает от попов народ, Не перечесть его невзгод... Известно — каждый поп и инок Дом Божий превращает в рынок: Дают реликвии доход, А главное — в церквах идет Продажа индульгенций бойко. Вот что и есть овечья дойка! Демократическую поэзию Ганса Сакса, столь любимую его современниками, потомки сначала не оценили. Своим «вторым рождением» в XVIII в. Ганс Сакс обязан поэту Гете, который с большим удовольствием использовал стиль его песен в бытовых эпизодах первой части «Фауста». Еще позднее, в XIX в., композитор Рихард Вагнер сделал Ганса Сакса героем своей оперы «Нюрнбергские майстерзингеры». Несколько слов следует сказать и о той литературе, что родилась в народной среде и получила название «народных книг». Многие из этих текстов, полных наивной непосредственности, жизненной наблюдательности и юмора, позднее стали источниками произведений профессионального искусства. Среди них народный авантюрный роман «Тиль Эй-леншпигель», созданный на основе анекдотов и шванков о хитроумном крестьянине, его странствиях и проделках. Не менее известной была легенда «Доктор Фауст», рассказывающая о чернокнижнике, заложившем душу дьяволу во имя обретения запретного знания, богатства и любви. Кстати, исторический Фауст действительно жил в Германии в начале XVI в. и был широко известен как шарлатан и маг. «Исключением из правил» в изобразительном искусстое Германии кажется могучая фигура титана Северного Возрождения Альбрехта Дюрера (1471—1528). Он был щедро, «ренессансно» одарен от природы, сумев, подобно Микеланджело, реализовать свой творческий потенциал в самых разных видах деятельности: живописи и поэзии, математике и анатомии, искусстве гравюры и инженерных науках. Наследие Дюрера составляют более 200 гравюр, 80 станковых произведений и более 1000 рисунков, а также скульптуры, очерковая проза («Семейная хроника», «Нидерландский дневник»), стихи в том числе рифмованные 207 Северное Возрождение: в поисках правды о человеке подписи под гравюрами, теоретический труд «Четыре книги о пропорциях человека» и др. Современник неистовых борений Реформации, он соединил в своем творчестве два, казалось бы, противоположных начала: высокую одухотворенность, воспринятую от средневековой готики, и мятежность энергичного человека нового времени. Доминантой творчества Дюрера, определяющей его неповторимый уверенный почерк, является «чисто немецкая» рациональность, позволяющая мастеру обуздать неуемную энергию и фантазию и придать художественным образам математически выверенную чеканную форму, в которой нет ничего лишнего. Как сказали бы русские теоретики искусства, Дюрер сумел с гениальной легкостью соединить «аффект и интеллект». Дюрер родился в Нюрнберге в семье золотых дел мастера. В молодости он много путешествовал, но обосновался все же в родном городе, где открыл свою мастерскую. Особое внимание он уделял гравюре: сначала на дереве (ксилография), а затем на меди. Художнику не было и 30 лет, когда он создал «Апокалипсис» (1498) — серию гравюр на дереве из 16 сюжетов. Вспомним, что полувеком ранее Ван Эйк также обращался к тексту «Апокалипсиса» и воплотил его оптимистический апофеоз. Дюрер жил в иное время, на «грани веков». Как и в наши дни, смена столетий вызывала в обществе ощущение страха и неуверенности в завтрашнем дне. Ожидали Страшного суда и Второго пришествия. Эти настроения во многом определили выбор сюжета гравюр. Дюрер иллюстрировал начальные, самые трагические и загадочные пророчества Иоанна Богослова о том, как будет происходить событие, называемое людьми «концом света». Этапами этого акта, как говорится в Писании, является снятие печатей с книги, находящейся в руке у Сидящего на престоле, что сопровождается страшными бедствиями: град и огонь, смешанные с кровью, пали на землю, третья часть моря сделалась кровью, с неба упала большая звезда, горящая подобно светильнику, и пала на третью часть рек и на источники воды... «В те дни люди будут искать смерти, но не найдут ее; пожелают умереть, но смерть убежит от них» (Откр. 9; 6). Изображая эти пророчества, Дюрер не смог скрыть чисто человеческого ужаса перед вселенской катастрофой. Впрочем, он был уверен в справедливости возмездия, творимого Господом над грешниками. Об этом говорят графические листы «Четыре всадника»: копыта коней Апокалипсиса топчут людскую неправду. Страстной эмоциональной силой наполнено стремительно взвихренное движение всадников. Линии рисунка извилисты, но 208 Тема 10 Дюрер. Четыре всадника. Гравюра Лукас Кранах Старший. Мадонна с младенцем очень четки. Резкий контраст при переходе от темного к светлому придает образам чеканную объемность. Перед нами достоверный символ будущего краха человечества и величайшее художественное открытие! Через 15 лет, в 1513—1514 гг., Дюрер создал знаменитые гравюры на меди «Рыцарь, смерть и дьявол», «Святой Иероним» и «Меланхолия». В них проявилась философская одаренность мастера, сумевшего проникнуть в глубины познания жизни. Последнее живописное произведение Дюрера — «Четыре апостола» (1526). В образах святых, написанных на двух досках, художник воплотил лучшие человеческие качества — твердость духа, мудрость, нравственность. Обратим внимание, что на левой доске Дюрер выдвинул на первый план не Петра, особо чтимого католиками, а Иоанна — апостола-писателя и философа, близкого по духу самому мастеру. 209 Северное Возрождение: в поисках правды о человеке Маттиас Грюнев^ьд. Распятие Ганс Гольбейн Младший. Портрет французских посланников Самый глубокий и значительный художник немецкого Возрождения Дюрер оказал огромное влияние на европейское искусство. Одновременно с ним и вслед за ним выделяется плеяда замечательных мастеров. Среди них Лукас Кранах Старший (1472—1553), наделенный тонким чувством красоты. Он писал в основном на религиозные сюжеты, подчеркивая в своих героях мягкость, теплоту, внутреннюю гармонию. Его полотна овеяны лирической мечтательностью и поэтичностью («Мадонна под яблоней», «Отдых на пути в Египет»). Неисчерпаемая фантазия, которой был наделен художник Маттиас Готхардт Нит-хардт, известный под именем Маттиас Грюневальд (ок. 1475—1528), приобрела в его зрелом творчестве мистический характер. Самое знаменитое его произведение — «Изенгей-ский алтарь», выполненный для церкви Святого Антония г. Кольмара (ок. 1516 г.). Образный строй алтарных картин отличается экспрессивностью в сочетании с натуралистичностью. Изображая сцену на Голгофе, художник запечатлел со всеми подробностями предсмертные муки Спасителя, его кровоточащие раны, сведенные судорогой руки и ноги. Столь же правдиво переданы страдания Богоматери, апостола Иоанна, Марии Магдалины. В отличие от своих современников Ганс Гольбейн Младший (1497—1543) почти не интересовался религиозной проблематикой, и в его творчестве нет прямой связи со средневековой готикой. Дружба с Эразмом Роттердамским, Томасом Мором и другими гумани-стами-радикалами способствовала формированию его мировоззрения, в котором доминировали скептическое отношение к религии и 210 Тема 10 увлечение материальной красотой окружающего мира. Наиболее яркая часть его наследия — портреты, написанные с натуры и отличающиеся трезвым, порой безжалостным реализмом.Так, в портрете Эразма Роттердамского, изображенного в тиши своего базельского кабинета, художник подчеркнул острый ум, ироничность и некоторую нервозность. Последние годы жизни Гольбейн провел в Англии при дворе Генриха VIII. Там он написал свои лучшие портреты (Генриха VIII, Томаса Мора, сэра де Моретта, Джейн Сеймур и др.). Следуя по стопам Дюрера, он много работал в области гравюры. Наиболее известна серия его гравюр на дереве «Триумф смерти» («Пляска смерти»). Во второй половине XVI в. голоса немецких гуманистов становились все глуше. Отдав много сил утверждению протестантизма и проведя религиозную реформу, Германия осталась политически отсталым, раздробленным государством. Надвигалась гроза Тридцатилетней войны первой половины XVII в., которая окончательно разорила страну. Кризис культуры длился долго. И лишь через столетие «сумрачный германский гений» (А.А. Блок) вновь заявил о себе. Но не в живописи, а в поэзии, музыке, философии. Гораздо большее влияние оказала ренессансная Италия на развитие художественной культуры Франции. Расцвет французского гуманизма совпадает со временем правления Франциска I (1494—1547) из рода Валуа, вступившего на престол в 1515 г. Он привлек к себе на службу лучших итальянских мастеров, в том числе Леонардо да Винчи. С учетом итальянского опыта в долине р. Луары были возведены замки нового ренессансного стиля (Блуа, Шамбор, Шеверни и др.). Французский язык пополняется итальянскими словами, а аристократы Парижа были увлечены Данте, Петраркой и Боккаччо. В новорожденном французском ренессансном искусстве выделяются три явления: школа Фонтенбло, творчество Франсуа Рабле и поэзия Плеяды. К школе Фонтенбло относятся художники, чья творческая деятельность определялась вкусами придворной жизни знаменитого замка Фонтенбло. Замок расположен в области Иль-де-Франс вблизи Парижа. В старину его территория была заполнена хаотичными строениями, что не нравилось Франциску I. По его распоряжению архитектор Жюль Лебретон провел реконструкцию. С тех времен сохранился Овальный двор с помещениями короля, в их числе — бальный зал, а также галерея Франциска I. Король полюбил это место. В замок были перевезены мно- 211 Художественная культура итальянского Возрождения Леско и Гужон. Западный фасад Лувра Гужон. Нимфа «Фонтана невинных» гие художественные ценности и королевская библиотека. Для украшения внутренних покоев своей новой резиденции Франциск I не жалел денег, и здесь работали многие выдающиеся итальянские художники (Франческо Приматиччо, Россо Фьюрентино и др.). Их влияние сформировало манеру письма французских мастеров школы Фонтенбло, среди которых выделяется скульптор Жан Гужон (ок. 1510—1566/1568). Самым известным его творением являются рельефы «Фонтана невинных» («Фонтана нимф») в Париже, архитектурную часть которого выполнил Пьер Леско. В легких, стройных фигурах чувствуются победа ренессансного мироощущения и свобода владения античными формами. В отличие от пластических искусств, имеющих ярко выраженный придворный характер, французская ренессансная литература была более многогранной. Ее вершина — творчество типичного для Возрож- 212 Тема 10 дения «универсального человека» — Франсуа Рабле (1494—1553). Рабле был врачом и натуралистом, юристом и археологом, филологом и поэтом. Но мировую славу ему принес роман «Гаргантюа и Пантагрю-эль».Идея романа возникла под влиянием анонимной народной книги «Великие и неоценимые хроники о великом и огромном великане Гаргантюа», вышедшей в свет в 1532 г. в Лионе. В книге пародировался средневековый роман о короле Артуре. Рабле настолько оказалась близка задумка народных пересмешников, что он решился на продолжение книги. В окончательном виде роман имеет пять частей (книги I—IV вышли в 1533—1552 гг., книга V — в 1564 г.). Книгу считают энциклопедией французского Возрождения. Рабле высмеял ханжество и предрассудки, которые считал наследием средневековой ограниченности. Фольклорная традиция, нашедшая отражение в стиле его сочинения, придает героям силу жизненного примера. Рабле был оптимистом и верил, что «люди, свободные, благородные и воспитанные, от природы наделены склонностью к добродетели и отвращением к пороку». Провозвестником французского поэтического Возрождения был легендарный и загадочный поэт Франсуа Вийон (1431 — после 1463). Его биография полна «белых пятен». Известно, правда, что поэт вел богемный образ жизни, воровал и неоднократно сидел в тюрьме. Один раз его приговорили к смертной казни (за драку с кровопролитием), но помиловали, заменив наказание изгнанием. Никто не знает, где и когда Вийон умер. В творчестве Вийона впервые заговорило во весь голос живое и открытое человеческое «я». Питомец Парижского университета метался между схоластическими научными «формулами», усвоенными в студенческие годы, и окружающей действительностью. Его поэзия, рожденная «на грани» двух мироощущений — средневекового и ренессансного, полна противоречий: в ней рождался новый свободный человек, но одновременно с ним рождалась и тоска по несбыточному идеалу, предвкушение гибели тленной красоты. Вийона постоянно преследовал образ смерти. В тюрьме в ожидании казни он создает жутковатый поэтический монолог — «Балладу повешенных»: Мы — братья ваши, хоть и палачам Достались мы, обмануты судьбой. Но ведь никто, — известно это вам? —-Никто из нас не властен над собой! 213 Северное Возрождение: в поисках правды о человеке Мы скоро станем прахом и золой, Окончена для нас стезя земная, Нам Бог судья! И, к вам, живым, взывая, Лишь об одном мы просим в этот час: Не будьте строги, мертвых осуждая, И помолитесь Господу за нас! Строки Вийона властно стучатся в сердца. В ХХ в. знаменитый русский бард Б.Ш. Окуджава написал стихотворение-песню под названием «Франсуа Вийон», проникновенно обобщив духовные искания славного сына Франции: Пока Земля еще вертится, пока еще ярок свет, Господи, дай же ты каждому, чего у него нет: Мудрому дай голову, трусливому дай коня, Дай счастливому денег... И не забудь про меня. Поэзия «Плеяд^1» — под таким запоминающимся названием вошло в историю ренессансной культуры творчество французских поэтов («Плеяда» — созвездие из семи звезд). Ярче всего на поэтическом небосклоне сияла звезда Пьера де Ронсара (1524—1585) певца любви, реформатора французской словесности: Плененный в двадцать лет красавицей беспечной, Задумал я в стихах излить свой жар сердечный, Но, с чувствами язык французский согласив, Увидел, как он груб, неясен, некрасив. Перевод В. Левика Завершая разговор о художественной культуре Северного Ренессанса, подчеркнем: временные границы рождения идеалов гуманизма в искусстве все же очень условны. В Европе были страны, где ренессансный дух заявил о себе позже, уже на грани XVI—XVII вв. Об этом, так же как и о всех новых течениях в искусстве XVII в., нам еще предстоит узнать. 214 ВОПРОСЫ И ЗАДАНИЯ 1. Что такое Северное Возрождение? Как соотносилось Возрождение в Италии и других странах? Какие тенденции были общими? 2. Каким предстал человек в искусстве Нидерландов и Германии? Не кажутся ли образы живописи Северного Возрождения слишком заземленными по сравнению с произведениями итальянского Ренессанса? Сопоставьте портреты мастеров Северного и итальянского Возрождения (по свободному выбору). 3. В русском языке есть поговорка «Заставь дурака Богу молиться, он себе и лоб разобьет». С какими культурными традициями Нидерландов и Германии соотносимо это выражение? Расскажите об образе «глупости» в искусстве Северного Возрождения. 4. Почему Яна ван Эйка принято считать первым мастером Возрождения в Нидерландах? Вспомните историю этой страны и расскажите, как развивалась городская жизнь в Амстердаме XV в. Соедините эти исторические данные с теми образами, что создал Ван Эйк в Гентском алтаре. К чему призывает мастер в своем творении? 5. Какие сферы жизни воспроизведены в произведениях Иеронима Босха? Каковы излюбленные темы художника? Составьте рассказ о содержании его полотен «Корабль дураков» и «Сад наслаждений». Почему ученые считают Босха родоначальником экспрессионистского искусства ХХ в. (домашнее задание)? 6. Оправдывает ли творчество Питера Брейгеля Старшего его прозвище «Мужицкий»? Почему вы так считаете? 7. Как трактует Брейгель античный сюжет «Падение Икара»? Пофантазируйте, о чем мог думать художник, работая над картиной? 8. «Страна лентяев» — образ, воссозданный на полотне Брейгеля, есть в культуре любого народа. Вспомните аналогичные образы в русских сказках. В чем их отличие от замысла Брейгеля? щ о щ т У р«| Ш т т т Щ т щ I т У т У ш т т щ 1-Ф-1 т т Ш т Ш т щ [О 1-ф I 215 9. Что вы знаете о музыке нидерландского Возрождения? Вспомните, что такое полифония строгого стиля (материал темы 8). Назовите имя композитора — творца хоровых полифонических композиций в Нидерландах. 10. Поразмышляйте о том, почему в культуре немецкого Ренессанса преобладали богословские темы. Кто такой Мартин Лютер? Какой знаменитый хорал он создал? 11. Кто из поэтов ренессансной Германии испытал влияние фольклора? Какие народные книги послужили основой литературной (а затем и музыкальной) классики? Предлагаем организовать обсуждение темы «Тиль Уленшпигель и Фауст — герои немецкого и мирового искусства» (на примере сочинений Шарля де Костера, И.-В. Гете, симфонической поэмы «Тиль Уленшпигель» Рихарда Штрауса, отрывков из оперы «Фауст» Шарля Гуно, «Фа-уст-симфонии» Ференца Листа и др.). 12. Расскажите о творчестве Альбрехта Дюрера. Снижается ли сила изобразительности и эмоционального воздействия его гравюр, не имеющих цвета? 13. Какие произведения Лукаса Кранаха Старшего, Маттиаса Грюневальда и Ганса Гольбейна Младшего вы знаете? Расскажите о них. 14. Как вы представляете дворцовую жизнь Франции в эпоху Франциска I? Когда был реконструирован замок Фонтенбло? Какая школа художников здесь процветала? 15. Нравятся ли вам герои Франсуа Рабле? Почему писателя увлекали правители-великаны? Какие герои книги «Гаргантюа и Пантагрюэль» вам наиболее близки? Чем? 16. Какие идеи проповедовали поэты «Плеяды»? Расскажите о творчестве Пьера Ронсара. Подумайте, какой русской поэзии созвучны его образы? Расскажите о Франсуа Вийоне. 17. Выделите главные идеалы художественной культуры Северного Возрождения. Противоречивы ли они? Если да, то почему? i-rfi-i (4 h4l4 (4 I Щ 1-Л14 <4 ш h4i щ (4 ы м if} w h4i 216 Тема 11 Художественная культура XVII в.: многоголосие школ и стилей Увы, мой стих не блещет новизной, Разнообразьем перемен нежданных. Не поискать ли мне тропы иной. Приемов новых, сочетаний странных? В. Шекспир Мой мозг, до знаний жадный, как паук. Все постигал: недвижность и движенье, Нотолку нет от мыслей и наук. Когда повсюду им опроверженье. С друзьями детства перетерлась нить. Нить Ариадны оказалась схемой. Я бился над словами — «Быть — не быть». Как над неразрешимою дилеммой. В.С. Высоцкий Художественная культура XVII в.: многоголосие школ и стилей XVII столетие искусствоведы нередко называют веком барокко. Это, безусловно, верно, если учесть, что именно барокко стало ведущим «большим стилем» целой эпохи. Но все же необходимо заметить, что грань XVI — XVII вв. ознаменовалась еще одним всплеском ренессансной мысли — гением Шекспира. А завершением барокко стала музыка не менее гениального Баха, который прожил ровно до середины XVШв. И еще уточним для себя: в художественной культуре XVII в. были слышны голоса не только барокко и Ренессанса. Вторая половина столетия связана с утверждением классицизма. Означает ли сказанное, что барокко — всего лишь «мостик между прошлым и будущим», между Ренессансом и классицизмом XVIII в.? Вовсе нет. Барочное искусство было вполне самостоятельным явлением художественной жизни Европы, полным подлинных открытий. И главная сущность этого стиля — в его многогранности, отсутствии единообразия. Можно сказать, что каждая европейская страна создавала свой «национальный портрет барокко» в живописи, театре, музыке, зодчестве. На эту особенность указывает и само определение стиля. Слово «барокко» в переводе с итальянского означает «странный, причудливый». А еще этим словом итальянские ювелиры называли жемчуг неправильной формы. Неправильность, странность, причудливость — все это изначально есть в новом искусстве. Но если мы говорим о «неправильности», то что же было образцом? Каверзный вопрос! Поэтому подумаем вместе: почему возникло барокко, тогда и сущность его «неправильности» прояснится. Стиль барокко возник в то время, когда безвозвратно ушли в прошлое идеалы Возрождения, вера в безграничные возможности и могущество человека-титана. Люди убедились, что человек отнюдь не всевластен в своей судьбе, он включен в огромный Космос и не менее сложную земную жизнь, в которой есть семья, общество, власть и т. д. К тому же век человеческий быстротечен, полон неожиданностей, трагических событий, контрастов. Эти новые взгляды породили эстетику барокко, стали основой стиля. Искусство наполнилось динамичностью, контрастными образами, драматизмом. Возвратились в него и 218 Тема 11 религиозные сюжеты мученичества и страданий. Многоплановое восприятие жизни рождало новые художественные образы и средства выразительности. Так что «неправильным» барокко было по сравнению с искусством Возрождения, признав изменчивость и динамичность важнее стабильности. Вхождение в пестрый мир барокко мы начнем издалека, вернувшись в XVI в., в Англию. Эпоха Возрождения в Англии началась поздно и была своеобразной, поскольку долгое время английское искусство светило «отраженным светом» иных художественных традиций — итальянской, нидерландской, французской. Но к эпохе правления Елизаветы I из династии Тюдоров (вступила на престол в 1558 г.) четко обозначилась та область, где воссияют национальные ренессансные шедевры. Эта область — театр, драматический и музыкальный, ставший кульминацией в развитии художественной культуры Англии и блистательным финалом европейского Возрождения. «Шекспир — это пророк, посланный Богом, чтобы возвестить нам тайну о человеке, душе человеческой», — писал Ф.М. Достоевский. Раскрывая эту тайну, Шекспир не был ни философом, ни моралистом. Он никого не поучал, а просто рассказывал истории разных людей, показывал их судьбы. Но делал это с такой силой художественного обобщения, что человек и 300 лет назад, и сегодня узнает в шекспировских пьесах «всю правду» о самом себе. И дело здесь вовсе не в частностях — жизнь, конечно же, по внешним проявлениям стала совсем иной, и убивают люди друг друга давно уже не шпагой. Гений Шекспира в другом. Он увидел в человеке те вечные сущности, духовные и душевные, что не подвержены времени. Неискоренимы на этом свете жадность, предательство, трусость, подлость, неблагодарность, зависть, ненависть к ближнему. Но также вечными спутниками людей выступают благородство, верность, мужество, щедрость, доброта и, конечно же, большая любовь. Шекспир велик, когда показывает зло, царящее в мире. Но он не менее велик, когда в его сочинениях звучит гимн любви — торжествующей, всепобеждающей, вечной. Биография Уильяма Шекспира (1564—1616) ничем не примечательна. Он родился в провинциальном городке Стратфорд-на-Эйвоне, в 20 лет покинул родные места, и уже через пять лет стал актером одной из лондонских трупп. Позднее труппа построила для себя театральное здание под названием «Глобус», но право именоваться «королевской» она получила лишь в 1603 г. 219 Художественная культура XVII в.: многоголосие школ и стилей Бесспорно принадлежащие Шекспиру пьесы (так называемый «шекспировский канон») составляют 37 сочинений. Его ранние комедии («Укрощение строптивой», «Сон в летнюю ночь», «Много шума из ничего» и др.) наполнены праздничным весельем. Их сюжет разворачивается вокруг разного рода совпадений и недоразумений, вызывающих добрый смех, радостное ощущение полноты жизни. Но был и другой Шекспир, великий трагик, впервые наиболее полно раскрывшийся в этом «амплуа» в пьесе «Ромео и Джульетта» (1595). Смерть юных веронцев оборачивается в ней моральной победой любви над ненавистью и враждой. Сочинения Шекспира позднего времени окрашены в гораздо более суровые тона. Среди них историческая хроника «Генрих IV», трагедии «Гамлет» (1601), «Отелло» (1604), «Король Лир» (1605), «Макбет» (1606), «Римские трагедии» («Юлий Цезарь», «Антоний и Клеопатра», «Кориолан»). Следуя правде и логике жизни, Шекспир позволяет злу восторжествовать над добродетелью, завершая свои творения чаще всего мрачным, не оставляющим повода для оптимизма финалом. Задумаемся над природой этой безысходности. Как известно, Шекспира мало интересовали «обычные» люди. Его герои выделяются из толпы, они умны, талантливы, полны энергии и занимают высокое общественное положение. И что же в результате? Зло, поселившееся в их страстных душах и отравившее радость жизни, заставляет этих людей сеять вокруг себя ядовитые бесовские семена, разрушать и коверкать чужие судьбы и в конце концов гибнуть, так и не изведав настоящего счастья. Означает ли это, что Шекспир, как и гуманисты Северного Возрождения, разочаровался в «венце природы» — человеке и финалы его трагедий сопоставимы с «плясками смерти» в работах Босха, Дюрера или Питера Брейгеля Старшего? Не будем спешить с ответом и обратим внимание на другое: сила шекспировских героев вовсе не в том, что они достойно погибают, что ими преодолен страх смерти. Ромео, Джульетта, Отелло, Антоний, Клеопатра лишили себя жизни. Размышлял о смерти, как о «легком» решении всех вопросов, и Гамлет в знаменитом монологе: Быть или не быть, вот в чем вопрос. Достойно ль Души терпеть удары и щелчки Обидчицы судьбы иль лучше встретить 220 Тема 11 С оружьем море бед и положить Конец волненьям? Умереть. Забыться. Перевод Б.Л. Пастернака Но страсти, раздирающие души персонажей Шекспира, сильнее смерти. Поэтому истинная трагедия героев — в их нравственных муках, когда они сталкиваются с роковым стечением обстоятельств. Всю мощь великого дарования драматурга Шекспир направил на то, чтобы показать изначальную трагическую сущность земного бытия. И призвал нас к сочувствию, состраданию или хотя бы к пониманию друг друга. Спустя чуть более полувека после смерти Шекспира в Вестминстере родился основоположник английской оперы Генри Пёрселл (ок. 1659—1695). Его творчество принадлежит XVII столетию, но исследователи уверены, что именно блестящая шекспировская эпоха и расцвет английского сценического искусства оказали влияние на становление национального музыкального театра. Несколько своих сочинений он назвал операми. И только одно из них, «Дидона и Эней», действительно таковой является. Первая английская опера написана на либретто известного в те годы литератора Н. Тэта, который в свою очередь опирался на эпическую поэму «Энеида» древнеримского поэта Вергилия. Сюжет повествует о трагедии царицы Карфагена Дидоны, покинутой троянским героем Энеем, который должен плыть в Италию, чтобы восстановить там разрушенную Трою — таково веление богов. В опере сочетаются черты музыкального и драматического спектакля. Следуя нормам античного театра эпохи Софокла, Перселл придает особое значение хору, который комментирует происходящие на сцене события. Музыка оперы полна обаяния и барочных контрастов: гротеск чередуется с утонченной лирикой, мрачноватая фантастика—с высокой патетикой. Финал трагедии наступает на корабле, готовом к отплытию. Матросы поднимают якоря и поют бодрую песню, полную грубоватого народного юмора. Посреди веселья вдруг являются ведьмы, и их хор неожиданно вторгается в действие. Они решили понаблюдать за роковой развязкой: «Нам разрушье — пир, людские слезы — радость!». Пришедшая на пристань несчастная Дидона поет свою знаменитую прощальную арию. Расцвет Возрождения в другой крайней точке Европы — в Испании, так же как и в Англии, наступил поздно, и пришелся на конец XVI — первую половину XVII в. К тому времени Испания была государством, 221 Художественная культура XVII в.: многоголосие школ и стилей еще недавно могучим и богатым, но вступившим в полосу затяжного кризиса. Всего век назад страна переживала начало высокого подъема. Испанцы активно завоевывали Новый Свет, расширяли колонии, превратив свою родину в мощную морскую державу. В первой половине XVI в. Испания стала составной частью огромной европейской империи Габсбургов, в связи с чем в ее архитектуру проникли итальянские ренессансные влияния (дворец Карла V в Гранаде, внутренний двор Алькасара в Толедо). Наиболее ярким выражением собственно испанского стиля ренесансного зодчества стал возведенный близ Мадрида монастырь-дворец Эскориал1, построенный для короля-монаха Филиппа II по проекту архитектора Хуана Баутиста де Эррера (ок. 1530— 1597). В центре монастыря-дворца — величавый собор, увенчанный куполом. Его внешний облик отличается строгостью, подчеркнутой и во внутреннем убранстве. Недальновидная политика испанских королей, свирепствование инквизиции и разорительные войны негативно сказались на развитии страны. Но кризис вызвал неожиданный взлет национального испанского искусства. Начало было положено творчеством Сааведры Мигеля де Сервантеса (1547—1616). Сервантес был сыном простого лекаря; его судьба полна приключений и трагических коллизий. Он воевал (был ранен, получил увечье левой руки), познал плен, тюремные заключения. Последние 15 лет жизни Сервантес провел в нужде. Но именно тогда и появился на свет его бессмертный роман «Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанчский» (первая часть опубликована в 1605 г., вторая — в 1615 г.). Сочинение было задумано как пародия. Главный герой Дон Кихот, бедный провинциальный идальго, помешался на чтении рыцарских романов. Он возомнил себя средневековым рыцарем, отправившись в странствие во имя «прекрасной дамы» и для защиты всех униженных и оскорбленных. У него ржавые доспехи, вместо боевого коня — старая кляча. Его оруженосец — хитрый крестьянин Санчо Панса, его «дама» — скотница, превращенная больным воображением в Дульсинею Тобосскую. Дон Кихот сражается с ветряными мельницами — эта сцена стала символом донкихотства в истории культуры. Сложнейший внутренний смысл сочинения Сервантеса вызвал различные трактовки. Некоторые исследователи считают, что в лице 1 Эскориал получил свое название благодаря близости железных рудников (esscoria — шлак). 222 Тема 11 идальго и его оруженосца Сервантес воплотил вечный контраст грубого материализма и возвышенного идеализма, заземленного расчета и одухотворенной мечты. Думается также, что в образе Дон Кихота Сервантес глубоко спрятал самого себя. Как художник Ренессанса, он пытался разобраться в таком явлении, как человек. Подобно людям своего поколения, он успел разочароваться в реальном устройстве общественной жизни и предсказал с гениальностью провидца рождение нового людского божка — золотого тельца, культа денег, наживы и сопуст-вующего им материального «здравого смысла». Младшим современником Сервантеса был Лопе Феликс де Вега Карпио (1562—1635), который вошел в историю как великий драматург. Наиболее интересная область его творчества — комедия «плаща и шпаги» (названа так по типичным принадлежностям костюма испанских грандов). Лопе де Вега считал, что главная задача драматурга — угодить зрителю. Поэтому его сочинения очень занимательны; они блещут остроумием, порожденным умением автора в нужный момент усилить внутренний комизм ситуаций, в которых оказались герои. Центральная тема комедий Лопе де Вега — любовь, искреннее и глубокое чувство, раскрывающее лучшие качества человека. Огромной популярностью и по сей день пользуются такие его пьесы, как «Собака на сене», «Сети Фенисы», «Валенсианская вдова» и др. Прекрасным объяснением смысла комедий Лопе де Вега могут служить строки одной из его пьес: Не забудь, Рикардо: драма Стала зеркалом, в котором Предстают пред нашим взором Трус, герой, девица, дама, Вор, судья, дурак, мудрец, Мальчик, старец, принц и нищий. В ней себе невольно ищем Мы пример и образец; В ней живописуют нравы, К нашему стыду иль славе, Дело примешав к забаве, К грустной правде — смех лукавый. Наследником традиций ренессансной литературы Испании стал драматург Кальдерон де ла Барка (1600—1681). Его творчество сродни 223 Художественная культура XVII в.: многоголосие школ и стилей стилю барокко: Кальдерон стремился к нарядной изысканности, сочетая аристократизм с тонким воплощением внутренних психологических конфликтов своих героев. Драматурга занимала христианская трактовка понятия «честь», имеющая для испанцев особое «знаковое» значение. Среди комедий Кальдерона наибольшей популярностью пользуются пьесы «С любовью не шутят» (1627?) и «Дама-невидимка» (1629). В конце творческого пути драматург мучительно ищет ответ на философский вопрос: что есть жизнь? Быть может, сновиденье, промчавшееся и растаявшее без следа? Религиозно-мистическими исканиями овеяна его знаменитая пьеса «Жизнь есть сон» (1636). Традиционная набожность испанского народа, сохранившаяся от Средних веков, от Реконкисты (отвоевание своих территорий, захваченных маврами), была частью наивного и непосредственного восприятия жизни. Сочетание глубокой религиозности с гордым осознанием своего «я», повышенное внимание к чести и достоинству человека составили самобытность испанской живописи, представленной в разных городах большим числом первоклассных мастеров. Испанская школа складывалась под влиянием таких разных источников, как средневековая готика, мавританское искусство при несомненном воздействии идей европейского Возрождения. Быть может поэтому в творчестве испанских художников христианские сюжеты удивительным образом уживаются с чувственным ощущением действительности, а картины бытия всемогущих королей, блистательных грандов, дофинов и принцесс не заслоняют стихии красочной народной жизни с ее патриархальностью и близостью к земле. У истоков ренессансной живописи Испании стоит художник греческого происхождения Доменико Теотокопули, прозванный Эль Греко (1541—1614). Он появился в Мадриде в возрасте около 35 лет, имея за плечами крепкую профессиональную выучку (учился в Риме, в Венеции у Тициана). Не признанный испанским двором Эль Греко отправляется в Толедо, город монахов, возведенный на горном плато. Здесь художник нашел подлинную вторую родину, вдохновенно изображая толедские скалистые пейзажи во многих своих работах. Здесь же полностью раскрылся необыкновенный дар художника, благодаря которому его полотна легко узнаются в череде многоликой испанской живописи. Деформированные образы, удлиненные фигуры, аскетичные лица с асимметрично распахнутыми глазами, в которых застыло внутреннее страстное горение и мистическая экзальтация... Этот мир, созданный Эль Гре- 224 Тема 11 ко, подчинен не реалиям, а законам духа и творческой фантазии, рожденной религиозным сознанием художника. Выполняя заказы церквей и монастырей, мастер охватил множество евангельских образов и сюжетов: «Апостол Иоанн», «Крещение Христа», «Моление о чаше», «Святое семейство». Огромное впечатление оставляют алтарные образа «Погребение графа Ор-гаса» (1588), выполненные для церкви Сан-Томе. В собрании нашего Эрмитажа привлекает внимание портрет святых апостолов Петра и Павла (1614). В нем художник противопоставил два характера: задумчивого Петра с изможденным покаянным лицом и властного, исполненного внутренней твердости Павла. «Золотой век» испанской живописи открывается творчеством Хусепе Риберы (ок. 1591—1652) и Франсиско Сурбарана (1598 — ок. 1664). Рибера, основатель школы Валенсии, обладал ярко выраженным даром художника-трагика. Во многих его произведениях раскрыты темы мученичества, страданий, нелегких судеб. Он любил изображать нищих, скитальцев-пилигримов, калек, подчеркивая в этих образах отнюдь не убогость, а извечную испанскую гордость, проступающую даже сквозь лохмотья. Такова его «Хромоножка» (1642) — портрет нищего мальчика-калеки с вывернутыми руками и ногами, весело, с вызовом глядящего на мир. Одно из лучших полотен Риберы — «Святая Инесса» (1641), в котором мастер воплотил красоту невинности и целомудрия, избежав чувственности, неуместной в изображении христианской мученицы, которую обнаженной бросили в тюрьму. Творчество Сурбарана принадлежит севильской школе живописцев. Он писал сце- Эль Греко. Апостолы Петр и Павел Франсиско Сурбаран. Отрочество Марии 225 Художественная культура XVII в.: многоголосье школ и стилей. ны из быта монахов и святых, придавая своим образам удивительную достоверность. Его кисть, как и кисть Риберы, была крепкой, мощной, прямодушной. Живопись Сурбарана лишена внешних эффектов, полна ясности и глубокой набожности («Отрочество Марии»). Художник изображал религиозные сюжеты как естественное проявление жизни, создавая полные достоинства и величия характеры («Посещение св. Бонавентуры Фомой Аквинским»). Кульминация «золотого века» испанской живописи — творчество Диего Родригеса де Сильва Веласкеса (1599—1660). Веласкес был родом из Севильи. В ранний период творчества он увлекался живописью в любимом испанцами жанре «бодегонес», изображая сценки из жизни простых людей, быт кухонь и харчевен. В 1623 г. художник переехал в Мадрид, где получил место при дворе короля Филиппа IV. Сорок лет придворной службы — немалый срок. За эти годы Веласкес вырос в самобытного мастера-реалиста, постигшего тайны света и цвета. Проницательный папа римский Иннокентий X, которого Веласкес писал во время поездки в Италию, увидев свое изображение, воскликнул: «Troppo vero!» («Слишком правдиво!»). Веласкес умел говорить о людях правду, оставаясь в рамках этикета. Не обижая свои модели, мастер никогда не лгал и умел показать глубоко спрятанный характер человека, его интеллект, склонности, а порой и страсти за антуражем придворной благочинности и богатых одежд. Так, в портрете инфанты Маргариты (ок. 1660) Веласкес подчеркнул искусственность ее жизни, недетскую взрослость и неподдельную печаль. Самые известные свои работы художник написал в последнее десятилетие. «Венера с зеркалом» — первое в испанском искусстве изображение обнаженной женщины. Веласкесу удалось передать образ прекрасного тела с помощью тончайших оттенков розового и золотистого цветов. Не менее изыскан колорит полотна «Менины» (фрейлины). Это, по сути, групповой портрет очень сложной композиции. На нем изображен и сам художник (единственный достоверный автопортрет), который, стоя у мольберта, пишет короля и королеву (они видны в зеркале). На переднем плане — инфанта Маргарита в окружении фрейлин, карлиц, придворных и собаки. Лицо инфанты отмечено привычной детской надменностью, ее явно сковывают пышные кринолины платья. Зато легкие волосы «живут» свободно, они пронизаны светом и моделированы многочисленными цветовыми оттенками. 226 Тема 11 Веласкес. Менины Еще более сложной по композиции является картина «Пряхи» (1657). На ней — шпалерная мастерская, куда заглянули придворные дамы, чтобы посмотреть на готовый гобелен. Пряхи предстают в непринужденных, грациозных позах на переднем, неожиданно и необычно затененном плане. Весь второй, дальний план залит солнцем, в свете которого наряды придворых дам сливаются с изображением мифологической сцены, вытканной на висящем ковре-картине. Умер Веласкес внезапно. На его могиле высекли слова «Живописцу истины». XVII в. был эпохой небывалого расцвета изобразительного искусства и в других европейских странах. Наиболее яркие школы родились на территории бывших Нидерландов. Эта страна распалась на две части — Голландию (семь северных провиниций), отделившуюся от Испании и ставшую самостоятельной протестантской республикой, и Фландрию (современная Бельгия), что осталась под протекторатом Испании, сохранив приверженность католицизму. 227 Художественная культура XVII в.: многоголосие школ и стилей Питер Пауль Рубенс. Персей и Андромеда Символом фламандской живописи на все времена стал Питер Пауль Рубенс (1577—1640). Рубенс сделал прекрасную дипломатическую карьеру, имел самую большую в Европе мастерскую и армию преданных учеников, был богат и жил в Антверпене в собственном дворце.1 Но его внешность изящного, вполне светского человека была обманчива. Превыше всех благ художник ценил тихие прелести семейного очага. Он был женат дважды, и оба раза удачно. Первая жена Изабелла Брандт была из очень состоятельного бюргерского рода. Атмосферу счастья семейной жизни художник передал в работе «Автопортрет с Изабеллой Брандт» (1609), где изобразил себя и жену под ветвями цветущей жимолости. После смерти Изабеллы, на 54-м году он женился на молоденькой дальней родственнице своей первой жены — Елене Фоурмен. Эта женщина стала его музой («Елена Фоурмен с детьми», 1636, «Шубка», 1639). Самое же примечательное, что Рубенс был необыкновенно удачлив в творчестве. Он получал заказы от самых влиятельных и состоятельных 1 Последние годы жизни провел в поместье со старинные замком Стеен. 228 Тема 11 особ Европы. Его не преследовала инквизиция, несмотря на склонность художника к обнаженной натуре. Более того, орден иезуитов был среди постоянных заказчиков мастера. Вероятно, эти внешние обстоятельства и выдающееся дарование позволили Рубенсу избрать собственный путь в искусстве и следовать им всю жизнь с ощущением полной свободы творчества. Рубенс сумел реализовать многие замыслы, и его наследие огромно. Признанный законодатель барокко, мастер, судя по всему, не был ни философом, ни психологом. Религиозный дух также совершенно ушел из его живописи, уступив место торжеству здоровой, хотя и не всегда красивой плоти. Сила, страстность, необузданность образов Рубенса сочеталась с вполне простонародным взглядом на натуру, красота которой подразумевала прежде всего здоровое и откормленное тело. «Персей и Андромеда» (1620—1621) — знаменитое эрмитажное полотно Рубенса, созданное на основе античного сюжета. Картина прославляет рыцарскую отвагу Персея, победившего морское чудище, в жертву которому предназначалась Андромеда. В центре композиции — сияющее нежным теплом женское тело. Ее нагота не классична: земляки Рубенса да и он сам не ценили строгие античные пропорции. И все же Андромеда нежна и прекрасна в окружении ореола сияющих золотых волос. Динамику в эту застывшую сцену привносит Амур, торопящийся открыть Персею прелести его избранницы. У Рубенса, певца борений, побед и вакханалий, был любимый ученик, выдающийся фламандский художник Антонис ван Дейк (1599— 1641). Судьба ван Дейка была совсем другой. Получив хорошее образование и не желая конкурировать с Рубенсом, он покидает Антверпен и поступает на службу к английскому королю Карлу I. В Англии Ван Дейк стал основоположником школы портретной живописи. Словно противопоставляя себя Рубенсу, он подчеркивал в своих мастерски написанных портретах и автопортретах аристократизм, хрупкость, и изысканность. Другой ученик и ближайший помощник Рубенса — Якоб Йордане (1593—1657) был истым фламандцем, а его картины — воплощением плебейской непосредственности, жизнерадостности и некоторой традиционной народной фривольности. В связи с последним стоит вспомнить, что жители Брюсселя сделали своей шутливой эмблемой фонтанную скульптуру «Маннекен-пис»1, и сегодня стоящую на главной 1 «Писающий мальчик» выполнен в начале XVII в. скульптором Дюкенуа. 229 Художественная культура XVII в.: многоголосие школ и стилей Ван Дейк. Автопортрет Якоб Йордане. Бобовый король (фрагмент) площади города. То, что шокировало аристократов, было привычной данью фламандскому жизнелюбию. Близкие по духу сюжеты охотно рисовал Йорданс, повторяя в разных вариантах рассказ о том, как сатир зашел в гости к крестьянам, или о том, как пьянствует «бобовый король»1. В XVII в. фламандское искусство обогатилось натюрмортом — самостоятельным жанром живописи. Крупным мастером монументального натюрморта, составленного из даров природы и охоты, был друг Рубенса Франс Снейдерс (1579—1657). Преувеличенные в масштабах сочные плоды, битая птица, овощи, морская и речная рыба, нагроможденные на столе, являют собой сказочное изобилие, даримое людям для счастливой и богатой жизни. В Голландии, буржуазной республике, отринувшей католическую веру в пользу протестантизма, у художников были иные возможности и традиции. Живописцы работали в условиях рынка и не зависели от заказов короля или церкви. Их картины покупали (или не покупали) зажиточные граждане, любившие украшать живописью стены своих домов. Следовательно, вкус горожан-обыва-телей, высшей ценностью для которых было благополучие и покой семьи, определял содержание полотен. Что хотели видеть на картинах голландцы? То, к чему они привыкли и что было не слишком обременительным для их интеллекта: уютные городские дворики, чистые комнаты домов, аккуратных, с неприметной внешностью хозяек в белых чепчи- 1 Традиционный фл^андский народный праздник, во время которого выбирают бобового короля. Им становится тот, кто нашел в пироге боб (подобно русскому обычаю закладывать в один из сибирских пельменей необычную начинку). 230 Тема 11 ках, худосочных девушек, занимающихся шитьем, чтением или игрой на клавесине. Быт в этих полотнах представлен правдиво до мелочей, а простые обыденные сцены, изображенные художниками, можно было ежедневно наблюдать вокруг. Говорят, что по предметам, написанным на картинах голландцев, историки могут изучать экономику и торговые связи в XVII столетии. Творцов бытовой живописи назвали позднее «малыми голландцами» и за простоту сюжетов, и за небольшие размеры работ. Излюбленные жанры «малых голландцев» — портрет, пейзаж, натюрморт. Крупнейшим портретистом среди них был Франс Хальс (ок. 1580—1666). С его полотен смотрят на нас энергичные предприимчивые люди — хозяева своей судьбы. Обратим внимание: художник охотно воспроизводил смеющиеся лица, умея уловить то состояние души, что сегодня мы называем «моментом истины». Психологичны и глубоко трагичны созданные Хальсом образы стариков и старух, в лицах которых обнажено недоброе нутро, столь тщательно скрываемое в молодости (два многофигурных портрета регентов и регентш приюта для престарелых; написаны в 1664 г.). «Великим малым голландцем» нередко называют Яна Вермера, вошедшего в историю живописи как Вермер Делфтский (1632—1675). Он писал те же бесхитростные бытовые сцены и пейзажи, что и его собратья по профессии («Кавалер и дама у спинета», «Девушка, читающая письмо», «Офицер и смеющаяся девушка»). Величие же художника — в колористических находках, в умении искусно воплощать воздух, цвет и свет. Вермер, как никто другой, чувствовал свето- Франц Хальс. Регентши (фрагмент) Вермер Делфтский. Девушка,читающая письмо 231 Художественная культура XVII в.: многоголосие школ и стилей воздушную среду и стал первым среди живописцев писать пейзажи с натуры, на пленэре (свежем воздухе), предвосхитив манеру импрессионистов XIX в. («Улочка», 1658; «Вид Делфта», 1660). Полотна Вермера играют яркими свежими красками, дарящими наслаждение глазу, а душе — настроение покоя и тишины. Вершина голландского искусства XVII в. — творчество гениального художника Харменса ван Рейна Рембрандта (1606—1669). Удивительно, но никуда не выезжая из своей маленькой бюргерской страны и не получив широкого образования, Рембрандт создал творения мирового общечеловеческого звучания. Современники это не слишком понимали и относились к художнику снисходительно, не замалчивая его «слабостей». Осознание того, что именно Рембрандту удалось снять с голландской художественной культуры упрек в заземленности, пришло значительно позднее. Рембрандту дано было соединить простые житейские истины с высоким духовным опытом человечества, пройдя путь исканий от барочных композиций до высого реализма. Художник родился в Лейдене в семье мельника; после латинской школы некоторое время посещал Лейденский университет, но оставил учебу ради занятий живописью. В 1632 г. он переехал в Амстердам. Слава пришла к молодому мастеру с созданием картины «Урок анатомии», на которой изображен доктор Тульп, со знанием дела обясняющий своим ученикам строение мышц человека у препарированного трупа. В 1634 г. Рембрандт женился на любимой девушке Саскии ван Эйлен-борх. Саския была из знатной семьи, и брак открыл дорогу в патрицианские круги столицы. Приданое невесты обеспечило материальную свободу, к тому же Рембрандт стал получать много выгодных заказов. Период жизни с Саскией был самым счастливым для художника. Он много работал, и из под его кисти выходили образы, отмеченные радостью бытия. Свою юную жену, кстати, далеко не красавицу, он превратил в обворожительную богиню весны Флору, украшенную цветами и ожерельями, одетую в парчу (это полотно находится в собрании Эрмитажа). Ярче всего мироощущение Рембрандта в те годы передает «Автопортрет с Саскией на коленях» (ок. 1636). На полотне счастливый, упоенный любовью художник, приглашающий всех выпить здравицу за его семью. В 1642 г. жизнь художника резко изменилась. Умерла Саския, исчезла муза, вдохновлявшая мастера. С этого времени наступает новый период его творчества, начало которому положило знаменитое полотно 232 Тема 11 Рембрандт. Ночной дозор Рембрандт. Возвращение Блудного сына «Ночной дозор». Работа создавалась по заказу, как групповой портрет стрелковой роты. Военные хотели видеть на полотне прежде всего свои собственные лица. Рембрандт же резко изменил традиции и создал картину с иным сюжетом: рота, обуреваемая патриотическим порывом, выступает в поход. Освещенными в композиции оказались лишь немногие фигуры переднего плана, остальные же персонажи ушли в тень и перемешались с посторонними людьми, в числе которых маленькая девочка в золотистом платье. Возмущению заказчиков не было предела, они потребовали вернуть деньги. Мастер был оскорблен. С этого момента произошел разрыв Рембрандта с кругом аристократов, и кривая его благополучия резко пошла вниз. С возрастом художник изменился сам, стали другими и его подходы к творчеству. Зрелого Рембрандта отличает удивительная простота, отсутствие внешних эффектов, лишних деталей. Он любил писать бедняков, слепых, нищих, старух и стариков, подчеркивая в их образах мудрое знание житейских проблем. Сюжеты Рембрандт чаще всего черпал в Библии (за исключением портретов), все увереннее сближая 233 Художественная культура XVII в.: многоголосие школ и стилей евангельские религиозные идеи с духовными запросами современного человека. Он научился открывать в некрасивой натуре возвышенную красоту, тем самым утверждая христианскую истину о тленности земного и вечности небесного. В полумраке бедного жилища изображена простая семья: муж, занятый ремеслом, жена, приоткрывшая полог колыбели, чтобы посмотреть на спящего ребенка. Таков незатейливый сюжет полотна «Святое семейство» (1645). Лишь ангелы напоминают о божественной сущности этой сцены. Но за простотой повседневности художник сумел увидеть высшие ценности бытия, воспеть святость материнства. Последнее десятилетие — самая трагическая страница жизни Рембрандта. Умерли вторая жена и сын. Окружающие считали его неудачником, несостоявшимся художником. Он растерял друзей и ютился в бедной квартирке на задворках Амстердама, но не утратил творческого дара. «Возвращение блудного сына» (1669) — гениальный заключительный аккорд его живописного наследия. В евангельской притче1, положенной в основу образа, заключена величайшая человеческая мудрость, выражаемая в словах «раскаяние», «любовь», «прощение». Композиция картины предельно проста. Сын- странник в грязном рубище, упавший на колени перед отцом, олицетворяет трагедию и раскаяние. Старик-отец, все простивший, счастливый, с выражением бесконечной доброты на полуослепшем лице, возложил руки на страдальца. В картине есть предельная напряженность чувств и озаренность мысли. А еще тревожащий болью сердца вопрос: не так ли и мы, заблудшие души, должны припасть в раскаянии к стопам своего небесного Отца? После смерти Рембрандта начинается упадок голландской живописи, а затем наступает конец великой эпохи взлета национального художественного творчества. Быть может, поэтому голландцы и сегодня так любят и берегут свое блестящее прошлое. По сравнению с жизнью других народов в Италии конца XVI— XVII вв. мало что изменилось. Итальянцы сумели сохранить религиозные традиции, несмотря на все потрясения Реформации, Ватикан остался центром мирового католицизма. Но пафос Контрреформа- 1 Перед тем как рассказать притчу о блудном сыне, Иисус Христос произнес: «Сказываю вам, что так на небесах более радости будет об одном грешнике, нежели о девяносто девяти праведниках, не имеющих нужды в покаянии» (Лк. 15; 7). 234 Тема 11 ции самым непосредственным образом повлиял на развитие итальянского искусства. В пылу противостояния протестантизму католическая церковь озаботилась внешним утверждением своего процветания и могущества. На этой волне начинается грандиозное обновление и украшение Ватикана и Рима. Вечный город превращается, в полном смысле слова, в «стройку века», конкурируя по размаху преобразований разве что с Парижем. Обломки римской древности — Форум, Колизей, Пантеон — сохраняют свое значение. Но украшение города потребовало новых решений, цель которых — привести в порядок хаотичные средневековые постройки. Постепенно Рим превращается в «музей под открытым небом», где величавые античные руины и огромные базилики перемежались с творениями, созданными в стиле новорожденного барокко. Тем, кто хочет понять, что же такое барокко в его «чистом» виде, следует приехать в столицу Италии. Римское барокко проникнуто духом театральности. Кажется, что каменная фантазия из пышных фасадов зданий и дворцов, причудливых фонтанов, памятников и обелисков — бутафория, выставленная напоказ на короткое время праздника, вслед за которым последуют обычные серые будни. Великолепием и величавостью привлекают взгляд дворцы Рима с нарядно украшенными главными корпусами и крыльями флигелей (палаццо Барберини). Не менее прекрасны виллы, окруженные садами, где пышная растительность конкурирует с павильонами и скульптурами (вилла д’Эсте в Тиволи). Но особенно поразительны воспетые поэтами и музыкантами фонтаны Тритона на площади Барберини, Четырех рек на площади Навона, исполненные мастером Бернини. Имя Лоренцо Бернини (1598—1680) — своего рода символ римского барокко. Человек разносторонних дарований (архитектор, скульптор, живописец, декоратор), он прожил долгую жизнь, находясь на службе у Ватикана и пользуясь особой благосклонность пап, которые осыпали его заказами и милостями. Бернини проектировал храмы и палаццо, создавал статуи, фонтаны, надгробия знаменитых людей, алтари церквей, проявляя себя как мастер синтеза искусств. Как ни странно, но в его работах, при статусе официального выразителя вкусов Ватикана, нет особого благочестия. Бернини, как никто другой, мог создать произведение, напоминающее волшебную сказку, фантазию, симфонию празднично звучащих красок и форм. В отличие от мастеров Ренессанса он любил «подавлять» своей волей 235 Художественная культура XVII в.: многоголосие школ и стилей Бернини. Похищение Прозерпины Бернини. Аполлон и Дарна природный материал, с которым работал, и гордился своим умением превращать мрамор «в воск», создавать иллюзию мягкости, легкой воздушности. Бессмертный памятник самому себе Бернини воздвиг, доведя до совершенства ансамбль собора Святого Петра, над которым в свое время трудились и Браманте, и Микеланджело. Внутри собора много его скульптурных работ, в том числе огромная, ослепляющая декоративным богатством алтарная кафедра святого Петра с фигурами Отцов Церкви, святых, апостолов и ангелов, сияющих позолотой. Перед собором Бернини соорудил знаменитую овальную площадь с колоннадой, расположенной в четыре ряда. Ее аттик венчают 96 больших статуй; 284 колонны и 80 столбов составляют рисунок, который, по словам мастера, подобен «распростертым объятиям», словно приглашая верующих в лоно храма. Наиболее выдающиеся достижения итальянской живописи на рубеже XVI—XVII вв. связаны с именем Микеланджело Меризи, прозванного Караваджо (1573—1610) по названию местечка в Ломбардии, откуда художник был родом. Биографы считают Караваджо личностью темпераментной и непоседливой, склонной к авантюрам. Караваджо действительно вел беспорядочную жизнь, какое-то время бродяжничал и дружил с бандитами, даже сидел в тюрьме. Умер он совсем молодым. В отличие от художников Возрождения Караваджо, вероятно, не любил размышлять об устройстве мироздания или о том, хорош ли человек. Он просто жил той жизнью, что уготовила ему судьба, и отражал эту жизнь в своем искусстве. С юности художник превыше всего ставил правдивость и конкретность образов, ко- 236 Тема 11 Рим. Вид площади Св.Петра торых изображала его кисть. В числе ранних полотен — «Юноша с лютней» (ок. 1595, Эрмитаж). Как старательно выписывает Караваджо лютню, ноты, фрукты! Как умело подчеркивает он материальность, телесность своего героя! Принадлежа к плебеям, художник сознательно пестовал в себе «антиаристократизм», любил все настоящее, крепкое, лишенное какой-либо искусственности. Принадлежало ли творчество Караваджо к барокко? На первый взгляд у художника слишком мало общего с законодателем барочной моды блистательным Бернини. Но ведь барокко — это не только праздничный «шик, блеск, красота», но и особое видение мира в его изменчивости и динамике. Беспокойного движения полны и композиции Караваджо. Художник любил неожиданные ракурсы, оптические «изюминки», контрасты. Про его работы нельзя сказать «остановись, мгновенье», поскольку способность динамичного развития сюжета — одна из тайн творчества этого мастера. 237 Художественная культура XVII в.: многоголосие школ и стилей На известном полотне Караваджо «Призвание апостола Матфея» (1600) Матфей изображен с двумя приятелями в полутемном погребке, где они с лихорадочной поспешностью пересчитывают деньги. Вдруг распахивается дверь! Обратим внимание: далеко не каждое произведение изобразительного искусства можно «рассказать» так, как это происходит в жизни. Итак, распахивается дверь, и в потоке света виден Христос в сопровождении хозяина погребка. Он властно указывает рукой на Матфея — выбор сделан. Художественная культура Италии во все времена славилась муз^1каль-ным искусством. Есть анекдот про известного русского оперного певца, который, вернувшись из Италии, сказал: «Так, как я пою, там поет каждый дворник». Действительно, певческие традиции итальянского народа исключительно высоки. В чем секрет вокальной одаренности жителей этой страны? В ее ли мягком климате и необыкновенном воздухе, насыщенном запахами горных лугов и морских водорослей, выбрасываемых на берега теплыми водами морей? Или в особой жизнерадостности энергичных итальянцев, живущих от рассвета до заката в полном смысле слова «припеваючи»? Во всяком случае, вокальная «сонастроенность» итальянцев, возникшая в древности, послужила основой бурного расцвета оперного жанра. Опера родилась во Флоренции благодаря усилиям кружка образованных гуманистов, вошедшего в историю под названием «Флорентийская камерата». Кружку покровительствовал богатый меценат, граф Джованни Барди, а среди идеологов этого содружества были видные ученые, поэты, актеры, музыканты (в их числе — отец великого Галилео Галилея Винченцо Галилей — математик, теоретик музыки, композитор). Так что профессиональный уровень «камераты» был чрезвычайно высок, и задачи, которые ставили перед собой гуманисты, — отнюдь не салонно-любительские. Задумали же они возродить традицию античного театра времен Софокла. Свое детище флорентийцы нарекли dramma per musica, что означает «драма на музыку», или «драма через музыку». Иначе говоря, создавался спектакль, где объединялись действие и музыкальное искусство. В середине XVII в. новорожденный жанр стали называть оперой (буквально труд, сочинение). Авторы первой в истории оперы — композитор Якопо Пери (1561—1633, по прозвищу Длинноволосый) и либреттист Оттавио Ри-нуччини (ученик известного поэта Торквато Тассо). Их сочинение под названием «Дафна» до нас не дошло. Зато сохранилась вторая опера 238 Тема 11 «Эвридика». Символическое совпадение: в основу ее сюжета был взят миф, рассказывающий о судьбе музыканта Орфея. Вскоре после премьеры «Эвридики» к тому же либретто обратился другой композитор, певец, участник «Флорентийской камераты» — Джулио Каччини (1550—1618). Его считают родоначальником стиля bel canto (прекрасное пение), без которого невозможно представить итальянскую оперу. Полнота звука, мягкость, мелодическая связность, виртуозное исполнение труднейших пассажей, свободное естественное дыхание — все эти составляющие bel canto не утратили своего из-воначального смысла и в наши дни. Первые «драмы через музыку» представляли собой эффектные придворные зрелища, где еще не было достигнуто то единение действия и музыки, о котором мечталось их создателям. Но спустя всего несколько лет состоялась событие, которое можно считать не формальным, а истинным рождением оперы. В 1607 г. к новому жанру обратился умудренный опытом сочинения месс и мадригалов великий композитор Клаудио Монтеверди (1567—1643), создавший для мантуанского двора герцога Гонзага оперу «Орфей» (сюжет тот же, текст Алессандро Стриджо). Опираясь на принципы «Флорентийской камераты», он вдохнул в спектакль подлинный драматизм, выразительно соединив слово и музыку. Творчество Монтеверди стало поворотным пунктом в развитии оперного искусства. В крупных городах Италии один за другим открываются оперные театры. Незадолго до смерти в 1643 г. Монтеверди написал свою знаменитую оперу «Коронация Поппеи», предназначенную для постановки на венецианской сцене. В основе оперы — сюжет из древнеримской истории: император Нерон, известный своей жестокостью и ненавистью к христианам, влюбился в куртизанку Поппею и возвел ее на престол, изгнав законную супругу Октавию и казнив философа Сенеку — своего друга и наставника. В опере показана сила и слабость Рима, колоссальное величие которого сочетается с распутством и низостью. Музыка Монтеверди с шекспировским пафосом воплощает сплетение различных полюсов жизни — от трагического до комического. Многие произведения Монтеверди не сохранились, либо сохранились в отрывках. Среди них шедевр итальянской музыки — ария Ариадны из оперы с тем же названием. Арию обычно называют «плачем», поскольку написана она в стиле lamento («жалобная песнь»). Этот тип арии стал важной частью опер, открыв композиторам возможность создавать скорбные и нежные мелодии, поющие о печали души. 239 Художественная культура XVII в.: многоголосие школ и стилей Во второй половине XVII в. в итальянской музыке заблистала новая молодая оперная школа, сформировавшаяся в Неаполе. Этот южный город особенно славился любовью к широким распевным мелодиям, снискавшим популярность во всех слоях населения1. Еще в XVI в. здесь возникла консерватория2 — приют для сирот, где дети получали хорошее музыкальное образование. Из неаполитанской консерватории вышли многие знаменитые певцы-виртуозы и целая плеяда композиторов. Стоит ли удивляться, что именно Неаполь становится центром развития оперного искусства? Глава неаполитанских музыкантов Алессандро Скарлатти (1660— 1725) написал более 125 опер, свыше 600 месс, оратории, инструментальные сочинения. Огромным успехом пользовались его оперы «Пирр и Деметрий» (1694), «Великий Тамерлан» (1706), «Митридат Евпатор» (1707), «Телемак» (1706) и др. Скарлатти умел создавать запоминающиеся мелодии, льющиеся широким потоком, мягкие и чувственные. Главная же его заслуга заключается в том, что композитор утвердил оперные формы, которые приобрели значение классического образца. Рассмотрим важнейшие. Опера открывалась увертюрой, в которой чередовались темы разных темпов по принципу «быстро — медленно — быстро». Когда начиналось действие, слушатели с нетерпением ждали исполнения сольного вокального номера — арии, в которой герои выражали свои чувства и демонстрировали bel canto. Ария состояла из трех частей, последняя часть повторяла в точности первую (da capo — с головы). Арии перемежались с дуэтами и речитативами3. В дуэтах герои выясняли отношения, ссорились (дуэт ссоры), мирились (дуэт согласия). В речитативах же раскрывалась суть происходящих событий. Скарлатти утвердил два вида речитатива. Речитатив secco («сухой») исполнялся певцом в свободной манере и сопровождался лишь короткими «сухими» аккордами чембало. Речитатив accompagnato («аккомпанированный», или мелодический) исполнялся в сопровождении оркестра. Создавались оперы на историко-героические или мифологические сюжеты, где главные действующие лица были наделены сильными харак- 1 Сегодня «песенным символом» Неаполя служит знаменитая мелодия «Санта-Лючия» (так называются церковь и небольшая улочка, ведущая к морю). 2Консерватория (от conservare — храните, беречь). Позднее консерваторией ст^и называть профессиональное музыкальное учебное заведение. 3 Речитатив (итал.) — декламировать. Род вокальной музыки, приближенной к разговорной речи. 240 Тема 11 терами и не менее глубокими страстями. Такая опера получила название 8сг1а(серьезная). Как мы убедились, в ее основе была собственно музыка, действие же имело вторичное значение. Со временем опера seria закоснела, стала статичной, превратилась, как говорили критики, в «концерт в костюмах». Но лучшее, что открыл своим творчеством Скарлатти, оказалось неподвластно времени и составило основу музыкальной классики. Итак, итальянская опера XVII в. тяготела к строгому единообразию. Инструментальная же музыка была совсем иной, в ней было много необычного, даже пестрого, что соответствовало и барочным вкусам, и широте музыкальной жизни. Итальянцы чтили орган—украшение католической службы. Самым знаменитым органистом слыл Джироламо Фреско-бальди (1583—1643), которого позднее нарекли «итальянским Бахом» за полифонический дар и умение сочинять сложные фуги. Но царицей инструментального искусства Италии XVII в. стала скрипка — сложнейший инструмент, способный к проникновенному пению и одновременно открывающий возможность блеснуть виртуозной техникой. Ум, трудолюбие, жажда совершенства, пламенная любовь к музыке — все это сошлось в творческом деле мастеров из Кремоны, посвятивших жизнь изготовлению струнных инструментов. Никколо Амати, Антонио Страдивари, Джузеппе Гварнери довели свое искусство до совершенства. Скрипки, запевшие полным голосом, подарили мастерам бессмертие. Свои секреты они не раскрыли, защитив сделанные ими шедевры от бездарного тиражирования. Ценителей скрипичной игры, прекрасных профессионалов-ис-полнителей в то время было немало. Среди них выделяется фигура величайшего скрипача и композитора Арканджело Корелли (1653—1713). Он был основоположником concerto grosso1, в котором воплотилась идея соревнования оркестра и отдельной группа инструментов. Позднее, в XVIII в., этим жанром увлекся великий композитор, «рыжий священник» Антонио Вивальди (1678—1741). Антонио Вивальди установил для концерта форму из трех частей и выделил солирующую скрипку. Самыми популярными в его огромном наследии являются четыре концерта под «говорящим» названием «Времена года». Музыка Вивальди отличается мелодической щедростью и эмоциональной силой, сопоставимой с динамичными образами скульптур Бернини. 1 Концерт (лат. concerto) — состязаюсь. 241 Художественная культура XVII в.: многоголосие школ и стилей Художественное наследие Франции XVII в. нелегко «разглядеть» сквозь череду последующих столетий, в течение которых французский «рог изобилия» осыпал Европу шедеврами литературы, музыки, зодчества, театра, живописи. И все же попытаемся среди влекущих русскую душу названий дворцов, площадей, памятников изобразительного и музыкального искусства выделить те, что несут отпечаток эпохи, связанной с именем грозного кардинала Ришелье и короля-солнца Людовика XIV (вступил на престол в 1643 г.). Но сначала несколько предварительных замечаний. Французская художественная культура, начиная с XVII в., нередко «опережала время», выдвигая новые идеи художественного отображения мира, которые значительно позднее становились достоянием других народов. Париж, громадный по тем временам город (в начале века здесь проживало 300 тыс. жителей, к концу — около полумиллиона), постепенно утверждался как центр европейского искусства. То, что признал или отверг французский сноб, становилось неписаным законом художественной моды. Этот порядок вещей сохраняется в определенной мере и сегодня, а в XVII в. французы выдвинули одну из самых перспективных свежих идей, под влиянием которой стало развиваться европейское (в том числе и русское) искусство. Речь идет о классицизме, новом нормативном стиле. Давайте подумаем, соответствовало ли пышное, яркое барокко парадной жизни французского короля? На первый взгляд барочное искусство как нельзя лучше отражало стремление двора к блеску и масштабности. Так что в качестве официального направления этот стиль был вполне жизнеспособным. Но вспомним: причудливое барокко всегда тяготело к экспрессивности чувств и трагизму, что уже явно не совпадало с установками французского абсолютизма, с его оптимистическим лозунгом, выдвинутым, по преданию, Людовиком XIV: «Государство — это я». Подобная пирамида государственной власти требовала четких, упорядоченных общественных отношений, простых и понятных критериев нравственности, среди которых важнейшими понятиями были «долг» и «честь». Вот почему во французском искусстве зазвучали морализаторские, воспитательные мотивы, а конфликты барокко между грехом и добродетелью сменились конфликтом между личностью и общественно-целесообразным долгом. Отринув барочное (разрушающее, анархичное) восприятие мира, классицизм признал высшей ценностью разумную строгую иерархичность и гармонию всего сущего, 242 Тема 11 вновь вспомнив античные истины. Родились «нормы красоты» и правила рациональной организации материала, следовать которым предписывалось в любом виде художественного творчества. В 1674 г. Никола Буало (1656—1711) обобщил эти идеи в стихотворном трактате «Поэтическое искусство», открыв широкие горизонты для развития классици-стских образов в следующем столетии. А в XVII в. во французском искусстве мирно уживались два течения — празднично-роскошное барокко и рационально-холодноватый классицизм, нередко удачно дополнявшие друг друга. Обратимся к архитектуре. После разгрома Фронды (1653) и укрепления абсолютистской власти Людовика XIV во Франции начинается массовое строительство новых и обновление старых зданий. Париж меняет облик. Быстро растут дворцы, площади с монументами и памятниками, расширяются исторические границы города. На месте Елисейских полей раньше было огромное болото. В 1667 г. его осушили и знаменитый садовод-планировщик Андре Ленотр (1613—1700) создал на этом бывшем гиблом месте широкий проспект, получивший название Гран-Кур (свое нынешнее имя район получил в 1709 г.). В новом качестве явился парижанам перепланированный Булонскии лес, расположенный к западу от столицы и занимающий территорию более 900 га. Обновление коснулось и легендарного Лувра. Немного истории. Слово «Лувр» саксонского происхождения и означает «укрепленное сооружение», что вполне соответствовало его первоначальному предназначению. В конце XII в. эта крепость служила местом хранения казны и важных государственных бумаг, короли же обосновались на острове Сите, самом крупном на Сене. В XIV в. Карл V Мудрый решил превратить Лувр в свою резиденцию, но после его смерти короли здесь более не жили. Лишь в 1546 г. Франциск I велел снести старую крепость и на ее месте возвести новый ренессансный дворец. При всех последующих правителях здание продолжало расширяться. Пополнялись и его художественные ценности, собиранию которых положил начало все тот же король Франциск I. При Людовике XIV формирование облика Лувра было окончательно завершено постройкой восточного фасада (так называемая Колоннада) и обустройством Квадратного двора. Работы были завершены к 1678 г. Руководил постройкой автор проекта Клод Перро (1613—1688). В Колоннаде, возведенной Перро, угадываются античные черты с их математически четкими пропорциями и рациональной простотой ко- 243 Художественная культура XVII в.: многоголосие школ и стилей Версаль. Зерк^ьная галерея Собор Инвалидов ринфского ордера. Спокойное величие духа! Этот образ соответствовал идеалам нового времени. Колоннада воспринимается как выражение незыблемости государственного порядка. Неслучайно Лувр послужил образцом для многих правительственных зданий Европы. Париж преображался в процессе сооружения городских ансамблей, парков и площадей. Запоминающийся художественный образ — ансамбль Инвалидов. Он включает приют, церковь Святого Людовика и собор. Строительство этих зданий началось при Людовике XIV, который озаботился судьбой старых бездомных солдат, потерявших здоровье в боях за короля Франции. Громада собора отдаленно напоминает собор Святого Петра в Риме. Проект этого шедевра принадлежит Жюлю Ардуэн-Мансару (1646—1708). Фасад здания делится на две части. Нижняя, квадратная, украшена колоннадой с фронтоном. Верхняя — огромных размеров барабан, окруженный парными колоннами. Его завершает купол, покрытый гир- 244 Тема 11 ляндами цветов. На куполе — корона, на ней — фонарик со шпилем. С XIX в. внутри собора, точно под куполом, располагается гробница Наполеона, что придает всему ансамблю Инвалидов торжественное, чуть мрачное величие. В ХVII в. архитекторы Франции решили, наверное, самую важную для себя задачу. Они стали сооружать дворцово-парков^1е комплекс^1, подчиняя их закономерностям классицизма. Французский регулярный парк предстал подлинным произведением искусства, где геометрически правильная планировка выражала модную идею соподчиненности частей и целого. Цветники и дорожки такого парка пролегали так, чтобы в определенной точке человек мог наблюдать всю бесконечную линейную перспективу, раскрывавшуюся от дворца, который располагался по центральной оси симметрии. Это великолепие дополняли каналы, водоемы, скульптуры, фонтаны. Первым опытом создания грандиозного ансамбля в невиданных ранее масштабах стал дворец Во ле Виконт, создателями которого были Луи Лево (1612—1670) и уже упомянутый нами садовод-планировщик Андре Ленотр. Впрочем, этот комплекс был лишь прелюдией к возведению самого великолепного из когда-либо сооруженных дворцов, имя которому — Версаль. Русский художник А.Н. Бенуа назвал Версаль «исполинским храмом под открытым небом». Действительно, это творение несет в себе особую веру в силу человеческого разума. Версаль — не только символ французского абсолютизма, но и тщательно продуманный, идеально организованный художественный образ, воплощающий мечту о государстве и обществе, основанных на рациональных законах гармонии и красоты. Дворец, фасад которого растянулся на полкилометра, имеет три этажа. Первый — его тяжелая основа, второй — парадный, самый высокий, третий, венчающий здание, — невысокий и легкий. Облик наружных дворцовых стен по-классицистски строг: в четком спокойном ритме выстроилась череда колонн, окон, пилястр. Совсем иначе выглядят внутренние покои Версаля. Они поражают своей роскошью, пышной декоративной отделкой в духе фантазий барокко. Бесконечная анфилада комнат второго этажа приводит к «святая святых» — спальне короля. Здесь начинался и заканчивался королевский «рабочий день», и сюда каждый француз в любое время имел право заглянуть, чтобы убедиться: король жив-здоров и правит своим народом. Между «Залом войны» и «Залом мира» расположена знамени- 245 Художественная культура XVII в.: многоголосие школ и стилей тая Зеркальная галерея (длина 73 м, ширина 10 м) с окнами, выходящими в парк с одной стороны, и зеркальной стеной — с другой. Ее сияющую роскошь трудно описать! Фантастически прекрасное зрелище открывается глазу в вечернее время, когда тысячи хрустальных подвесок и золотые декоративные украшения отражаются в зеркалах при свете свечей. Смысловой акцент этой феерии придают плафонные росписи, прославляющие в аллегорической форме Людовика XIV, короля-солн-це, согревающего в своем сиянии земное бытие. В связи с этим заметим, что Иисусу Христу в росписях Версаля отведено весьма скромное место: величие земного кумира и тогда, и сейчас не терпит «соперничества» небожителей. Декоративное искусство представлено в Версале во всем своем многообразии. Инкрустированная панцирем черепахи, перламутром, слоновой костью, ценными породами дерева парадная мебель, скульптура, декоративная бронза, шпалеры, вытканные на Королевской гобеленовой мануфактуре, — все создавало эффект парадности, богатства, величия, помноженных на прекрасный вкус, чувство меры и огромное мастерство. Руководил этими работами «первый художник короля» Шарль Лебрен (1619—1690). Из окон Зеркальной галереи открывалась перспектива Версальского парка, веером расходившегося от дворца. Дали парка завершались зеркальной поверхностью Большого канала. Парк изобиловал фонтанами, скульптурными группами, статуями и рельефами с разного рода аллегориями. Со временем подобные парки возникнут и в России. Версаль же остался для всего мира олицетворением торжества национальной идеи Франции. Основоположником классицистского направления во французской живописи стал Никола Пуссен (1594—1665). Сюжеты его работ удивляют своим разнообразием: мастер обращался к античной мифологии, древней истории, Библии, творениями Ренессанса, умело подчеркивая в своих картинах идеи, созвучные современной эпохе. Пуссен стремился к благородному равновесию рационального начала и чувства, к гармоничной согласованности частей и целого, к ясному выражению основной мысли и величавому спокойствию. Идеал мастера — человек-герой, способный выстоять в любых жизненных испытаниях и сохранить твердость духа. Одна из лучших работ Пуссена — «Танкред и Эрминия», которая стала программным произведением новорожденного французского класси- 246 Тема 11 Пуссен. Танкред и Эрминия цизма. Сюжет полотна взят у итальянского поэта Т. Тассо: прекрасная Эрминия отрезает волосы, чтобы перевязать раны героя крестового похода, доблестного рыцаря Танкреда. Классицистский пейзаж получил достойное развитие в творчестве художника Клода Желле, прозванного Лорреном (1600—1682). К лучшим его работам относится цикл картин, находящихся в Эрмираже: «Полдень» (1651), «Вечер» (1663), «Утро» (1666), «Ночь» (1672). Мягкая манера письма позволяла Лоррену добиваться особой выразительности в передаче воздуха и света, придающих его пейзажам эмоциональную поэтичность. Героическую гражданственность, пестуемую в эпоху Людовика XIV, полнее всего выразил французский театр, сначала драматический, а затем оперный. Нормой красоты нового классицистского театра стала греко-римская трагедия, удачно переосмысленная на парижский лад и взывавшая не столько к чувствам, сколько к разуму. Приоритет общественного долга, отказ от личного счастья во имя высших интересов и нравственных устоев, пагубность разнузданных страстей, не смиряемых рациональным подходом к ситуации, — все эти главные мотивы классицизма в полный голос зазвучали и в молодой французской тра- 247 Художественная культура XVII в.: многоголосие школ и стилей гедии, и в ранней французской опере, сделав театр глашатаем актуальных общественных интересов. В 1632 г. в парижском «Театре Маре» состоялась премьера пьесы «Сид», потрясшей французскую публику. Чувство восторга, охватившее парижан, сохранялось долго, об этом свидетельствует рожденная в те дни поговорка, существующая до сих пор: «Это прекрасно, как ”Сид”!» Что же необычного заключала пьеса драматурга Пьера Корнеля (1606—1684)? «Сид» рассказывает печальную историю со счастливым концом. Некий испанский дворянин Родриго по прозвищу «Сид» (что по-арабски означает «знатный господин») задумал жениться на любимой девушке по имени Химена. Но неожиданно отец Химены в ссоре залепил пощечину отцу Сида. Жених стал заложником чести и после долгих мучений убил отца невесты. Химена же, жестоко страдая, просит короля казнить Родриго. Но все кончается миром: король своею властью отменяет месть и соединяет любящие сердца. «Сид» — первый образец классицистского театра, воплощение на сцене актуального с точки зрения тогдашних зрителей конфликта, переданного Корнелем с возвышенной простотой. Представим: пустая сцена, где украшением служит разве что пара колонн и одно кресло. Никакой смены декораций, никаких лишних действующих лиц или эпизодов. Герои говорят высоким слогом великолепной поэии, где благородное изящество текста подчеркивается актерскими интонациями и где нет места разговорной грубости повседневной речи. Бурные кровавые события остаются «за кадром»: действующие на сцене персонажи лишь рассказывают о них. Поэтическая проповедь превосходства разума над чувством, долга над страстью — в этом заключается пафос трагедий Корнеля («Гораций», 1640; «Цинна», 1640—1641; «Полиевкт», 1641—1642). В них окончательно сложились главные нормы классицист-ского театра: пять актов, единство времени (события пьесы происходят в течение суток), места (все разыгрывается в одном месте) и действия (ничто постороннее не мешает развитию главной линии сюжета). Последователь Корнеля драматург Жан Расин (1639—1699) свои лучшие сочинения посвятил противоборству страстей в человеческой душе, обуреваемой любовью. В их числе трагедия «Андромаха» (1667)1. 1В трагедии «Андромаха» отвергнутая жена царя Пирра по имени Гермиона в ярости ревнивой страсти поручает Оресту убить своего мужа^. Но после убийства она возненавидела Ореста и мучается рас^аян^е^. В отчаянии Гермиона закалывается. Над ее трупом кончает жизнь и Орест. 248 Тема 11 А.С. Пушкин, прекрасно знавший в подлиннике и любивший французскую классицистскую литературу, сравнил поэта Жана де Лафонтена (1621—1695) с русским баснописцем И.А. Крыловым, предрекая, что «оба они вечно останутся любимцами своих единоземцев» как «представители духа обоих народов». Конечно, внешне Лафонтен мало напоминал простого француза (впрочем, и Крылов весьма отличался от русского крестьянина). По моде двора Людовика XIV, французский поэт щеголял в напудренном парике, раззолоченном камзоле, пользовался духами, уже тогда имевшими очень тонкий аромат и великолепное качество. И вместе с тем он сумел в своих баснях, которые писал более четверти века, создать «энциклопедию» нравов и пороков своего времени. В иносказательной форме, под масками животных Лафонтен обличал лицемерие, ханжество, скупость, лизоблюдство — все те качества, проявление которых он наблюдал воочию у людей, не только окружавших престол. Наблюдательность и природное французское осторумие баснописца сопоставимы разве что с шедеврами замечательного драматурга Жана Батиста Поклена, известного под псевдонимом Мольер (1622—1673). Сын владельца обойной мастерской, Мольер еще в молодости отказался и от отцовского дела, и от профессии адвоката, которую ему прочили. Он стал бродячим актером, исколесив со своей труппой полФранции. Для этой труппы он начал сочинять комедии, пытаясь в смешных ситуациях раскрыть существенные стороны жизни современного общества. На этом поприще Мольер сделал прекрасную карьеру: Людовик XIV его заметил, комедиограф стал служить при дворе. Сын своего времени, Мольер мыслил в категориях классицизма. Ему были близки четкость, ясность мысли, нравоучительность идей, которые более всего ценились в искусстве театра. Вместе с тем комедиограф весьма ловко вписал в классицистские театральные традиции грубоватый плебейский юмор, идущий от народной буффонады. В его пьесах живым языком заговорили напыщенные аристократы, ограниченные буржуа, развращенные дворяне, придурковатые мещане, выставленные на всеобщее посмешище в своем истинном обличье. Сатирические типы, созданные Мольером, являют не столько французские, сколько «вечные» пороки человечества. Буржуа Гарпагон — олицетворение скупости, болезни души, что вытесняет любые благородные чувства и мысли (комедия «Скупой», 1668). Богатый мещанин Журден — воплощение глупости, замешанной на чванстве, точный портрет недалекого человека, решившего подражать жизни об- 249 Художественная культура XVII в.: многоголосие школ и стилей разованных аристократов («Мещанин во дворянстве», 1670). Но, пожалуй, с особой силой Мольер изобличил лицемерие, считая его наиболее опасным для общества пороком. Образ Тартюфа, главного героя комедии «Тартюф, или Обманщик» (1664) стал нарицательным для обозначения человеческой лживости и фальши. Во Франции комедии Мольера шли в сопровождении музыки, которую создавал выдающийся композитор, основоположник французского оперного искусства Жан Батист Люлли (1632—1687). Дирижер, скрипач, клавесинист, автор балетов, инструментальной и вокальной музыки, Люлли прошел сложный жизненный путь, во многом схожий с судьбой Мольера. Сын мельника из Флоренции, Люлли еще в детстве был увезен во Францию, которая стала для него истинной родиной. Свою карьеру мальчик начал... поваренком на кухне у одной из принцесс королевского дома. Здесь обратили внимание на его необыкновенную музыкальность и стали обучать игре на скрипке. Уже в 21 год Люлли достиг прекрасного положения при дворе, сначала как творец инструментальной музыки, а затем как «маэстро королевской семьи». В последние два десятилетия своей жизни Люлли написал 15 опер. Свои сочинения для музыкального театра Люлли называл «лирическими трагедиями» («лирическая» означало в данном случае «поющаяся»). В операх («Альцеста», «Тезей») композитор подражал возвышенному поэтическому слогу Корнеля и Расина, поэтому в его творениях важное место занимает исполненный патетики монолог. Невозможно представить облик аристократической Франции без инструментальной музыки. И если верно, что каждому времени созвучны свои тембры, то трудно найти инструмент, который звучал бы более естественно в роскошных залах при свете свечей, нежели клавесин. Музыка французских клавесинистов — еще одна замечательная страница искусства XVII в. Клавесин (или чембало) — клавишно-щипковый инструмент; при ударе о клавишу перышко зацепляет струну и она издает гулкий, но отрывистый звук. При таком устройстве невозможно играть плавные связные мелодии, так как звучность каждого тона быстро спадает. И все же для своего времени клавесин обладал многими преимуществами перед другими инструментами. У него был очень красивый тембр и изумительная возможность достигать легкости, изящества, «жемчужной россыпи» в пассажах. Самым выдающимся мастером французской клавесинной школы был Франсуа Куперен (1668—1733). Наследие Куперена разнообразно. Опуб- 250 Тема 11 ликованные еще при жизни автора многочисленные пьесы д^я клавесина в большинсве своем имеют программные заголовки: «Душистая вода», «Чепчик на ветру», «Сборщицы винограда», «Жнецы», а также «Эпитафия лентяю», «Престарелые щеголи и перезрелые красавицы», «Сплетница», «Старички и старушки на ходулях». Эти пестрые образы привнесли в замкнутое салонное искусство дыхание живой жизни. В то время как в XVII в. художественная культура Франции, а следом за ней и других европейских государств, устремилась по пути классицизма, нищая, униженная и разоренная Германия хранила длительную «паузу», чтобы вновь заявить о себе в лишь конце столетия новым высоким всплеском барокко в музыкальном искусстве. Немецкий дух, живой и могучий, возвестил о себе в творчестве Г.Ф. Генделя и И.С. Баха. Георг Фридрих Гендель (1685—1759) прошел длинный и сложный творческий путь. Он родился в городе Галле в семье придворного саксонского цирюльника-хирурга и был воспитан в традициях немецкой бюргерской культуры. Но судьба распорядилась так, что большую часть своей жизни Гендель провел в Англии, которая стала его второй родиной. Диапазон творчества композитора очень широк. В Англии, сообразуясь со вкусами британского высшего света, Гендель писал оперы seria, создав свыше 40 сочинений данного жанра. Обладая ярким виртуозно-исполнительским дарованием (Гендель выступал как солист на органе и клавесине), композитор сочинил немало инструментальной музыки. Но подлинных высот мастер достиг в жанре оратории1, где ярко проявились его индивидуальность и огромное мастерство. Наибоее популярным сочинением композитора является оратория «Самсон» (1743), созданная на основе библейского сюжета2. Столкновение двух противоборствующих сил, двух народов убедительно передано в музыке, изобилующей яркими драматическими контрастами. Так, ария Самсона, ослепленного, лишенного своей волшебной силы, ожидающего смерти, звучит горестно, скорбно, сдержанно. Ария Далилы полна обольстительной прелести, ее вкрадчивые интонации говорят о скры- 1 Оратория — крупное сочинение для певцов-солистов, хора и оркестра, имеющее драматический сюжет и предназначенное для концертного исполнения. 2 И^аильтяне одержали блистательную победу над филистимлянами благодаря бесстрашию и бога- тырской силе их полководца Самсона^. Жена Самсона, филистимлянка Далила, узнает, что сила Самсона скрыта в его волосах. Ночью она обрезает волосы у спящего героя. Филистимляне ликуют: они схватили Самсона^, ослепили, заковали в цепи. С^сон взывает к Богу, моля его о справедливости. Бог возвращает Самсону чудодей^в^ную силу, герой рвет цепи и разрушает храм, хороня врагов под е^о обломками и погибая сам. Народ Израиля спасен (Судей Израилевых, 16). 251 Художественная культура XVII в.: многоголосие школ и стилей том коварстве помыслов героини. Большое место в оратории занимают хоры, передающие чувства и переживания народа. В оратории в соответствии с жанром нет сценического действия, но, слушая музыку Генделя, мы отчетливо представляем облик героев, их внутреннее состояние. В этом сила генделевской музыки, для подробного описания которой, по словам Ромена Роллана, нужна целая жизнь. «Не ручей, а море должно быть ему имя»1 — эти крылатые слова немецкого композитора Людвига ван Бетховена можно считать эпиграфом к величайшему явлению человеческого гения — музыкальному искусству Иоганна Себастьяна Баха (1685—1750). Наверное, стоит отметить, что чем ближе рассматриваемые памятники художественной культуры к нашему времени, тем реже в их содержании упоминаются слова «Бог», «святость», «духовность». Действительно, европейское искусство все стремительнее уходило от этих понятий, то углубляясь в светские проблемы повседневного быта, то бичуя людские пороки, то прославляя власть имущих. Конечно, в каждом высоком творении, отмеченном вкусом, гармонией, профессионализмом, есть творческая «частичка Бога». Но все же очевидно, что Европа в конце XVII в. стояла на пороге рождения новых художественных традиций, где сознательно утверждалось желание «жить без Бога», «построить рай на Земле», а религиозность объявлялась человеческой глупостью, несовместимой с разумом. Только один факт. Через год после смерти Баха, в 1751 г., начала выходить в свет знаменитая французская «Энциклопедия, или Толковый словарь наук, искусств и ремесел», текст которой отражал атеистические ценности, возведенные в ранг последних достижений научной мысли. Не потому ли музыка Баха, своими корнями уходящая в живую народную веру, обращенная к образу Иисуса Христа и христианской духовности, была в то время забыта? Не потому ли она казалась ближайшим потомкам слишком сложной, что заставляла углубленно размышлять над проблемами жизни и смерти, добра и зла, требуя самоотдачи, а не самоуслаждения? Должно было пройти немало лет, чтобы слушатели вновь обратились к бессмертным творениям Баха. Это случилось лишь в 1829 г., когда молодой, но уже известный композитор Феликс Мендельсон открыл в Берлинской королевской библиотеке никому не известные ноты, оказавшиеся ^ Бах (нем. Bach) — ручей. 252 Тема 11 шедевром баховского творчества — ораторией «Страсти по Матфею», созданной еще сто лет назад и совершенно неизвестной слушателям. Бах прожил жизнь, типичную для музыканта бюргерской Германии, из которой он никуда не выезжал. Композитор родился в Тюрингии, в городе Эйзенахе, в роду, где не было иной профессии, кроме музыки. Семья была религиозной, с крепкими нравственными устоями, и с детства привила будущему композитору трудолюбие, упорство, стремление к совершенствованию, ответственное отношение к своему ремеслу. Биография Баха бедна яркими событиями житейского плана. Он жил в разных немецких городах, как небольших, так и крупных, и писал музыку, сообразуясь не только с внутренними порывами души, но и с потребностями своей службы. В его творчестве духовная и светская музыка нераздельно связаны, что характерно для композиторов протестантской Германии, которые, следуя заветам Лютера, считали музыкальное искусство даром Господа, «радостным Божьим творением». Будучи набожным человеком, Бах также сочинял «во имя Господа» (in Nomine Dei), в его рукописях часто встречаются аббревиатуры JJ или SDC, что означает «Иисус, помоги» и «Единому Богу слава». Композитор прекрасно знал Священное Писание и суть церковных служб, был сведущ в богословии. Библия на двух языках — немецком и латинском — была его настольной книгой. Но, как представитель европейской культуры рубежа XVII—XVIII вв., Бах был не похож на угрюмого средневекового схоласта. Он мыслил широко и свободно, заменив слепую веру глубокими философскими размышлениями над ее сутью. Протестантизм как религия давал ему основание для раздумий о личном загробном спасении, а проникновение в смысл общехристианских богослужебных текстов открывало дорогу к самопознанию и самосовершенствованию. Потому композитор обращался и к протестантским, и к католическим формам богослужебной музыки. Бах оставил огромное наследие — свыше 1000 произведений разных жанров, относящихся к сферам органной, вокально-хоровой и светской инструментальной музыки. Блестящий импровизатор на органе, он создал для этого инструмента сочинения, не имеющие равных в мировой органной литературе: речь идет о обработках протестантских хоралов. Бах первым стал писать концертные произведения для клавира (т. е. для клавишных инструментов типа клавесина, клавикорда, первых ранних видов фортепиано), «предсказав» всем своим творчеством будущий расцвет этого инструмента. Композитору удалось преодолеть «ударность» звучания клавира и показать, что клавиши могут «петь», как скрипка или 253 Художественная культура XVII в.: многоголосие школ и стилей голос. Желая помочь своим ученикам добиться хорошего слитного звучания инструмента, Бах создал «Инвенции» и «Маленькие прелюдии и фуги», с которых и сегодня начинают свой путь в музыку юные пианисты. Среди вершинных сочинений Баха — два тома из 24 прелюдий и фуг под названием «Хорошо темперированный клавир». В этом сочинении Бах окончательно утвердил так называемый темперированный строй клавира, при котором октава делится на 12 равных полутонов (как и современное фортепиано); каждая из 24 прелюдий и фуг написана в одной из мажорных или минорных тональностей. Фуги Баха знаменуют вершину полифонического стиля, отмеченного мастерством владения сложной полифонической формой и глубокой духовной насыщенностью. Среди вокальных сочинений грандиозностью замысла выделяется Высокая месса си минор (1733—1738). Месса состоит из пяти традиционных еще со времен Средневековья частей. Однако композитор разделил каждую часть на отдельные номера (их общее число 24), среди них ведущее место заняли хоры. Месса, в исполнении которой участвуют большой смешанный хор, солисты, орган и оркестр, отличается сложностью и многогранностью образов, контрастным чередованием патетики, скорби и ликующей радости. В числе самых выразительных номеров — хор «Crucifixus» («Распят»), передающий состояние безысходного горя. Оратории, которые писал Бах, относятся к религиозному жанру протестантской церкви под названием пассионы (или «страсти»). В основе музыки — текст Евангелия. В «Страстях по Матфею» Бах обратился к строкам евангелиста Матфея, отобрав среди них те, что передают остроту и трагизм событий Страстной недели. Это предательство Иуды, моление о чаше в Гефсиманском саду, отречение Петра, крестный путь Христа и его мученическая смерть. Решая задачу небывалой сложности, Бах обращается к огромному составу исполнителей: два (или три) хора, солисты, два оркестра, два органа, солисты-вокалисты и солисты-инструменталисты. Текст Евангелия постоянно присутствует в ткани композиции, звучит в бесстрастной размеренной речи речитативов евангелиста, в эпизодах, исполняемых разными солистами, в ариях главных действующих лиц. Особую роль в «Страстях...» играют хоровые эпизоды, которые цементируют действие и передают «голос народа», эмоционально комментирующего события. Сцена на Голгофе и крестная смерть Иисуса Христа решены в музыке «тихой» кульминацией, несущей в себе огромную духовную силу. 254 ,1Ш.цц,удя 1^1 fy i-^Ч щ <> i ik* и ч Rci <1.^11 * r^i . d Ikd ^ «Га1^1лет» , а во (Флоренции — перв опероа. В то1и >ое го,£?у^ ^ Риме по приговору? инквизиции (5ыл со:но<:е1н (Тзилософз и поэт ,1]Ииор,£?ано ЕГруно , отст^и-^ав1ший и,£?ею 1множ^отвепносьти М1иро^. 1^ак, по-вашему, о чем говорит такое противоречивое начало XVII в.? 4. Какга^ куузык;^ з^у^кал£1 во ^ре1е^па ОВекспира"? 1^то соз,£у£^ английскую оперу? 5. Существуют сотни сочинений зарубежных и русских ком-позиторуов, сноз,£^анных по творень'оям сие1^спира. С:ре,£си авторов опер) и симфонич^(^ки>ь произв^д1вни£? Е|ерли(?з, Лист, [ПОу^гь^н, Е!ер,ци, Гу/’нсо, |,ессини и др. (Включите отечественных ьокгпозитоиов в ^тот рядн. 6. Расскажите, какие события произошли в XVII в. в жизни народа Испании. Какими нрав^кли славился испанский! диоор? Что понималось под слсиво1м «честь»? Е)Ыло ли соответствие между обнн^ст^еннынс развитге1И1 итрк^ны! и р)ас1иветок/1 >гу^цoж^ственнoио пворчест^а исианских 1масг-теров? 7. Рассксжите о творчестве Серк^ьнт^с;^. Что сегодня .\hidI поних/1^е1)г под донкихотством? 8. Какие комедии «плаща и шпаги» вы знаете? Кто из испанских дра1.1^ту^рго^ наиболее иьв^с^т1^н? 9. Какие произведения Эль Греко, Риберы, Сурбарана вы знаете? Назовите их. В чем особенность творчества Веласкеса? 255 rfci f>' i-^4 u ft-i- <> i ik4 Ш Ы Ч Rci . d Ikd krt;i ы *^ч f> iik* f?( Щ Щ <:> Ш Ш Ш A Ih-I 1^4 к чН4 .lAi d^i »P^4 <«> i-iAm m N 4Г^н ] %lhi ВОПРОСЫ И ЗАДАНИЯ 1. К^кие nepeivieHbi прои;зош.пи в русской художественной кульзтур)^ ^ начап!^ Х\/!!! ^.7 Относпятся пи к |эусско1ку искусству спо^аН.,^. Кара1мзина: «Петро Вепи1^ий,соедини^ нас си [щв|эспг1сп10 и гюказ£П1и нс/i^ Е311||'од1э1 прюс^^с^ення, 1^е^ надолго унизил н^роднуоз 1“о[зд^осзтьз рзуссоских. М|ы ^зг;Ея-нули, так с:к;^зать, i-Еа Е^вроп^ Ео о,дним1 взсЕро1Н1 прис:^оили себе [/.лоды долгов|эем1енных трудов ее»7 2. Что такое «русская ^вроп^йс:кос?т 1з»7 Что прюизос^.^о с трп^н диция1ми древн^рЕуссвкого иск'/ссзтв^ в)|\^!!! в.7 3. Н.М. Карамзин в «Письмах русского путешественника» пис:ал: «Г/Еа^нспе де/Ео б1з1т1э людьмт, а н^ с:л^вянЕ^1ми. Что .eoiDOUHCJ д^л^ нп^д^^Н, тсо н^ мо>1<:^т (5ыт1э дуЕ|эно для |э^с:-ских...». Как соотнспс:итс:я это в!н1сказ1Е1в^ние с |э^з^итЕЕе^Еl русской кул1зтур1з|7 ^вo:н<:нo ли говсзритн сп£) оСЗщности рус:-сксзго и еврсзп^йсксзго ис:еусстваХ\П!!! в.7 4. Кганп^ с^ти.ни харнссктерны для р)Еуисского искусства начала и конца XV!!! в.7 Приведите примеры. 5. Как вы прэе^дспт^вееяете архитектуру времен Петра !7 Какая живопись была тогда в моде? Какая музыка звучала на асс:Еа1е(5.веях и б^.п^, служ^и.ли ли Енусски^ ко1Я1позитор)ы при П^тронско1Я1 /п^о|эе'п 6. В пр^кр^с^ной кннге Н.!Я. ^BHд^ль^еан^ «Твой восемнадцатый век» есть слова: «...для России же это был век, ко гд^ сзсновЕ^н П^тс^рЕЕЭург и выи 1“ран^ Н1о.нт^вск^я битЕ^а, воспстал Пунвач^в и шя^л чер^н/ульпы Суворнов...». Прод^ол-жинес^ти «знако^1з1^» перяечисл^ние, испо.льснупях'/дояж^ст-венные прлоислведп^ния рустских авторов. 7. Встпоуните пс^хи ру^сзвития руусской литературы XV!!! в. от ^/I.В..Лoмoнoсoв^дo Г".Р'. Деружа1вина. Как отразились в ней нормативные установки классицизма? В чем выразился просунутительский характер творений пис:)ат^.пей Р<ос:сии Х\Н!!1 в.7 (Повтор^ни^ прусуйТдс^нного по литер^пуре). 8. А.С. Пулпкин свчитал, что «п^р^,. новоп/ сто.внцей поЕ^еркл^ старлея 1Москва». Согласны .ии вы п епо с.пcyва^/lи1? Каки^ арухи-текторы внесли вклад в строительство Санкт-Петербурга? t> *А 373 rfci f>' i-^4 u ft-i- <> i ik4 Ш Ы Ч Rci . d Ikd ж:ите о творочестве В./\. 1Ба:н<:^нова, 1^.Фз. Ка;закова, П.1Е. Сатарова. 10. Расскажите о творчестве основателя исторического жанра художника А.П. Лосенко. В чем «театральность» его полотен? К^ки1м ид^ала1м ве|эе1-1 1м^сте|э в своих лучив их работах? 11. В связи с какимш теч^ния1ми об1н;^ственной мысли возникла к исвкувсвств(^ «кр|^свтьянск^ян темеа»? Как пр(^дстав-ляли креестп^ян ху/дножники Х\/!!! Ei.? (Сопснставьт.^ полотно Е!.Л. Есоровиковского «Ли;вынька и Дашинька» с работой И.А. Ерменева «Нищие». 1F?. Руссский поэтЯн.П. Полонский н^нисал: Онв^дна^но прошпла, и нетуужт1вх гл^з ИВ той уллыбки нет, чтсз 1\»олча выражали Страданье — тень любви, и мысли — тень печали, Но красоту ее Боровиковский спас... К каким портретам Боровиковского, Рокотова и Левицкого можнсз отнести эти слова? 13. Просветит1^ль,поэт, др;^^чат■у|вг)?\^!!! в.ГВ.А. Плавильщиков писал: «По>Евал^ ^а1не^ ит^кякской мулзы/^ и охуление русской султ!. "в^кие в^ири, н^ кото|эы^ не знаю я, что вам сказать... Российский народ благодаря Всевышнему во еснов^нии душми с^оей и1^ВЕ;^т ко всемг непсзстиж:и1^вую спснсобнсосн'Еь?: он 1Еожет гр^1меть в 1\/1арсовою трвубок:), н/Аполлоновою лирою, и собирать со всех частей наук и художеств славные подати...». Какие аргументы вы мо-ж:ет^ прсив^сти ^ по??ьзуЕыск:^занного 1мнения? Р^сскажв-те о русс:ких ко1мпозитз|г^х эпохи ПросвеЕ^егнн'ня?. ■ 3-jZ.-3-:a "д:,а-_*_-аЕ: а ■kSi 374 Литература 1. Вазари Дж. Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих. Т. I—V. Под редакцией А.Г Габричевского. М., 2001. 2. Дмитриева Н.А. Краткая история искусств. кн. 1—2. М., 1996. 3. Искусство Китая. М., 1998. 4. Искусство Японии. М., 1985. 5. История мировой культуры: Справочник школьника. М., 1996. 6. Куманецкий К. История культуры Древней Греции и Рима. М., 1990. 7. Любимов Л.Д. Искусство Древнего мира. М., 1997. 8. Любимов Л.Д. Искусство Древней Руси. М., 1996. 9. Любимов Л.Д. Искусство Западной Европы. М., 1996. 10. Майкопар А. Новый Завет в искусстве: Очерки иконографии западного искусства. М., 1998. 11. Мень А. История религии. В поисках Пути, Истины и Жизни. М., 1994. 12. Мирецкая Н.В., Мирецкая Е.В. Культура эпохи Возрождения. М., 1996. 13. Мирецкая Н.В., Мирецкая Е.В., Шакирова И.П. Культура эпохи Просвещения. М., 1996. 14. Мифы народов мира: В 2-х т. М., 1997. 15. Популярная художественная энциклопедия: В 2-х т. М., 1986. 16. Рапацкая Л.А. Русское искусство XVIII века. М., 1995. 17. Рапацкая Л.А. Художественная культура России: от Древней Руси к «золотому веку». М., 2000. 18. Рапацкая Л.А. Четвертая мудрость: О музыке в культуре Древней Руси. М., 1997. 19. Тюляев С.И. Искусство Индии. М., 1988. 20. Филатов В.В. Краткий иконописный иллюстрированный словарь. М., 1995. 21. Холл Дж. Словарь сюжетов и символов в искусстве. М., 1997. 22. Энциклопедия для детей и юношества. История искусства. М., 1996. 23. Энциклопедия литературных героев. М., 1997. 375 Учебное издание Рапацкая Людмила Александровна МИРОВАЯ ХУДОЖЕСТВЕННАЯ КУЛЬТУРА Учебник для учащихся 10 класса В 2-х частях Часть 1 Редактор Н.В. Евстигнеева Зав. художественной редакцией И.А. Пшеничников Художник обложки А..В. Щетинцева Компьютерная верстка О.Н. Емельянова Корректор Н.В. Шмитько Лицензия ИД № 03185 от 10.11.2000. Санитарно-эпидемиологическое заключение № 77.99.60.953.Д.009001.08.08 от 21.08.2008. Сдано в набор 11.05.01. Подписано в печать 20.09.02. Формат 70x90/16. Печать офсетная. Бумага офсетная. Усл. печ. л. 27,49. Тираж 50 000 экз. (4-й завод 30 001-35 000 экз.). Заказ № Гуманитарный издательский центр ВЛАДОС. 119571, Москва, просп. Вернадского, 88, Московский педагогический государственный университет. Тел. 437-11-11, 437-25-52, 437-99-98; тел./факс 735-66-25. E-mail: [email protected] https://www.vlados.ru ОАО ПИК «Идел-Пресс». 420066, Республика Татарстан, г. Казань, ул. Декабристов, 2.